ANMELDELSE: Shakespeare In Love, Noel Coward Theatre ✭✭✭✭✭

Ensemblet i Shakespeare In Love. (C) Johan Persson Shakespeare In Love

Noël Coward Theatre

8. juli 2014

✭✭✭✭✭

For ikke så længe siden beklagede en klog teaterinstruktør sig over, at moderne dramatik er alt for "lige nu og her" og ikke – ligesom værker af Shaw, Ibsen, Euripides, Shakespeare, Webster, Inge, Williams, Albee, Tjekhov, Marlowe, Wilde og Coward (han nævnte flere, men du forstår pointen) – vil blive genopsat igen og igen om hundrede år. Ingen forfattere fra den senere del af det 20. århundrede kunne leve op til standarden, mente han.

På i hvert fald ét punkt må han dog tage fejl. Tom Stoppards værker vil helt sikkert leve videre længe efter hans og vores død.

Beviset herpå kan delvist findes på scenen på Noël Coward Theatre i West End, hvor Declan Donnellans opsætning af Shakespeare In Love, skrevet af Stoppard sammen med Marc Norman og dramatiseret af Lee Hall, nu spiller sine første forestillinger.

Det er svært at mindes – i hvert fald inden for de sidste syv år – en kommerciel opsætning af et nyt stykke, der er åbnet direkte i West End, og som er så morsomt, dramatisk, bjergtagende og lærerigt (ikke om historie, men om teatrets inderste væsen). Med undtagelse af Chariots of Fire er ingen teateradaptation af en succesfuld film (musicaler undtaget) kommet i nærheden af den succes, man har opnået her.

Vi så den sjette publikumsvisning. Den har officiel premiere den 27. juli, så den er stadig i sin formative fase. Men ikke desto mindre er den i imponerende, forrygende form og må blive et stensikkert internationalt hit (Disney står bag).

På overfladen er stykket en livlig farce med en lidenskabelig kærlighedshistorie i centrum, og den fungerer upåklageligt. Det er til tider vitterligt lårklaskende morsomt, men der er også øjeblikke af smertelig, øm skønhed og rå desperation. Det spilles med klarhed og finesse; utroligt underholdende.

Men stykket er meget mere end det. Det er en introduktion til og udforskning af det sprog, den struktur og de karakterer, som Shakespeare gjorde udødelige. Heri er det dybt begavet, intellektuelt tilfredsstillende, til tider indsigtsfuldt eller spørgende, og altid forfriskende og forførende.

I sin form minder det om Helligtrekongersaften mikset med Købmanden i Venedig, Henrik V og naturligvis Romeo og Julie. Undervejs er der tydelige citater eller referencer til de fleste, hvis ikke alle, Shakespeares stykker og hans mest berømte sonet. Nogle af karaktererne her er klare spejlinger af berømte figurer fra hans værker: Overkammerherren er en knap så skjult Malvolio, helt ned til fængslingen; Sam har et strejf af Thisbe; Wessex emmer af Andrew Aguecheek, men med lidt hjerne; Burbidge vil have sit pund kød fra Shakespeare a la Shylock, men leverer også et Hal-agtigt øjeblik med stor gennemslagskraft; Violas amme minder om Julies amme; Ned Alleyn personificerer Mercutio med mere end et strejf af Hotspur; færgemanden kanalerer ånden fra portneren og graveren. Det hele er klogt og stemningsfuldt.

Grundlæggende tager Stoppard og Norman udgangspunkt i denne replik fra To herrer fra Verona og bruger den som den bærende rygrad i de kærlige teaterløjer, der følger:

Hvad lys er lys, når Silvia ej ses?

Hvad glæde er glæde, når Silvia ej er her?

Hvis ej jeg tænker, at hun her må være,

Og lever af den skygge af fuldkommenhed.

Hvis ej jeg er hos Silvia i natten,

Der er ej sang i nattergalens strube;

Hvis ej jeg ser på Silvia i dagen,

Der er ej dag for mig at skue på;

Hun er mit væsen, og jeg ophører at være,

Hvis ej jeg af hendes milde indflydelse

Næres, oplyses, elskes, holdes i live.

Jeg flyr ej døden, for at fly dens dom:

Tøver jeg her, jeg blot på døden venter:

Men flyr jeg herfra, flyr jeg fra mit liv.

Hvis denne forestilling ikke gjorde andet end at præsentere publikum for denne herlige passage, ville det være nok. Men heldigvis bugner den af gaver.

Skuespillet er fremragende.

Lucy Briggs-Owen er enestående god som den teater- og Shakespeare-besatte Viola de Lesseps, datter af en rig købmand og lovet bort til den modbydelige Wessex. Viola er så desperat efter teatret, at hun klæder sig ud som mand og går til audition til premieren på Shakespeares nye stykke, som viser sig at være Romeo og Julie. Briggs-Owen mestrer scenen ubesværet og er lige så overbevisende som den kejtede, generte Tom Kent, som hun er som den sprudlende, drømmende Viola – men hun stråler med en særlig intensitet, når hun spiller Viola bære rollen som den oprindelige Julie i den centrale balkonscene og den dobbelte selvmordsscene mod slutningen.

Hvis ikke dette gør Briggs-Owen til en stjerne, findes der ingen retfærdighed. Hun er uendeligt meget bedre, end Gwyneth Paltrow var i filmen. Hun er lysende på enhver tænkelig måde. Hendes greb om sproget er særligt vidunderligt; først da hun fremfører "Hvis Silvia ej ses"-talen for Elizabeth 1. (en formidabel, kontrolleret og dybt professionel præstation af Anna Carteret); dernæst da hun viser sig at være den første i ensemblet, der forstår at levere Shakespeares ord med skønhed og omhu; og for det tredje da hun giver os en øm, nuanceret og fuldstændig hjertegribende forelsket Julie i stykket for dronningen.

Det er en vidunderlig præstation i verdensklasse, fuld af skønhed, blidhed, rå passion og bjergtagende teknisk kunnen.

Hun hjælpes godt på vej af Tom Batemans begejstrende præstation som Shakespeare. Han er bedst, når han spiller Romeo, men hans scener med Briggs-Owen er gennemgående levende, sexede og helt igennem vidunderlige. Han er både maskulin og kunstnerisk, drevet og drømmende, arrogant og usikker – det er en lagdelt og dybt gennemtænkt præstation. Han personificerer både sexen og poesien hos Shakespeare.

Hans flotte, virile og nærmest byronske charme sikrer, at den berømte balkonscene fra Romeo og Julie bliver frydefuldt og robust romantisk – og den udgør aftenens følelsesmæssige højdepunkt, et vulkansk udbrud af romantisk joie de vivre. Han har ingen problemer med at portrættere den nu tøvende, snart ustoppelige digter og den smidige, livsglade elsker.

Ligeledes er hans forhold til Marlowe (David Oakes, absolut forrygende som den succesfulde, homoseksuelle rival, der holder så meget af ham) fabelagtigt, og Cyrano-øjeblikket, hvor de komponerer en version af "Skal jeg ligne dig med en sommerdag", er ren perfektion. Dette er to mænd af teatret, der elsker og inspirerer hinanden – og Bateman er bemærkelsesværdig i sit udtryk for Shakespeares sorg, da Marlowe bliver dræbt, ligesom han er det, da han indser, hvad hans henkastede bemærkning om sin forladte hustru gør ved Violas uskyldige hjerte.

Sammen er Bateman og Briggs-Owen en overdådig fornøjelse – og man tror på hvert eneste øjeblik af deres rejse sammen, fra den afslappede naktscene efter elskov (meget imponerende set fra Circle-pladserne) til den smertelige forsoning efter afsløringen om hustruen, og så den hjerteskærende, endelige afsked.

Ensemblet er fantastisk. Som Sam, den unge knægt, der normalt spiller kvinderollerne, er Harry Jardine en ren fryd, selvom hans skuespil uden stemme i anden akt kunne bruge en smule mådehold. Paul Chahidi er helt i sit es som den fedtede Henslowe, og Alistair Petrie er selve billedet på en naragtig britisk adelsmand. Doug Rao stråler som Ned Alleyn, den narcissistiske skuespiller, der skaber rollen som Mercutio, og Ferdy Roberts er vidunderlig som Fennyman, en investor, der ender med at elske teatret og spiller den blå-hattede apoteker med stor komik. David Ganly er bister og bjørneagtig som den vrisne, men målbevidste Burbage, men stråler i sin store tale, da han tilbyder sit eget teater til premieren på Romeo og Julie.

En af de stærkeste ting her er følelsen af et teaterensemble – det sjældne og særlige bånd, der opstår, når man indøver et stykke og deler en scene. Kammeratskabet, glæden ved at optræde, rampelysets magiske tiltrækningskraft – alt sammen formidlet med stor dygtighed og oprigtighed.

Og fægtescenerne er eksemplariske (hatten af for Terry King), og sine steder helt uventet spændende.

Nick Ormerods scenografi er formidabel, en slags sammensmeltning af de scenerum, man kender fra Globe og det nye Sam Wanamaker Playhouse. Trægulve og bevægelige træbalkoner antyder let tidens intime teaterrum og giver enkle mekanismer til at flytte handlingen fra scenen til backstage og videre ud. Neil Austins lyssætning er utroligt effektiv, især i de mest romantiske og stemningsfulde scener. Brugen af kandelabre er genial.

Der er masser af musik af Paddy Cunneen, som er passende livlig eller hjemsøgende alt efter behov – men den førende kontratenor er desværre håbløst ude af stemning og ekstremt højlydt, hvilket trækker ned i helhedsindtrykket. Jane Gibsons koreografi er enkel og yndefuld, helt i tråd med perioden.

Donnellan instruerer med stil, og de mange scener glider flydende over i hinanden uden forvirring, men med en velvalgt og inspireret vægtning af karakterernes op- og nedture.

Dette er en sprudlende og gennemført bjergtagende opsætning af et mesterligt stykke dramatik.

Men…

Teatret var fyldt med folk, der tjekkede deres mobiltelefoner hele aftenen, ofte i de mest intense øjeblikke. Fire separate telefoner blev hevet frem, præcis da Romeo begik selvmord; ikke for at tage billeder, men for at sende sms'er, tjekke aktiekurser(!) eller sociale netværk (ikke Facebook eller Instagram…).

Hvornår bliver det en legitim formildende omstændighed for mord, at den afdøde brugte mobiltelefon under en teaterforestilling? Hvornår vil kontrollørerne patruljere ordentligt og smide dem ud, der bruger deres telefoner under showet?

Endnu bedre: Hvornår bliver folk, der absolut vil bruge deres telefoner under en live-forestilling, bare hjemme i deres egen stue?

Glem juristerne; dræb alle telefonbrugerne i teatret først! (Med undskyldning til Dick fra Henrik VI, del 2).

Køb billetter til Shakespeare In Love