ANMELDELSE: Blurred Lines, The Shed Theatre ved National Theatre ✭✭✭✭✭

Ensemblet i Blurred Lines. Foto: Simon Kane Blurred Lines

The Shed Theatre, National Theatre

22. februar 2014

Nogle gange kan teater være sjovt. Nogle gange kan det være chokerende. Nogle gange kan det være lødigt. Nogle gange kan det være tryllebindende. Nogle gange kan det være skræmmende. Nogle gange kan det være råt. Nogle gange kan det være kraftfuldt. Nogle gange kan det være lærerigt. Nogle gange kan det være elegant. Nogle gange kan det være overvældende. Nogle gange kan det være inspirerende. Nogle gange kan det ændre verden. Nogle gange kan det være fjollet. Nogle gange kan det være blidt. Nogle gange kan det være radikalt. Nogle gange kan det være politisk. Nogle gange kan det minde dig om, hvorfor teatret er så fundamentalt vigtig en del af enhver kultur.

Ganske sjældent kan teatret være alle disse ting på én gang.

Blurred Lines, som spillede sin sidste forestilling på National Theatres scene The Shed i går, var en af disse sjældne begivenheder. Halvfjerds minutters raseri, veltalende argumenter, bravurpræstationer, isnende indsigt og en knivskarp belysning af en af de fundamentale rædsler i det moderne liv: måden kvinder bliver misbrugt, marginaliseret og objektiveret på, alene fordi de er kvinder.

Skabt af Nick Payne (en gudsbenådet dramatiker) og Carrie Cracknell (der her instruerer med resolut beslutsomhed og med spektakulær indsigt og klarhed) ud fra improvisationsarbejde med et ensemble på otte fremragende skuespillerinder – alt sammen løst baseret på eller inspireret af Kat Banyard's bog The Equality Illusion – er Blurred Lines et aktuelt, stærkt og fysisk sitrende værk, der på en uforfærdet og kompromisløs måde rejser vigtige og fundamentale spørgsmål om samfundets behandling af kvinder.

I en række vignetter og små scener undersøger det dygtige ensemble kunstfærdigt problemstillinger, der spænder fra domme fældet baseret på udseende (af blandt andre casting directors), indgroet kvindehad i mainstream-medier, voldtægt i ægteskabet, kønspolitik på arbejdspladsen, rædslen ved stilletter og de grumsede begrundelser, mænd tyr til, når de skal retfærdiggøre deres brug af online pornografi og prostituerede. Det er et svært territorium, men vigtigt, og selvom emnerne er alvorlige, er der mange øjeblikke med ægte humor, og hele forløbet er indhyllet i varme og håb.

Skuespillet er uendeligt modigt, indsigtsfuldt og lagdelt med kompleksitet og forståelse. Hver af de otte skuespillerinder er suveræne, og deres sammenhold som ensemble er bemærkelsesværdigt. Marion Bailey, Lorna Brown, Michaela Coel, Bryony Hannah, Sinéad Matthews, Ruth Sheen, Claire Skinner og Susannah Wise: alle brillerer – der er ikke én her, som ikke formår at løfte det svære og krævende arbejde.

Særligt imponerende er måden, de otte springer mellem de forskellige karakterer. Publikum farer aldrig vild i de mange roller – alt er specifikt og perfekt afvejet. En af de mest opsigtsvækkende bedrifter sker, når flere af skuespillerinderne spiller mænd – de gør det med en sømløs enkelhed, der er bjergtagende. Susannah Wise som ægtemanden, der retfærdiggør sit forbrug af prostituerede, Ruth Sheen som den rygradsløse mandlige kollega, der er ude af stand til eller uvillig til at stoppe åbenlys kønsdiskrimination, Marion Bailey som den rædselsfulde, princippuløse og kyniske instruktør, der roligt forsvarer sin skamløse udnyttelse af sin glamourøse kvindelige stjerne: hvert portræt af mandlig monstrositet er fænomenalt ramt.

Særligt interessante er de øjeblikke, hvor kvinders medvirken i mishandlingen af andre kvinder undersøges. Bryony Hannah (bedre end hun nogensinde før har været på en scene) er decideret skræmmende som den kvindelige leder, der formaner sin deltidsansatte udelukkende på grund af hendes engagement i sine børn. Og øjeblikket, hvor Michaela Coels trængte medarbejder anklager hende for at være ved at forvandle sig til en mand, er både elektrisk og helt præcist.

Coel er også storslået i scenen, hvor hun i supermarkedet tilfældigt støder på Ruth Sheen, der spiller moderen til datterens kæreste, og forsøger at undgå en svær samtale om datterens forsøg på at få kæresten dømt for voldtægt i parforholdet. Coel er brillant her; men det er Sheen også, mens hun vedholdende og målrettet forsvarer sin søns version af historien og urokkeligt nægter at tro på, at han kan have gjort noget forkert. Begge mødre er besluttede på at se retfærdigheden ske fyldest for deres barn – men kun den ene går ud fra, at datteren havde givet samtykke, fordi "de havde gjort det før". Det er en utrolig stærk ordveksling, der vil hjemsøge publikum længe efter, de er kommet hjem i sofaen.

Men, i tråd med de stolte traditioner, er den bedste scene gemt til sidst, hvor Bailey, Coel og den lysende Sinéad Matthews opfører en Q&A foran et live-publikum efter visningen af et værk, som Baileys modbydelige instruktør af den gamle skole har "skabt sammen med" Matthews' glamourøse stjerne. Hannah stiller som publikum et spørgsmål om, hvorfor Baileys instruktør mente, det var i orden at objektivere Matthews' karakter i en afgørende soveværelsesscene, hvor der var stort fokus på Matthews' krop og undertøj. Bailey affeier Hannahs spørgsmål, men hun bliver ved, og Baileys svar bliver stadig mere overfladiske, overlegne, nedladende og floskelfyldte. I processen går det op for Matthews' karakter, at hun er blevet holdt for nar, forrådt og ydmyget, og kort efter at Hannah smider mikrofonen og forlader sektionen – efterfulgt af andre publikumsmedlemmer – forlader Matthews også scenen, rystet i sin grundvold.

Ligesom Matthews' karakter rystede, gjorde alle medlemmer af publikum det også. Scenen lagde ikke fingrene imellem og efterlod et uudsletteligt indtryk af smerte, misogyni og den magtfulde mands stædige selvretfærdighed. Det var, i ordets bedste forstand, storslået.

The Shed-rummet er indrettet, så det passer til stykket. Det er intimt og episk på samme tid. Scenograf Bunny Christie har skabt en lysende hvid trappe, der med det samme leder tankerne hen på natteliv, men også på den besvær, kvinder har med at klatre op ad samfundets rangstige. Dens tilstedeværelse fremhæver på en meget ligefrem måde det indbyggede besvær, kvinder har med høje hæle – en udfordring, de kæmper med uophørligt. Belysningen (Lucy Carter) er effektfuld og stemningsmættet, ofte lige så rå som emnet.

Blurred Lines er noget af det bedste, der har spillet på National Theatre i de sidste seks år. Det er et betydningsfuldt og provokerende værk med stor vidde og rækkevidde.

Helt ærligt, enhver mand i verden burde se det; teenagere burde tvinges til at se det, før de dimitterer eller forlader skolen. Det burde spille i lang tid og blive vist overalt, hvor der findes teatre. Det er virkelig så vigtigt.