ANMELDELSE: Made In Dagenham, Adelphi Theatre ✭✭✭✭

Made In Dagenham. Foto: Manuel Harlan Made in Dagenham

Adelphi Theatre

4 stjerner

Skurken i sit skarpe jakkesæt og med overskægget i orden har ødelagt den magiske amulet. Askepot kommer alligevel ikke til bal. Men så giver hendes gode fé hende styrke, og hun finder modet til at tage af sted i en fantastisk ny kjole. Famtende i starten og usikker under de første danse, men da hun mærker, at vennerne bakker hende op, vinder hun selvtilliden og bliver ballets dronning. Prinsen, der er optaget af sine pligter, indser, hvor tæt han var på at miste chancen for at være sammen med Askepot. Han rækker hånden ud; hun siger ja. Tårer og lykkefølelse følger.

Dette er ikke plottet i en moderne julekomedie, men essensen af selve hjertet i Made In Dagenham, en ny musical instrueret af Rupert Goold, som nu spiller på Adelphi Theatre. Det er en bearbejdelse af filmen fra 2010 med den talentfulde og charmerende Gemma Arterton i hovedrollen.

Bearbejdelser er altid en balancegang. Kendere af den oprindelige historie – om det så er en roman, film, skuespil eller digt – vil altid have stærke holdninger til, om fortolkningen er tro mod forlægget eller ren helligbrøde. Hvad mener du med, at Eliza vender tilbage til Higgins i slutningen af My Fair Lady? Hvordan kan Shelley Winters' karakter dø efter svømmeturen og ikke mens skroget bliver skåret igennem i The Poseidon Adventure? Hvad mener du med, at Rapunzel ikke dør i Into The Woods? Og sådan fortsætter det.

Men sandheden er, at enhver bearbejdelse skal fungere på egne præmisser, i sit eget miljø. Historier og karakterer må ændre sig for at passe til den nye forms krav, så det nye værk bliver så effektfuldt som muligt. Præcis som film kan fortælle sider af en historie med et enkelt vink eller en kort, stum scene, så kan musicalgenren formidle karakterer og handling på væld af måder – gennem sang, dans, musikalske mellemspil og manuskript. Hvordan disse elementer kombineres, dikterer publikums respons. Derfor er det aldrig nødvendigt at kende originalen for at en ny musical fungerer; det er selve den musikalske form, der skal være sammenhængende, forståelig og, næsten altid, sprængfyldt med hjerteskær.

Made in Dagenham er en klassisk David mod Goliat-historie, sat i 60'ernes mandsdominerede verden og vævet sammen med romantik og et oprør i privaten. Denne specifikke David nedlægger måske mere end ét monster, men det er ikke det vigtigste; denne David prøver ikke at ændre verden (selvom det er det, der sker), men søger blot retfærdighed. Selvom begivenhederne her var af enorm politisk betydning, er den betydning ikke det centrale i Made In Dagenham.

Nej. Præcis som Hamlet ikke er en politisk satire om monarkiets fremtid, er Made In Dagenham en blid, sød og ganske vidunderlig fortælling om en jævn kvinde, der kortvarigt træder ind i rampelyset, nær mister den familie, hun tilbeder, men som ved at forblive tro mod sine principper og sig selv, opnår mere, end hun turde drømme om, og bliver belønnet med lykken. Det er kort og godt et moderne eventyr, uanset hvor fast eller løst det er forankret i virkeligheden.

Og når Made In Dagenham fokuserer på eventyret, er den fuldstændig medrivende, meget morsom, hjertevarm og oprigtigt rørende. Og så er den pære-britisk. Den spænder over hele registret fra småfnisen til de helt store tårer, der kræver lommetørklæder; en musikalsk rutschebanetur med flere opture end nedture, hvor Richard Thomas' fremragende sangtekster står som et af de absolutte højdepunkter.

Rita er lykkeligt gift med Eddie, de har to børn og bor og arbejder i Dagenham på Fords bilfabrik. Ford er ved at omstrukturere lønniveauerne, og som en del af det, planlægger de at indplacere Rosie og hendes kolleger ved symaskinerne som ufaglærte sammenlignet med mændene, inklusiv Eddie, der udfører rutinearbejde. Kvinderne nægter at acceptere aftalen, og den efterfølgende konflikt ender som katalysator for kampen for ligeløn i Storbritannien. Mændene (politikere, fagforeningsledere, chefer og kolleger) reagerer voldsomt på kvindernes krav, og Eddie forlader Rita og tager børnene med sig. Trods den brutale, sexistiske verden hun befinder sig i, kæmper Rita videre og ender med at overbevise landets mægtigste fagforening om at stemme for ligeløn. Eddie indser sin fejl, og lykken genfindes.

Men af en eller anden grund – om det er Rupert Goolds instruktion eller Richard Beans vision som dramatiker – så holder musicalen sig ikke kun til de eventyrlige aspekter af historien. Nej. Dumt, formålsløst og faktisk lidt stødende inkluderer historien scener med Harold Wilson og Mr Tooley, den amerikanske topchef for Ford, som er overfladiske, barnagtige og modarbejder værket. De bidrager ikke med noget, men tager tværtimod fokus fra det væsentlige. De hører hjemme i en helt anden forestilling; en usmagelig parodi på stereotyper eller en politisk satire.

Tilstedeværelsen af disse uforståeligt tåbelige sekvenser betyder, at andet materiale må vige pladsen. For eksempel er der ingen lykkelig duet mellem Rita og Eddie, der etablerer, hvad hun risikerer at miste; der er ingen solo til fabriksdirektørens kone, som ellers inspirerer Rita til at holde fast; der er ingen duet mellem Connie og Monty, som har en lang fælles historie i fagforeningen; og der er ingen sang til den skarpe og rapkæftede Beryl – en spildt mulighed for et sandt show-nummer.

I stedet for at bruge musikken til at dykke ned i situationerne eller karaktererne, spilder det kreative hold tiden på fjollede ligegyldigheder. At denne fejlvurdering ikke sænker hele skuden, siger alt om kvaliteten af det materiale, der faktisk er tro mod den klassiske musical-komedie, samt om castets store talent.

Det afsluttende nummer, Stand Up, er en musikalsk perle, men det får en til at undre sig over, hvorfor komponist David Arnold ikke har leveret et mere gennemført partitur. Han forstår tydeligvis, hvilken effekt modulationer, skiftende taktart og harmonier kan have på et værk; han vælger bare sjældent at bruge dem. Dermed ikke sagt, at der ikke er smukke melodier og ørehængere – det er der absolut – men indtrykket er ikke, at musikken har været førsteprioritet her. Politisk parodi er aldrig vigtigere end begejstrende musik; en lektie Bean og Goold burde lære.

Heldigvis er disse mangler ikke fatale, og det skyldes i høj grad de centrale præstationer.

Gemma Arterton er en vidunderlig Rita. Hun er smuk, fuld af varme og charme, og hun bringer en ægte følelse af sandhed til hvert øjeblik. Ubesværet rammer hun tidsånden og det varme bånd, hun har til sine kolleger. Men man mærker også rastløsheden i hende, mens hun kæmper mod den indgroede forestilling om, at mændene ved, hvad der er bedst for hende og hendes børn.

Vokalt er hun stærkest i åbningsnummeret, duetterne med Eddie og den gribende Stand Up!. Hun klarer for det meste partiturets krav; hun er en fremragende skuespillerinde, der kan synge. Men musikken ville have nydt godt af en fremragende sanger, der kunne spille skuespil. Der er flere øjeblikke, hvor vokal power kunne have forvandlet en ordinær sekvens til noget ekstraordinært.

Sophie-Louise Dann demonstrerer netop dette, da hun som minister Barbara Castle – for nu at bruge et fagudtryk – "sings the crap out of" sin solo i anden akt. Helt fortjent får hun taget til at lette.

Som Eddie er Adrian Der Gregorian perfekt som den almindelige fyr, den lidt hjælpeløse far og manden, der elsker sin kone, men ikke forstår hende. Han giver et varmt, rørende og oprigtigt portræt af det ordinære. Det, der er ekstraordinært ved ham, er hans stemme. Han er i topform gennem hele showet, men især i The Letter og i duetten, hvor han fortæller Rita, at det er slut mellem dem.

Isla Blair er selvsikker, charmerende og kløgtig som Connie, kvinden der er gift med sin fagforening og har sat karrieren der før alt andet. Det er en dejlig, nuanceret præstation, der giver stykket masser af hjerte.

Ritas veninder er alle fremragende: Sophie Stantons Beryl (en kvinde der kunne give Gordon Ramsay baghjul i brug af bandeord), Heather Craneys Clare (en herlig blanding af Barbara Windsor og Olive fra On The Buses), Sophie Isaacs' Sandra (indbegrebet af en Carry On-pige) og Naana Agyei-Ampadu (syersken der kunne styre et fly). De udgør et fantastisk hold og får god opbakning fra ensemblet. Faktisk er korsangen et sandt højdepunkt gennem hele forestillingen.

Naomi Frederick er sublim som Lisa, den begavede hustru til den pedantiske Hopkins (Julius D'Silva i fabelagtig form). Hendes replik om den hest, hendes mand har foræret hende, er aftenens bedste. Hun tegner et skarpt billede af smerte og passion, og øjeblikket hvor hun giver Rita kjolen før talen, er et af de der helt enkle teatralske øjeblikke, der bliver siddende i kroppen.

David Cardy gjorde, hvad han kunne med rollen som Monty, og hans tale på hospitalssengen var særligt rørende. Hans materiale er slet ikke så stærkt som kvindernes, men han fik det optimale ud af det. René Zagger morer sig i en række forskellige roller med masser af gejst, og Scott Garnham giver den gas som Buddy Cortina.

Da historien om den sadistiske lærer, Macer, aldrig rigtig fører til noget, og da portrættringen af Harold Wilson og den amerikanske chef Tooley er helt ved siden af, bidrager Steve Furst (Tooley), Mark Hadfield (Wilson) og Gareth Snook (Macer) desværre ikke med meget til musicalens samlede succes. Det er ikke deres skyld – de gør alt, hvad de bliver bedt om. Og måske er det fordi, de gør det så godt, at de scener trods alt ikke gør mere skade, end de gør. Måske. Jeg tvivler dog på, at amerikanere (eller andre) vil finde noget morsomt i Tooleys uudholdelige åbningsnummer i anden akt, This Is America. Det burde skæres ud med det samme.

Koreografen Aletta Collins udnytter ikke de muligheder for dans og bevægelse, som stykket og musikken lægger op til. Buddy Cortinas nummer overlever ikke iscenættelsen, uanset hvor godt det er sunget. Der er dog ét øjeblik, hvor en scene forvandles til en pub, og en solodanser (det lignede Rachel Spurrell) indfangede hele 60'ernes livsglæde i en dans af ren lykke – man kunne ønske, at Collins havde holdt det niveau af intensitet hele vejen igennem. Med en mere opfindsom koreografi ville dette være en langt større oplevelse.

Bunny Christie står for en fremragende scenografi. En permanent produktionslinje danner rammen om det meste af handlingen, med bilsæder der ruller forbi på et transportbånd højt oppe, som en konstant påmindelse om, at fabrikken skal holdes i gang – samtidig med at det understreger, hvordan kvinderne og deres syarbejde bringer farve til mændenes grå resultater. Scenografien i to etager til O'Grady-huset er sød, omend ikke synderligt nyskabende.

Der er meget at elske her, en hel del at lide og et par ting, der bare er helt forkerte. Men det samlede indtryk er godt. Hvis det kreative hold holdt op med at forsøge at være smarte med politisk satire og i stedet holdt sig til historiens kerne og de fantastiske hovedkarakterer, ville dette være en af de helt store britiske musicals. Som det er nu, sikrer det store casts charme og kunnen, anført af Arterton og Der Gregorian, masser af grin, et par tårer og en rungende følelse af sejr i det afsluttende nummer. Man skal være meget mavesur, hvis man ikke har lyst til at rejse sig og Stand Up for dette hold, når tæppet falder.