ĐÁNH GIÁ: Shakespeare Đang Yêu, Nhà hát Noel Coward ✭✭✭✭✭

Dàn diễn viên vở Shakespeare Đang Yêu (Shakespeare In Love). (C) Johan Persson Shakespeare Đang Yêu

Nhà hát Noël Coward

Ngày 8 tháng 7 năm 2014

✭✭✭✭✭

Cách đây không lâu, một đạo diễn sân khấu sắc sảo đã than thở rằng các vở kịch hiện đại quá mang tính "thời điểm" và sẽ không giống như những tác phẩm của Shaw, Ibsen, Euripides, Shakespeare, Webster, Inge, Williams, Albee, Chekov, Marlowe, Wilde hay Coward (ông còn liệt kê nhiều người khác nữa, nhưng bạn hiểu ý tôi rồi đấy) được tái diễn liên tục sau cả thế kỷ. Ông nói rằng không có cây bút nào của cuối thế kỷ 20 đạt đến trình độ đó.

Ít nhất về một khía cạnh, ông ấy chắc chắn đã sai. Những tác phẩm của Tom Stoppard chắc chắn sẽ sống mãi lâu sau khi ông và cả chúng ta qua đời.

Một phần minh chứng cho điều này có thể tìm thấy ngay trên sân khấu của Nhà hát Noël Coward tại West End, nơi vở kịch Shakespeare Đang Yêu do Declan Donnelan đạo diễn, Stoppard viết cùng Marc Norman và Lee Hall chuyển thể sang sân khấu, đang trong những buổi diễn xem trước (previews).

Thật khó để nhớ lại, ít nhất là trong suốt bảy năm qua, có một vở kịch thương mại mới nào ra mắt trực tiếp tại West End mà lại hài hước, kịch tính, mê hoặc và mang tính giáo dục (không phải về lịch sử, mà về bản chất của sân khấu) đến thế. Ngoại trừ Chariots of Fire, không có bản chuyển thể sân khấu nào từ một bộ phim thành công (không tính nhạc kịch) lại có thể chạm tới thành công như tác phẩm này.

Chúng tôi đã xem buổi biểu diễn công khai thứ sáu của vở kịch. Vở chính thức công diễn vào ngày 27 tháng 7. Vì vậy, nó vẫn đang trong giai đoạn hoàn thiện. Nhưng ngay cả thế, vở kịch đã ở trong trạng thái vô cùng ấn tượng, tuyệt vời và chắc chắn sẽ là một cú hích quốc tế (Disney là đơn vị bảo trợ).

Nhìn bề ngoài, vở kịch là một màn hài kịch náo nhiệt với một câu chuyện tình yêu đầy khát vọng làm cốt lõi, và đó là một sự kết hợp hoàn toàn thành công. Có những đoạn khiến người ta phải bật cười thành tiếng, nhưng cũng có những khoảnh khắc mang vẻ đẹp dịu dàng đầy nhức nhối và sự tuyệt vọng chân thực. Vở kịch được trình diễn với sự mạch lạc và tinh tế; vô cùng giải trí.

Nhưng vở kịch còn hơn thế nữa. Đó là lời giới thiệu và khám phá về ngôn ngữ, cấu trúc cũng như những nhân vật đã trở nên bất tử qua ngòi bút của Shakespeare. Và ở khía cạnh này, nó cực kỳ thông minh, thỏa mãn về mặt trí tuệ, đôi khi sâu sắc hoặc đầy tính phản biện, và luôn luôn tươi mới, đầy sức hút.

Về hình thức, nó giống như một bản hòa trộn giữa Đêm Thứ Mười Hai với Người Thương Nhân Thành Venice, Henry V và tất nhiên là Romeo và Juliet. Xuyên suốt vở kịch, có những trích dẫn hoặc ám chỉ rõ ràng đến hầu hết, nếu không muốn nói là tất cả, các vở kịch của Shakespeare và cả bản Sonnet nổi tiếng nhất của ông. Một số nhân vật ở đây là hình bóng rõ nét của những nhân vật nổi tiếng trong các vở kịch: Quan Đại Thần gần như là Malvolio trá hình, ngay cả việc bị tống giam; Sam mang dáng dấp của Thisbe; Wessex sực mùi Andrew Aguecheek nhưng có chút trí khôn; Burbidge muốn đòi "một cân thịt" từ Shakespeare theo kiểu Shylock nhưng cũng có khoảnh khắc gây tác động mạnh kiểu Hal; Nhũ mẫu của Viola gợi nhắc đến nhũ mẫu của Juliet; Ned Alleyn hiện thân cho Mercutio với một chút phong thái của Hotspur; Người lái đò mang linh hồn của Người giữ cửa (Porter) và Người đào huyệt (Gravedigger). Tất cả đều rất thông minh và đầy tính gợi nhớ.

Về cơ bản, Stoppard và Norman đã chọn lấy đoạn thoại này từ Hai Quý Ông Thành Verona và sử dụng nó làm xương sống đầy thuyết phục cho những trò đùa sân khấu đầy yêu thương tiếp diễn sau đó:

Ánh sáng là gì, nếu Silvia không hiển hiện?

Nào có vui chi, khi Silvia chẳng cận kề?

Trừ phi tưởng tượng nàng đang ở bên

Mà nuôi nấng tâm hồn bằng cái bóng của sự vẹn toàn

Nếu đêm nay ta chẳng được ở bên nàng Silvia,

Chim họa mi hát cũng chẳng thành nhạc điệu;

Nếu ngày mai ta chẳng được ngắm nhìn nàng Silvia,

Thế gian này chẳng còn ánh ban mai;

Nàng là bản ngã đời ta, và ta sẽ ngừng tồn tại,

Nếu không nhờ sự ảnh hưởng dịu dàng từ nàng

Được nuôi dưỡng, soi sáng, nâng niu, gìn giữ sự sống.

Ta chẳng trốn chạy cái chết khi chạy khỏi bản án tử hình của hắn:

Nếu nán lại đây, ta chỉ là đang chờ đợi tử thần:

Nhưng nếu bay xa khỏi nơi đây, ta đang bay xa khỏi sự sống.

Nếu việc xem vở diễn này chẳng mang lại điều gì khác ngoài việc cho khán giả tiếp cận với đoạn văn hào hùng này, thì bấy nhiêu cũng đã đủ. Nhưng thật may mắn, nó còn tràn ngập những món quà khác.

Diễn xuất thật tuyệt vời.

Lucy Briggs-Owen hóa thân xuất sắc vào vai Viola de Lesseps, một cô gái cuồng sân khấu và cuồng Shakespeare, con gái của một thương gia giàu có bị gả bán cho gã Wessex kinh tởm. Viola khao khát sân khấu đến mức cải trang thành nam giới để thử vai cho buổi công diễn đầu tiên vở kịch mới của Shakespeare, mà sau này chính là Romeo và Juliet. Briggs-Owen làm chủ sân khấu một cách nhẹ nhàng, cô ấy vừa hiệu quả trong vai anh chàng Tom Kent vụng về, nhút nhát, vừa là một Viola mơ mộng, sôi nổi – nhưng cô tỏa sáng đặc biệt khi đóng vai Viola đóng vai Juliet nguyên bản trong cảnh Ban công then chốt và cảnh đôi tình nhân tự sát ở cuối vở kịch.

Nếu vai diễn này không biến Briggs-Owen thành một ngôi sao, thì thật là bất công. Cô ấy xuất sắc hơn nhiều so với Gwyneth Paltrow trong bản điện ảnh. Cô tỏa sáng rạng ngời về mọi mặt. Khả năng làm chủ ngôn ngữ của cô đặc biệt tuyệt vời; đầu tiên là khi cô đọc đoạn thoại “Nếu Silvia không hiển hiện” trước Nữ hoàng Elizabeth I (một màn hóa thân đầy quyền uy, tiết chế và kỹ năng điêu luyện của Anna Carteret); thứ hai là khi cô trở thành người đầu tiên trong dàn diễn viên hiểu cách truyền tải ngôn từ của Shakespeare bằng vẻ đẹp và sự cẩn trọng; và thứ ba là khi cô hóa thân thành một Juliet dịu dàng, tinh tế và yêu điên cuồng trong buổi công diễn đầu tiên trước Nữ hoàng.

Đó là một màn trình diễn đẳng cấp thế giới, đầy vẻ đẹp, sự dịu dàng, đam mê mãnh liệt và kỹ năng mê hoặc.

Hỗ trợ cô trong thành công này, không hề nhỏ, là màn hóa thân đầy hứng khởi của Tom Bateman trong vai Shakespeare. Anh phong độ nhất khi đóng vai Romeo, nhưng những cảnh diễn xuyên suốt với Briggs-Owen đều đầy sức sống, quyến rũ và đơn giản là tuyệt vời. Anh vừa nam tính vừa đậm chất nghệ sĩ, đầy khát vọng nhưng cũng hay mơ mộng, ngạo mạn nhưng cũng đầy bất an – đó là một màn trình diễn đa tầng, được cân nhắc kỹ lưỡng với kỹ năng thuyết phục. Anh hiện thân cho chất gợi cảm và chất thơ của Shakespeare.

Vẻ điển trai, nam tính và sức hút kiểu Byron của anh giúp cảnh Ban công nổi tiếng trong Romeo và Juliet trở nên lãng mạn một cách rạng rỡ và mạnh mẽ – tạo nên điểm cao trào đầy cảm xúc cho buổi tối, một biểu hiện bùng nổ của niềm vui sống lãng mạn. Anh không gặp khó khăn gì khi hóa thân vào vai chàng thi sĩ còn đang trắc trở nhưng chẳng mấy chốc sẽ trở nên vĩ đại, đồng thời là một người tình phóng khoáng, nhanh nhẹn.

Nhưng đồng thời, mối quan hệ của anh với Marlowe (David Oakes, hoàn toàn tuyệt vời, trong vai người đối đầu đồng tính thành đạt, người luôn yêu quý anh) cũng rất xuất sắc, và khoảnh khắc kiểu Cyrano khi họ cùng sáng tác một phiên bản của bài thơ “Ta có nên so sánh nàng với một ngày hè” (Shall I Compare Thee To A Summer’s Day) thật hoàn hảo. Đây là hai con người của sân khấu, họ yêu mến và truyền cảm hứng cho nhau – và Bateman đã thể hiện một cách đáng kinh ngạc nỗi đau của Shakespeare khi Marlowe bị giết, cũng như khi anh nhận ra việc vô tình nhắc đến người vợ bị bỏ rơi đã làm gì với trái tim ngây thơ của Viola.

Cùng nhau, Bateman và Briggs-Owen tạo nên một bữa tiệc thịnh soạn – và bạn tin vào từng khoảnh khắc trong hành trình của họ, từ cảnh khỏa thân sau khi ân ái đầy thư giãn (nhìn từ tầng Circle rất ấn tượng) đến sự hòa giải đau đớn sau khi sự thật về người vợ bị tiết lộ, và rồi là cuộc chia ly cuối cùng đầy tan nát.

Dàn diễn viên phụ cũng rất tuyệt. Trong vai Sam, cậu bé thường đóng các vai nữ trong kịch của Shakespeare, Harry Jardine là một niềm vui thuần khiết, mặc dù diễn xuất “mất giọng” của cậu ở hiệp hai cần được tiết chế hơn. Paul Chahidi hoàn toàn làm chủ vai diễn Henslowe trơn tru, đầy lôi cuốn, còn Alistair Petrie là hình mẫu hoàn hảo của một gã hề quyền quý thời Tudor. Doug Rao tỏa sáng trong vai Ned Alleyn, nam diễn viên ái kỷ người đã tạo nên vai Mercutio, và Ferdy Roberts thật tuyệt trong vai Fennyman, một nhà đầu tư dần yêu sân khấu và thủ vai gã Bán thuốc mũ xanh một cách hài hước. David Ganly thô lỗ như một chú gấu trong vai Burbage cáu kỉnh, cương quyết, nhưng lại tỏa sáng trong bài phát biểu hiệu triệu khi ông hiến tặng nhà hát của mình cho buổi diễn Romeo và Juliet đầu tiên.

Một trong những điều tuyệt vời ở đây là cảm giác về một đoàn kịch, về sự gắn kết hiếm có và đặc biệt nảy sinh từ việc tập luyện và chia sẻ sân khấu, được truyền tải một cách đẹp đẽ. Tình bằng hữu, niềm vui được biểu diễn, sức hút rực rỡ của ánh đèn sân khấu – tất cả đều được hiển thị rực rỡ và đầy chân thành.

Và các màn đấu kiếm thì mẫu mực (ghi công cho Terry King), đôi chỗ gây hồi hộp một cách đầy bất ngờ.

Thiết kế sân khấu của Nick Ormerod thật kỳ diệu, một kiểu kết hợp giữa những không gian quen thuộc ở nhà hát Globe và nhà hát Sam Wanamaker mới. Sàn gỗ và những ban công gỗ di động dễ dàng gợi lên sự thân mật của các không gian sân khấu thời bấy giờ, đồng thời tạo cơ chế đơn giản để chuyển đổi bối cảnh từ trên sân khấu ra hậu trường và sang nơi khác. Ánh sáng của Neil Austin đạt hiệu quả tuyệt đối, đặc biệt là trong những cảnh lãng mạn và ám ảnh nhất. Việc sử dụng những giá nến thật là một ý tưởng đầy cảm hứng.

Có rất nhiều âm nhạc từ Paddy Cunneen, lúc thì vui tươi, lúc lại ám ảnh tùy theo đòi hỏi của bối cảnh – nhưng nam ca sĩ giọng phản xạ (counter-tenor) chính lại hát lạc tông một cách vô vọng và cực kỳ to, điều này ảnh hưởng tiêu cực đến tác động của phần nhạc và sự thưởng thức chung. Biên đạo của Jane Gibson đơn giản và duyên dáng, tất cả đều phù hợp với thời đại.

Donnellan đạo diễn đầy phong cách và các cảnh quay chuyển tiếp mượt mà, liền mạch, không gây lộn xộn, với sự nhấn mạnh khéo léo vào những thăng trầm của các nhân vật trung tâm.

Đây là một vở diễn tràn đầy sức sống, hoàn toàn mê hoặc dựa trên một kịch bản bậc thầy.

Nhưng…

Nhà hát tràn ngập những người thản nhiên sử dụng thiết bị di động suốt buổi tối, thường vào chính những khoảnh khắc căng thẳng nhất. Bốn chiếc điện thoại riêng biệt đã được lôi ra đúng lúc Romeo tự sát; không phải để chụp ảnh vở diễn, mà là để nhắn tin hoặc theo dõi thị trường chứng khoán(!) hoặc lướt mạng xã hội (không phải Facebook hay Instagram…).

Đến khi nào thì việc giết một ai đó sẽ được coi là phòng vệ chính đáng nếu nạn nhân sử dụng điện thoại di động trong một buổi biểu diễn sân khấu trực tiếp? Đến khi nào thì các nhân viên chỉ chỗ mới đi tuần tra các lối đi một cách nghiêm chỉnh và mời những kẻ dùng điện thoại ra khỏi nhà hát?

Tốt hơn nữa, khi nào thì những người muốn dùng điện thoại trong lúc xem kịch chịu ở nhà và làm việc đó trong phòng khách của họ?

Thôi khỏi cần luật sư; hãy tiêu diệt tất cả những kẻ dùng điện thoại trong nhà hát trước đã! (Xin lỗi Dick trong vở Henry VI Phần 2)

Mua vé xem Shakespeare Đang Yêu