ANMELDELSE: The Wild Duck, Barbican Theatre ✭✭✭✭✭

Vildanden: Richard Piper som gamle Ekdal i Sydneys Belvoir Companys produktion Foto: Alastair Muir Vildanden (frit efter Ibsen)

Barbican Theatre

23. oktober 2014

5 stjerner

Kontrollørerne dækker udgangsskiltene, den store folkemængde snakker lystigt; så dæmpes lyset. Kun tv-skærmene er aktive i det pludselige mørke og bønfalder publikum om at slukke deres mobiltelefoner (en besked som, desværre alt for ofte nu om dage, overhøres af de få ignorante og tåbelige). Et lysglimt. Det begynder. Men hvad kigger vi på? En stor rektangulær glaskonstruktion... som et akvarium... er det et akvarium? Og dér, en lyslevende and. Inde i akvariet. Den betragter publikum med skepsis, basker med vingerne, ser ud som om den vil forsøge at flyve, og giver en slags snadrende lyd fra sig. Så bliver der mørkt.

Således starter Belvoir Street Theatre-opsætningen af "Vildanden af Simon Stone med Chris Ryan frit efter Henrik Ibsen", instrueret af Stone. Efter at have vundet priser i Sydney, Australien og spillet på den internationale Ibsen-festival i Oslo samt Wien-festivalen, spiller den nu i en begrænset periode på Barbican.

Det er på alle måder en komplet teatermæssig triumf; en fabelagtig nyfortolkning af Ibsen, solidt placeret i et australsk sprogbrug, resonant med gribende kraft og en kølig, indsigtsfuld fantasi. Har du bare den mindste interesse for teater, så gør dig selv en tjeneste og se den med det samme. Der vil gå lang tid, før du ser noget lignende igen – hvis nogensinde.

I sine programnoter skriver Stone:

"Denne version af Vildanden fjerner behovet for at retfærdiggøre det faktum, at alle stykkets begivenheder bekvemt finder sted på én eller to lokationer over blot få dage. Den blotlægger handlingens rygrad og anerkender teatrets grundlæggende kunstgreb i præsentationen af dramatiske begivenheder. Vi ser én tragisk uge i seks menneskers liv. Historiens begivenheder finder sted i et tomrum – overalt og ingen vegne. Alt, der står tilbage, er karakterernes interaktion med hinanden. Vi bruger en ramme, der både er voyeuristisk og efterforskningsmæssig. Vi obduserer en tragedie... Plottet lægger kortene på bordet og frigør karaktererne fra behovet for at ankomme til tiden og afsløre de rette oplysninger, så de kan være fuldstændig sig selv i deres egen kamp."

Da jeg læste det afsnit før forestillingens start, sank mit mod. Hvorfor skulle nogen have brug for at retfærdiggøre, hvor stykkets begivenheder finder sted? Instruktørens opgave er at få stykket til at fungere, at belyse teksten. Et tomrum? Virkelig? Er vi ikke færdige med den gammeldags avantgarde-tilgang til realistisk drama? Voyeuristisk? Åh nej – ingen filmsekvenser på tv-skærme, vel! Hvordan kan plottet lægge sine egne kort på bordet? Hvordan kan karakterer i et drama blive frigjort fra at komme til tiden og sige deres replikker? Det lød som om, kampen ville blive min.

Men den frygt viste sig at være ubegrundet, og selvom Stone naturligvis må tro på det, han skriver, så levede produktionen ikke op (eller ned, alt efter temperament) til den salgstale.

For det første er dette ikke Ibsens stykke, og lykkeligvis lader det heller ikke som om. At det er en total nyfortolkning står krystalklart i programmet. En stjerne for det. Handlingen er meget anderledes på mange afgørende punkter, og disse forskelle giver en barsk, dyster og i sidste ende rædselsvækkende oplevelse. Originalen har måske debatteret pointer om sandhed og de løgne, der får folk gennem livet, men denne bearbejdelse viser sandhed og løgn i aktion og de levende, nådesløse konsekvenser, sandheden kan medføre.

For det andet finder handlingen ikke sted i et tomrum. Den finder sted i et lukket, gennemsigtigt fængsel; et sted hvor løgne spærrer dig inde, men tillader dig at leve. Præcis som anden i starten af stykket tror, den er fri og lykkelig og elsket, gør alle karaktererne, der eksisterer inde i glasfængslet, det også på den ene eller anden måde. Det er først, når sandheden fordriver løgnene, at der kan findes en eksistens uden for glasfængslet – om end et liv, hvor de efterladte ville ønske, de kunne vende tilbage til de lykkeligere tider inde i glasfængslet. Endnu en stjerne for scenografien – Ralph Myers.

For det tredje ankommer karaktererne stadig til tiden og giver de rette oplysninger. De gør det bare anderledes, end Ibsen måske havde forestillet sig, hvilket ikke mindst skyldes, at plottet er vildt anderledes, og hele karakterer simpelthen er skåret ud af denne stramme version. Men der er absolut en flydende lethed i overgangene, som er fortryllende, og som understreger det faktum, at ting sker ét sted, men har eftervirkninger andre steder. Nogle gange bliver karaktererne hængende i glasfængslet, efter deres replikker er færdige, hvilket skaber en slags glorie-effekt af deres tilstedeværelse. Da moderen bryder sammen, efter at hendes mand har forladt hende efter at have lært sandheden om ophavet til "deres datter", Hedvig, bliver hun liggende i fosterstilling på gulvet, mens andre scener udspiller sig omkring hende. Hendes tilstedeværelse illustrerer perfekt den plads, hun har i bevidstheden hos dem, der interagerer, mens hun ligger dér, sammenkrøbet, fuld af smerte og fortvivlelse, ude af stand til at klare det. Endnu en stjerne for de inspirerede, fritflydende bevægelser, som er et kendetegn for instruktionen her.

For det fjerde er der – udover at skuespillerne bliver betragtet af et publikum, som det nu engang er kutyme – intet særligt voyeuristisk over denne produktion. Men det er ikke ensbetydende med, at den er andet end fuldstændig fængslende og dybt gribende; kendskab til Ibsens originale tekst vil ikke være til stor hjælp her – der er alvorlige, grafiske og rædselsvækkende chok, man skal igennem. Den skalpel-agtige præcision i hver scene, hver gestus, hver sandhed og hver smertefuld bebrejdelse skærer helt ind til benet. Da stykket begynder, lever adskillige mennesker på en løgn, og alle på nær én er lykkelige; ved slutningen lever ingen på løgne, én er død, og ingen er lykkelige. Sandheden gør dig måske fri, men friheden har en umådelig høj pris. En stjerne mere.

Men når Stone siger, at hans vision tillader karaktererne at være "fuldstændig sig selv i deres egen kamp", kan man ikke indvende noget. Hver skuespiller får en strålende mulighed for at spille en uforudsigelig, kompleks, skrøbelig og intenst menneskelig karakter. Og hver og én af dem er ekstraordinært god.

Sara West er dynamit som den altfor tidligt modne og geniale Hedvig. Hun er totalt overbevisende som 15-årig, og den følelse af familiær harmoni, hun etablerer med sine forældre, er dybt troværdig. Hendes scener med de ældre mænd i hendes liv er alle vidunderligt komplekse, og scenen, hvor hun fejlagtigt tror, at Dan Wylies Gregers er tiltrukket af hende, er decideret uhyggelig. Og hun misser ikke et eneste beat i den rædselsfulde pas de deux med sin far, da han vredt, dumt og utilgiveligt afviser hende.

Anita Hegh er sublim som Hedvigs mor, Gina. Ufejlbarligt underspillet, et perfekt portræt af skjulte synder, nagende fortrydelse og en lykke, der er stjålet af sandhedens hærgen. Hendes stilhed er forbløffende, ligesom det kalejdoskop af smerte og sorg, hun kan udtrykke. Der er en perfektion i hendes karakters feminine hverdagslighed, som er svær at forklare, men umulig ikke at beundre.

Brendan Cowell er perfektion som den arketypiske "australske gut". Den "hvem-som-helst"-kvalitet, han bringer til rollen som Hjalmar, er lige så indsigtsfuld, som den er smertelig at se på. En god fyr, der ødelægges af sin mandige stolthed og sin bedste vens hang til sandheden. Denne version gør Hjalmar til en svær karakter for publikum at elske, men Cowells sans for dynamisk realisme – hans modige, kloge præstation – sikrer, at hans Hjalmar bliver set, troet og forstået, om end måske ikke tilgivet. Det er en kødfuld og kraftfuld præstation.

John Gaden er ramt lige i øjet som den glatte gamle skurk, Werle, der har tjent millioner og løjet og manipuleret hele sit liv. Ved at blive blind og på nippet til at gifte sig med en 28-årig, der kunne være hans barnebarns alder (hvis han havde et), er denne modbydelige, selviske stodder ormen, der får æblet til at rådne. Gaden spiller ham med stor nydelse og den helt rette mængde selvforagt og knusende skyldfølelse. Hans scene med Hedvig er magisk – som at tænde en lunte, med dertilhørende fyrværkeri.

Som Hjalmars far, Ekdal, er Richard Piper herligt bister og nedbrudt, på vej ind i demens. Han har holdt på sine hemmeligheder og passer nu sine dyr i det mærkelige lille kunstige habitat, der er sat op til ham i sønnens hjem. Han har reddet den famøse and, præcis som hans uerkendte handlinger har reddet alle de andre karakterer på den ene eller anden måde. Endnu en perfekt afmålt præstation – halvt smerte, halvt håbløshed, halvt ønsketænkning.

Den sværeste rolle i denne version af Vildanden er Gregers, Werles søn, som egentlig ikke vil have noget med sin far eller hans formue at gøre. Hans mor ringede til ham før sit selvmord og fortalte ham visse ting, og han er derfor bitter og vred. Han kender en hemmelighed, eller dele af en, og beslutter sig for at fortælle den – dels for at straffe sin far, men også, i det mindste delvist, fordi han oprigtigt tror, det er det rigtige at gøre. Det er det ikke, og konsekvenserne af hans åbenhjertighed er vidtrækkende og katastrofale. Wylie navigerer charmerende gennem den stenede vej, hans karakter betræder, og selvom han på sin vis er stykkets skurk, er han i en anden forstand det største offer: Han har aldrig for alvor oplevet kærlighed som en del af en familie.

Skuespillet er virkelig i verdensklasse. Endnu en stjerne for det.

Stevan Gregory leverer ny musik, specialarrangementer og lydeffekter, som bidrager stort til forestillingens samlede indtryk. Særligt gode er bidderne af klassisk musik, der starter formidabelt, men falder fra hinanden undervejs; og der er en utrolig lydeffekt, nærmest lyden af universet der skriger, på det tidspunkt hvor den første store sandhed bliver fortalt, og Ekdals verden rives i stykker. Niklas Pajantis delikate lyssætning etablerer stemningsskift og, især, konsekvenser af handlinger på en levende og opsigtvækkende måde.

Ingen tvivl – dette er en medrivende teateroplevelse. Stones vision er klar, ambitiøs og elektrificerende. Og det virker – det virker virkelig. Stort skuespil, stor instruktion, et fremragende manuskript. Som de siger i Sweet Charity: Det eneste, jeg kan sige, er "Wow!"

Gør hvad du end må gøre – men gå ikke glip af chancen for at opleve denne mesterlige produktion.