РЕЦЕНЗІЯ: «Гекуба», White Bear Theatre ✭✭✭

Гекуба

White Bear, Кеннінгтон

18/07/15

3 зірки

Еврипіду досі приділяють менше уваги, ніж його старшим колегам із великого тріумвірату грецьких драматургів — Есхілу та Софоклу. І все ж у багатьох відношеннях його п'єси промовляють до нашого постмодерного сприйняття безпосередніше, ніж витончені, суворі та багатошарові дослідження конфлікту індивіда й громади в Орестеї чи «Фіванському циклі». Його свідомий вибір сюжетів, що стоять трохи осторонь основної дії, привертає увагу до персонажів (часто жіночих), які зазвичай ігноруються у великих політичних та військових драмах. Вибір дилем або ситуацій, що досліджують граничні стани розуму та неможливість вибору, здається ближчим до реалій нашого сучасного світу, ніж багато «добре зроблених» п'єс минулого століття. Ми можемо не вірити в Ериній чи Фурій як реальних суб'єктів втручання, але драматичні тропи помсти та невиправданих страждань у неймовірних масштабах, на жаль, так само звичні в новинах, як і на сцені. З усіх цих причин нова постановка Гекуби є дуже доречною і не може не спонукати до роздумів, навіть якщо вона поєднується з паралельним переказом історії на сучасний лад, що іноді заважає оригіналу.

Еврипід розпочинає свою оповідь там, де традиційні хроніки зазвичай закінчуються — з падінням Трої та фінальним розрахунком між грецькими переможцями та троянцями, що вижили. У центрі уваги — королева Гекуба, тепер вдова Пріама, розбита горем через втрату більшості дітей та знищення міста, де вона з чоловіком правила десятиліттями. По суті, це дві історії в одній, і обидві обертаються навколо її відчайдушних спроб врятувати двох дітей, що залишилися: Поліксену та Полідора. Першу греки вимагають у жертву, щоб врівноважити смерть Іфігенії перед відплиттям; другого вона довіряє сусідньому царю Поліместору, аби вберегти від небезпеки. Завйве казати, що всі її плани рятування руйнуються. Перипетії сюжету в певному сенсі менш важливі за психологічні істини, які відкриває драматург. Він нагадує нам, що старе кліше про те, ніби страждання та горе облагороджують душу — це сумна та оманлива ілюзія. Насправді те, що стається з Гекубою — коли «гірше вже бути не може» — призводить до свого роду божевілля та розпаду особистості, що робить будь-які моральні межі безглуздими. Ми ставимо питання: як можна судити ту, хто пережила немислиму втрату всього дорогого і вчинила те, що світ зазвичай вважає злочином? Межі та, так би мовити, етикет помсти, її вплив на громаду, жертв та винуватця були головними темами для греків; і вони залишаються такими в нашому світі, не потребуючи особливої адаптації.

Проте творча група (драматург Кріс Влахопулос і режисер Джастін Мюррей) вирішила, що Гекуба потребує переробки для сучасного глядача. Тому з базовими сюжетами переплітаються дві паралельні версії, що переносять дію в сучасне робітниче середовище. У першій історії Гекуба, перейменована на Віллоу, бореться з бюджетними скороченнями та бюрократією, намагаючись отримати медичну допомогу та операцію для своєї смертельно хворої доньки. У другій вона дізнається, що її син, якого вона вважала в безпеці, потрапив на демонстрацію і загинув від удару електрошокером. Перед нею постає дилема: як реагувати, зустрівшись віч-на-віч із поліцейським, відповідальним за його смерть. Четверо акторів, кожен з яких грає по кілька ролей, переплітають ці історії, використовуючи мінімум реквізиту, а у вільний від гри час мовчки складають паперові кораблики зі шпальт газет.

Нова інтерпретація сама по собі непогана, але у виставі межі між двома змалюваннями були настільки розмиті, що це йшло на шкоду обом. Мимоволі виникала думка, що кожна історія виглядала б краще окремо: або чистий Еврипід, який насправді майже не потребує правок; або осучаснена версія, яка мала б більше простору для розкриття характерів. Більше того, між текстами існують асиметрії, що радше послаблюють задумані паралелі, ніж зміцнюють їх. У грецькій версії ми завжди відчуваємо королівську гідність Гекуби, навіть коли вона на межі божевілля; вона визначає її вчинки. Натомість простонародний контекст нової версії втрачає цей вимір, через що дії Віллоу подекуди складніше пояснити та сприйняти. Також неминуче виникає конфлікт риторичних стилів між піднесеним тоном першої іпостасі та грубим, відвертим викликом другої. Найвищою точкою вистави залишається вишуканий переказ про гідну поведінку Поліксени перед катами в момент жертвопринесення — ця сцена змусила зал затамувати подих сильніше, ніж будь-яке пряме насильство на сцені.

Незважаючи на мої зауваження щодо цілісності п'єси, акторський склад заслуговує на велику повагу за уяву та інтенсивність гри. Люсінда Ллойд у ролі Гекуби/Віллоу демонструє приголомшливу самовіддачу, майстерно контрастуючи між двома жінками. Бен Шек у ролі обох синів та Поліместора/поліцейського створює виразні образи з широким емоційним діапазоном та фізичною динамікою. Ройзін Кіо грає доньок із проникливою стриманістю, що стає вдалим фоном для невблаганного гніву героїні Ллойд — до речі, сцени матері та доньки є чи не найкраще прописаними в новій версії. Ізобель Вулфф впевнено працює з текстом у низці невеликих ролей. Театр Catharsis відомий своєю увагою до пластики, і це, безумовно, сильна сторона вистави. White Bear — крихітний простір, але в цій постановці він таким не здавався завдяки плинності дії. Як результат, п'єса, яка інакше могла б бути статичною та декларативною, пройшла без жодних longueurs. Багато ключових моментів були передані фізично так само потужно, як і текстом. Хоча кінцевий результат мав свої недоліки, глядачі залишалися в полоні драми до самого кінця, що є заслугою таланту виконавців.