РЕЦЕНЗІЯ: Дика качка (The Wild Duck), Barbican Theatre ✭✭✭✭✭

Дика качка: Річард Пайпер у ролі Екдаля-старшого у постановці сіднейської компанії Belvoir. Фото: Аластер М'юр Дика качка (за мотивами Ібсена)

Театр Барбікан

23 жовтня 2014

5 зірок

Капельдинери закривають таблички «Вихід», великий натовп у залі продовжує гомоніти, аж ось світло тьмяніє. У раптовій темряві світяться лише екрани телевізорів, благаючи глядачів вимкнути мобільні телефони (прохання, на яке, на жаль, занадто часто в наші дні не зважає неосвічена та безглузда меншість). Спалах світла. Починається. Але на що ми дивимося? Велика прямокутна скляна конструкція... схожа на акваріум... це акваріум? І там — справжня жива качка. В акваріумі. Вона скептично поглядає на публіку, махає крилами, ніби намагається злетіти, видає щось схоже на крякання. Потім знову темрява.

Так починається вистава театру Belvoir Street «Дика качка» Саймона Стоуна та Кріса Раяна за мотивами Генріка Ібсена у постановці Стоуна. Зібравши всі можливі нагороди в Сіднеї, відвідавши Міжнародний фестиваль Ібсена в Осло та Віденський фестиваль, вистава нарешті приїхала на обмежений термін до Барбікану.

Це, в усіх відношеннях, абсолютний театральний тріумф; дивовижне переосмислення Ібсена, міцно вписане в австралійський контекст, що резонує з приголомшливою силою та лякаючою, глибокою уявою. Якщо ви хоча б трохи цікавитеся театром, зробіть собі послугу і негайно придбайте квитки. Мине багато часу, перш ніж ви знову побачите щось подібне, якщо взагалі побачите.

У примітках до програми Стоун зазначає:

«Ця версія "Дикої качки" позбавляє необхідності виправдовувати той факт, що всі події п'єси зручно відбуваються в одній або двох локаціях протягом лише кількох днів. Вона оголює хребет сюжету і визнає фундаментальну штучність театральної презентації драматичних подій. Ми бачимо один трагічний тиждень з життя шести людей. Події розгортаються у порожньому просторі — одночасно скрізь і ніде. Залишається лише взаємодія персонажів між собою. Ми використовуємо рамку, яка є вуайєристською, але водночас судово-медичною. Ми препаруємо трагедію... Сюжет розкриває власні карти та звільняє персонажів від необхідності приходити вчасно та видавати потрібну інформацію, щоб вони могли бути повністю собою у своїй боротьбі».

Коли я прочитав цей уривок перед початком вистави, моє серце тьохнуло. Навіщо комусь виправдовувати місце дії п'єси? Робота режисера — змусити п'єсу працювати, висвітлити текст. Порожнеча? Серйозно? Хіба ми ще не покінчили з цим старомодним авангардним підходом до реалістичної драми? Вуайєризм? Будь ласка, тільки не відеоряд на телевізійних екранах! Як сюжет може розкривати карти сам по собі? Як персонажі драми можуть бути звільнені від необхідності приходити вчасно та промовляти свої репліки? Схоже було на те, що боротьба чекає саме на мене.

Але ці побоювання виявилися марними, і хоча Стоун, очевидно, щиро вірить у те, що пише, постановка не цілком відповідала (чи, навпаки, перевищила, залежно від вашої точки зору) цей гучний вступ.

По-перше, це не п'єса Ібсена і, на щастя, вона нею не прикидається. Те, що це повне переосмислення, зрозуміло вже з афіші. Одна зірка за це. Сюжет суттєво відрізняється в багатьох ключових моментах, і ці відмінності створюють суворий, похмурий і, зрештою, жахливий досвід. Оригінал міг дискутувати про правду та брехню, яка допомагає людям жити, але ця адаптація показує правду та брехню в дії та яскраві, жорстокі наслідки, які може принести правда.

По-друге, дія відбувається не у порожнечі. Вона відбувається у замкненій прозорій в'язниці; місці, де брехня тримає вас у пастці, але дозволяє виживати. Подібно до качки на початку вистави, яка вважає себе вільною, щасливою та любленою, так само почуваються і всі персонажі всередині скляної в'язниці. Лише тоді, коли правда розвіює брехню, стає можливим існування поза межами скляного полону, хоча це життя змушує тих, хто його веде, мріяти про повернення до щасливіших часів за склом. Ще одна зірка за сценографію Ральфа Майєрса.

По-третє, персонажі все одно приходять вчасно і повідомляють потрібну інформацію. Просто вони роблять це інакше, ніж міг собі уявити Ібсен, і не в останню чергу тому, що сюжет докорінно інший, а цілі персонажі просто зникли у цій скороченій версії. Проте рухам притаманна плинність, яка заворожує і підкреслює той факт, що події, які стаються в одному місці, мають відгомін у зовсім інших. Іноді персонажі затримуються у скляній в'язниці після того, як їхні репліки закінчені, створюючи своєрідний ефект ореолу своєї присутності. Коли мати падає без сил після того, як її покинув чоловік, дізнавшись правду про справжнього батька «їхньої доньки» Гедвіг, вона залишається на підлозі у позі ембріона, поки навколо розгортаються інші сцени. Її присутність ідеально ілюструє місце, яке вона займає у думках тих, хто спілкується поруч, поки вона лежить, безпорадна, сповнена болю та відчаю, не в змозі впоратися з реальністю. Ще одна зірка за натхненну, вільну пластику, яка є візитною карткою цієї режисури.

По-четверте, за винятком того, що глядачі, як зазвичай, спостерігають за акторами під час гри, у постановці немає нічого особливо вуайєристського. Але це не означає, що вона не є захоплюючою та тримає у напрузі; знання оригінального тексту Ібсена вам тут не особливо допоможе — попереду серйозні, графічні та шокуючі потрясіння. Скальпельна точність кожної сцени, кожного жесту, кожної правди та кожного болючого докору пробирає до кісток. Коли вистава починається, кілька людей живуть у брехні, і всі, крім одного, щасливі; наприкінці ніхто не живе у брехні, один мертвий, і ніхто не щасливий. Правда може зробити вас вільними, але свобода дається величезною ціною. Ще одна зірка.

Але коли Стоун каже, що його бачення дозволяє персонажам бути «повністю собою у своїй боротьбі», з цим не посперечаєшся. Кожному актору надається чудова можливість зіграти мінливого, складного, тендітного та надзвичайно людяного персонажа. І кожен з них справляється блискуче.

Сара Вест — просто вибух у ролі не по роках розвиненої та геніальної Гедвіг. Вона абсолютно переконлива в образі п'ятнадцятирічної дівчини, а відчуття сімейної гармонії, яке вона створює зі своїми батьками, надзвичайно впевнене. Її сцени зі старшими чоловіками у її житті дивовижно багатогранні, а момент, коли вона помилково припускає, що Грегерс (Ден Вайлі) може бути нею зацікавлений, змушує стигнути кров у жилах. І вона ні на мить не схибила у тому жахливому pas de deux зі своїм батьком, коли він гнівно, нерозумно та непростимо відштовхує її.

Аніта Хег неперевершена в ролі матері Гедвіг, Гіни. Бездоганно стримана гра, ідеальний портрет прихованих провин, щемливого жалю та щастя, вкраденого розрухою правди. Її нерухомість вражає, як і калейдоскоп відтінків болю та смутку, які вона здатна продемонструвати. У жіночій буденності її персонажа є досконалість, яку важко пояснити, але неможливо не захоплюватися.

Брендан Коуелл у ролі архетипового «австралійського хлопця» — абсолютне влучання. Якість «простої людини», яку він привносить у роль Ялмара, настільки ж прониклива, наскільки й болісна для споглядання. Хороший хлопець, зруйнований чоловічими амбіціями та схильністю свого кращого друга до правди. Ця версія робить Ялмара персонажем, якого глядачеві важко полюбити, але відчуття динамічного реалізму Коуелла, його смілива, розумна гра гарантують, що його Ялмара бачать, йому вірять і його розуміють, хоча, можливо, і не прощають. Це потужна, глибока робота.

Джон Гейден ідеально втілює образ досвідченого старого шахрая Верле, який заробив мільйони на брехні та інтригах протягом усього життя. Втрачаючи зір, збираючись одружитися з 28-річною дівчиною, яка за віком могла б бути його онукою (якби вона у нього була), цей огидний, егоїстичний старий виродок — це той самий черв'як, що точить яблуко. Гейден грає його з витонченою насолодою і саме тією часткою самоприниження та пригнічуючої провини, яка потрібна. Його сцена з Гедвіг магічна — наче підпалений гніт, що призводить до неминучого феєрверку.

Річард Пайпер у ролі батька Ялмара, Екдаля, чудово грубуватий і надламаний, занурений у деменцію. Він зберіг свої таємниці і тепер доглядає за своїми тваринами у дивному маленькому штучному середовищі, влаштованому для нього в домі сина. Він врятував ту саму Дику качку, так само як і його невизнані вчинки так чи інакше врятували всіх інших персонажів. Ще одна бездоганно витримана роль — частково біль, частково безнадія, частково ілюзії.

Найскладніша роль у цій версії «Дикої качки» — Грегерс, син Верле, який не хоче мати нічого спільного ні з батьком, ні з його статками. Мати подзвонила йому перед самогубством, розповіла певні факти, і тому він сповнений гіркоти та образи. Він знає таємницю, або її частину, і вирішує її розкрити — частково щоб покарати батька, а частково, принаймні так він вважає, тому що це «правильно». Це не так, і наслідки його відвертості виявляються фатальними та катастрофічними. Вайлі майстерно веде свого персонажа крізь скелястий шлях, і хоча в одному сенсі він — лиходій цієї історії, в іншому він — головна жертва: він ніколи не знав справжньої сімейної любові.

Акторська гра дійсно світового рівня. Ще одна зірка за це.

Стеван Грегорі створив нову музику та звукові ефекти, які значно підсилюють враження від вистави. Особливо гарні уривки класичної музики, які починаються бездоганно, але згодом розпадаються; а один звуковий ефект, що нагадує «крик Всесвіту» в момент, коли відкривається перша велика правда і світ Екдалів руйнується, просто приголомшує. Делікатне освітлення від Нікласа Паянті майстерно змінює настрій і виразно підкреслює наслідки дій.

Без сумніву — це захоплива театральна подія. Бачення Стоуна чітке, амбітне та електризуюче. І це працює — справді працює. Чудова гра, чудова режисура, чудовий сценарій. Як казали у мюзиклі «Мила Чаріті»: «Вау!».

Зробіть усе можливе, але не пропустіть шанс побачити цю майстерну постановку.