ANMELDELSE: Vildanden, Barbican Theatre ✭✭✭✭✭

Vildanden: Richard Piper som gamle Ekdal i Sydney Belvoir Companys forestilling Foto: Alastair Muir Vildanden (fritt etter Ibsen)

Barbican Theatre

23. oktober 2014

5 stjerner

Vaktene dekker til nødutgangsskiltene mens den store folkemengden prater i vei; så dempes lyset. Kun TV-monitorene er aktive i det plutselige mørket, og bønnfaller publikum om å slå av mobiltelefonene sine (en beskjed som, slik det dessverre altfor ofte er nå til dags, blir ignorert av de få uvitende og ignorante). Et lysglimt. Det begynner. Men hva er det vi ser på? En stor, rektangulær glassbeholder... som et akvarium... er det et akvarium? Og der, en ekte, levende and. I akvariet. Den betrakter publikum med skepsis, flakser med vingene, ser ut som om den kanskje vil prøve å fly, og lager en slags kvekkende lyd. Så mørke.

Slik begynner Belvoir Street Theatre sin produksjon av "Vildanden av Simon Stone med Chris Ryan fritt etter Henrik Ibsen", regissert av Stone. Etter å ha håvet inn priser i Sydney, Australia, og gjestet Den internasjonale Ibsenfestivalen i Oslo og Wiener Festwochen, spiller den nå en begrenset periode på Barbican.

Det er på alle måter en fullstendig teatralsk triumf; en fantastisk gjendiktning av Ibsen, solid plassert i en australsk språkdrakt, som klinger med både sitrende kraft og en iskald, innsiktsfull dristighet. Om du så bare har en svak interesse for teater, gjør deg selv en tjeneste og se den umiddelbart. Det vil gå lang tid før du opplever noe lignende igjen, om noensinne.

I programnotatene sine sier Stone:

"Denne versjonen av Vildanden fjerner behovet for å rettferdiggjøre det faktum at alle stykkets hendelser beleilig nok finner sted på ett eller to steder i løpet av bare noen få dager. Den blottlegger handlingens kjerne og anerkjenner det grunnleggende kunstige ved teatrets fremstilling av dramatiske hendelser. Vi ser én tragisk uke i livene til seks personer. Historien utspiller seg i et tomrom – overalt og ingensteds. Alt som gjenstår er karakterenes samhandling med hverandre. Vi bruker et rammeverk som er voyeuristisk, men også rettsmedisinsk. Vi dissekerer en tragedie... Handlingen legger kortene på bordet og frigjør karakterene fra behovet for å ankomme i tide og avsløre rett informasjon, slik at de kan være fullt og helt seg selv i sin egen kamp."

Da jeg leste det avsnittet før forestillingen startet, sank hjertet mitt. Hvorfor skulle noen trenge å rettferdiggjøre hvor hendelsene i et stykke finner sted? Regissørens jobb er å få stykket til å fungere, å belyse teksten. Et tomrom? Seriøst? Er vi ikke ferdige med den gammeldagse avantgardistiske tilnærmingen til realistisk drama? Voyeuristisk? Vær så snill – ingen filmsekvenser på TV-skjermer! Hvordan kan handlingen legge kortene på bordet? Hvordan kan karakterer i et drama bli fritatt fra å komme i tide og si replikkene sine? Det hørtes ut som om kampen kom til å bli min.

Men denne frykten viste seg å være ubegrunnet, og selv om Stone åpenbart må tro på det han skriver, levde ikke produksjonen opp til (eller ned til, avhengig av øyet som ser) den salgstalen.

For det første er ikke dette Ibsens stykke, og heldigvis later det heller ikke som om det er det. At det er en total gjendiktning, går tydelig frem av programmet. Én stjerne for det. Handlingen er svært annerledes på flere nøkkelpunkter, og disse forskjellene gir en naken, dyster og til slutt rystende opplevelse. Originalen diskuterer kanskje poenger om sannhet og løgnene som bærer folk gjennom livet, men denne adaptasjonen viser sannhet og løgn i praksis – og de levende, nådeløse konsekvensene sannheten kan føre med seg.

For det andre foregår ikke handlingen i et tomrom. Den utspiller seg i et innesperret, gjennomsiktig fengsel; et sted der løgner fanger deg, men lar deg overleve. Akkurat slik anden i starten av stykket tror den er fri, lykkelig og elsket, gjør også alle karakterene som befinner seg inne i glassfengselet det, på hver sin måte. Det er først når sannheten fordriver løgnen at det kan finnes en tilværelse utenfor glassfengselet, om enn et liv der de som lever det, skulle ønske de kunne vende tilbake til de lykkeligere tidene på innsiden. Nok en stjerne for scenografien – Ralph Myers.

For det tredje kommer karakterene fortsatt i tide og avslører rett informasjon. De gjør det bare annerledes enn det Ibsen kanskje forestilte seg, ikke minst fordi handlingen er vilt annerledes og hele karakterer rett og slett er fjernet i denne nedstrippede versjonen. Men det er definitivt en flyt i bevegelsene som er fortryllende, og som understreker det faktum at ting skjer på ett sted, men får ettervirkninger på helt andre steder. Noen ganger dveler karakterene i glassfengselet etter at replikkene deres er ferdige, noe som skaper en slags aura av deres tilstedeværelse. Når moren bryter sammen etter at mannen forlater henne etter å ha fått vite sannheten om hvem som er den biologiske faren til "datteren deres", Hedvig, blir hun liggende i fosterstilling på gulvet mens andre scener utspiller seg rundt henne. Hennes nærvær illustrerer perfekt plassen hun har i tankene til dem som interagerer mens hun ligger der, hjelpeløs, fylt av smerte og fortvilelse. Nok en stjerne for den inspirerte, frittflytende motorikken som er et varemerke for regien her.

For det fjerde – foruten at skuespillerne blir betraktet mens de opptrer, slik publikum vanligvis gjør – er det ingenting spesielt voyeuristisk over denne forestillingen. Men det betyr ikke at den er noe annet enn fullstendig fengslende og altoppslukende; å kjenne den originale Ibsen-teksten vil ikke nødvendigvis hjelpe deg her – det er alvorlige, grafiske og grufulle sjokk man må gjennom. Den skalpell-aktige presisjonen i hver scene, hver gest, hver sannhet og hver smertefulle bebreidelse skjærer helt inn til beinet. Når stykket starter, lever flere personer på løgner og alle unntatt én er lykkelige; når det slutter, lever ingen på løgner, én er død og ingen er lykkelige. Sannheten gjør deg kanskje fri, men friheten har en formidabel pris. Én stjerne til.

Men når Stone sier at hans visjon tillater karakterene å være "fullt og helt seg selv i sin egen kamp", er det umulig å være uenig. Hver skuespiller får en strålende mulighet til å spille en omskiftelig, kompleks, skjør og intenst menneskelig karakter. Og hver eneste en av dem er ekstraordinært god.

Sara West er dynamitt som den veslevoksne og briljante Hedvig. Hun er totalt overbevisende som femtenåring, og følelsen av familieharmoni hun etablerer med foreldrene sine, er dypt troverdig. Scenene hennes med de eldre mennene i livet hennes er alle fantastisk komplekse, og scenen der hun feilaktig tror at Dan Wylies Gregers er tiltrukket av henne, får det til å gå kaldt nedover ryggen på en. Og hun bommer ikke på en eneste nyanse i den grufulle ordvekslingen med faren når han sint, dumt og utilgivelig avviser henne.

Anita Hegh er sublim som Hedvigs mor, Gina. Feilfritt underspillt, et perfekt portrett av skjulte feiltrinn, verkende anger og lykke stjålet av sannhetens jernhånd. Stillheten hennes er forbløffende, det samme er spekteret av smerte og sorg hun klarer å formidle. Det er en perfeksjon i den kvinnelige hverdagsnærheten i karakteren hennes som er vanskelig å forklare, men umulig ikke å beundre.

Brendan Cowell, som den arketypiske australske mannen, er helt perfekt. Denne "hvermannsen"-kvaliteten han gir rollen som Hjalmar, er like innsiktsfull som den er smertefull å se på. En god fyr ødelagt av sin egen mannlige stolthet og bestekompisens trang til å fortelle sannheten. Denne versjonen gjør Hjalmar til en vanskelig karakter for publikum å elske, men Cowells sans for dynamisk realisme og hans modige, kloke prestasjon sørger for at hans Hjalmar blir sett, trodd og forstått, om enn kanskje ikke tilgitt. Det er en kjøttfull og kraftfull prestasjon.

John Gaden er helt i blinken som den glatte gamle skurken Werle, som har tjent millioner og løyet og konspirert hele livet. Han er i ferd med å bli blind, skal gifte seg med en 28-åring som kunne vært på alder med barnebarnet hans (om han hadde hatt et), og denne ufyselige, selvopptatte gamle jævelen er minken i hønsegården. Gaden spiller ham med herlig fryd og akkurat passe mengde selvforakt og knugende skyldfølelse. Scenen hans med Hedvig er magisk – som å tenne en lunte, med det påfølgende fyrverkeriet.

Som Hjalmars far, Ekdal, er Richard Piper praktfullt bister og nedslått, på vei inn i demens. Han har beholdt hemmelighetene sine og steller nå dyrene sine i det pussige lille habitatområdet som er satt opp for ham i sønnens hjem. Han har reddet den beryktede anden, akkurat som hans ufrivillige handlinger har reddet alle de andre karakterene, på en eller annen måte. Nok en perfekt balansert tolkning, dels smerte, dels håpløshet, dels ønsketenkning.

Den vanskeligste rollen i denne versjonen av Vildanden er Gregers, Werles sønn, som egentlig ikke vil ha noe med faren eller farens formue å gjøre. Moren ringte ham før hun tok sitt eget liv og fortalte ham visse fakta, og han er derfor bitter og sint. Han kjenner en hemmelighet, eller deler av en, og bestemmer seg for å fortelle den – dels for å straffe faren, men også, i det minste delvis, fordi han genuint tror det er det rette å gjøre. Det er det ikke, og konsekvensene av hans ærlighet er vidtrekkende og katastrofale. Wylie navigerer sjarmerende gjennom den steinete stien karakteren hans går på, og selv om han på sett og vis er stykkets skurk, er han i en annen forstand det største offeret: han har aldri egentlig opplevd kjærlighet som et familiemedlem.

Skuespillet er virkelig i verdensklasse. Nok en stjerne for det.

Stevan Gregory står for ny musikk, spesielle arrangementer og lydeffekter som bidrar sterkt til forestillingens totale inntrykk. Spesielt gode er bruddstykkene av klassisk musikk som starter vakkert, men går i oppløsning etter hvert som de skrider frem; og det er en fantastisk lydeffekt, nesten som om universet skriker, i det øyeblikket den første store sannheten blir fortalt og Ekdals verden rives fra hverandre. Subtil lyssetting fra Niklas Pajanti etablerer stemningsskifter og, spesielt, konsekvensene av handlingene på en levende og oppsiktsvekkende måte.

Ingen tvil – dette er en sitrende teaterbegivenhet. Stones visjon er tydelig, ambisiøs og elektrisk. Og det fungerer – virkelig. Strålende skuespill, glimrende regi, et fantastisk manus. Som det sies i Sweet Charity: Alt jeg kan si er "Wow!"

Gjør hva enn du må – men ikke la sjansen gå fra deg til å se denne mesterlige produksjonen.