RECENSION: Vildanden, Barbican Theatre ✭✭✭✭✭

Vildanden: Richard Piper som Ekdal senior i Sydney-baserade Belvoir Companys uppsättning. Foto: Alastair Muir Vildanden (fritt efter Ibsen)

Barbican Theatre

23 oktober 2014

5 stjärnor

Vaktmästarna täcker över utgångsskyltarna, den stora publikskaran sorlar; sedan dämpas ljuset. Endast tv-skärmarna lyser i det plötsliga mörkret och uppmanar publiken att stänga av sina mobiltelefoner (ett meddelande som, vilket tyvärr sker alltför ofta nuförtiden, ignoreras av ett fåtal respektlösa och obildade individer). En ljusexplosion. Det börjar. Men vad är det vi tittar på? En stor rektangulär glasform... som ett akvarium... är det ett akvarium? Och där, en livslevande and. I akvariet. Den betraktar publiken med skepsis, flaxar med vingarna, ser ut att försöka flyga, ger ifrån sig ett kvackande ljud. Sedan mörker.

Så börjar Belvoir Street Theatre-uppsättningen av "Vildanden av Simon Stone med Chris Ryan efter Henrik Ibsen", regisserad av Stone. Efter att ha kammat hem priser i Sydney och spelat på både den internationella Ibsenfestivalen i Oslo och Wiener Festwochen, ges den nu under en begränsad spelperiod på Barbican i London.

Det är på alla sätt en fullständig teatral triumf; en fantastisk nytolkning av Ibsen, stadigt förankrad i en australiensisk kontext, som vibrerar av spännande kraft och en kylig, insiktsfull fantasi. Om du har ens ett flyktigt intresse för teater, gör dig själv en tjänst och se den omedelbart. Det lär dröja länge innan du får uppleva något liknande igen, om någonsin.

I sina programanteckningar skriver Stone:

"Denna version av Vildanden tar bort behovet av att rättfärdiga det faktum att pjäsens alla händelser bekvämt nog utspelar sig på en eller två platser under bara några få dagar. Den blottlägger handlingens ryggrad och erkänner den fundamentala förställningen i teaterns presentation av dramatiska skeenden. Vi ser en tragisk vecka i sex personers liv. Berättelsens händelser utspelar sig i ett tomrum – överallt och ingenstans. Allt som återstår är karaktärernas interaktioner med varandra. Vi använder ett ramverk som är voyeuristiskt men också forensiskt. Vi dissekerar en tragedi... Intrigen lägger korten på bordet och befriar karaktärerna från kravet att anlända i tid och avslöja rätt information, så att de kan vara helt sig själva i sin egen kamp."

När jag läste det stycket strax innan föreställningen började, sjönk mitt hjärta. Varför skulle någon behöva rättfärdiga var pjäsens händelser äger rum? Regissörens jobb är att få pjäsen att fungera, att belysa texten. Ett tomrum? Verkligen? Är vi inte klara med det där gammalmodiga avantgarde-greppet på realistiskt drama? Voyeuristiskt? Snälla – inga filmsekvenser på tv-skärmar! Hur kan intrigen lägga korten på bordet? Hur kan dramatiska karaktärer befrias från att komma i tid och säga sina repliker? Det lät som att kampen skulle bli min.

Men dessa farhågor visade sig vara ogrundade och även om Stone uppenbarligen tror på vad han skriver, levde produktionen inte upp till (eller ner till, beroende på perspektiv) det försäljningssnacket.

För det första är detta inte Ibsens pjäs och lyckligtvis låtsas den inte vara det heller. Att det är en komplett nytolkning står helt klart redan på affischen. En stjärna för det. Handlingen skiljer sig på flera avgörande sätt och dessa skillnader skapar en naken, bister och i slutändan hårresande upplevelse. Originalet må ha diskuterat sanning kontra de livslögner som bär oss genom livet, men denna bearbetning visar sanning och lögn i praktiken och de levande, brutala konsekvenser som sanningen kan föra med sig.

För det andra utspelar sig handlingen inte i ett tomrum. Den utspelar sig i ett begränsat, genomskinligt fängelse; en plats där lögner snärjer dig men tillåter dig att leva. Precis som anden i början av pjäsen tror att den är fri, lycklig och älskad, tror alla karaktärer som lever i glasfängelset på samma sätt, på ett eller annat vis. Det är först när sanningen skingrar lögnerna som det kan finnas en tillvaro utanför glasfängelset – om än ett liv där de som lever det önskar att de kunde återvända till de lyckligare tiderna därinne. Ännu en stjärna för scenografin – Ralph Myers.

För det tredje anländer karaktärerna fortfarande i tid och ger rätt information. De gör det bara annorlunda än vad Ibsen kan ha tänkt sig, inte minst för att handlingen är rejält förändrad och hela karaktärer helt enkelt har strukits i denna avskalade version. Men det finns definitivt en flythet i rörelserna som är förtrollande och som betonar det faktum att saker händer på ett ställe men får efterverkningar på andra. Ibland dröjer sig karaktärer kvar i glasfängelset efter att deras repliker är klara, vilket skapar en slags gloria-effekt av deras närvaro. När modern bryter ihop efter att hennes man lämnat henne sedan han fått veta sanningen om vem som är far till "deras dotter" Hedvig, stannar hon kvar i fosterställning på golvet medan andra scener utspelar sig runt henne. Hennes närvaro illustrerar perfekt vilken plats hon har i tankarna hos dem som interagerar medan hon ligger där, sårbar, full av ångest och förtvivlan, oförmögen att gå vidare. Ännu en stjärna för den inspirerade, fritt flödande rörelseregin som är ett signum här.

För det fjärde är det inget särskilt voyeuristiskt med denna produktion, annat än att skådespelarna betraktas medan de spelar på det sätt som publiken alltid gör. Men det betyder inte att den är något annat än fullkomligt fängslande och gripande. Att känna till Ibsens originaltext kommer inte nödvändigtvis hjälpa dig här – det finns allvarliga, grafiska och skrämmande chocker att ta sig igenom. Den skalpelliknande precisionen i varje scen, varje gest, varje sanning och varje smärtsam anklagelse skär ända in till benet. När pjäsen börjar lever flera personer på lögner och alla utom en är lyckliga; vid slutet lever ingen på lögner, en är död och ingen är lycklig. Sanningen kan göra dig fri, men friheten kommer med ett oerhört högt pris. En stjärna till.

Men när Stone säger att hans vision tillåter karaktärerna att vara "helt sig själva i sin egen kamp" finns det inget att anmärka på. Varje skådespelare ges en lysande möjlighet att spela en föränderlig, komplex, skör och djupt mänsklig karaktär. Och varenda en av dem är utomordentligt bra.

Sara West är dynamit som den brådmogna och briljanta Hedvig. Hon är helt trovärdig som femtonåring och den känsla av familjeharmoni hon etablerar med sina föräldrar är mycket övertygande. Hennes scener med de äldre männen i hennes liv är alla underbart komplexa och scenen där hon felaktigt tror att Dan Wylies Gregers kan vara attraherad av henne är isande. Och hon missar inte en sekund i den rysliga pas de deux med sin far när han ilsket, dumt och oförlåtligt stöter bort henne.

Anita Hegh är sublim som Hedvigs mamma, Gina. Felfritt och nedtonat spelat, ett perfekt porträtt av dolda felsteg, värkande ånger och en lycka som stulits av sanningens härjningar. Hennes stillhet är häpnadsväckande, liksom det kaleidoskop av nyanser av smärta och sorg hon kan visa upp. Det finns en fulländning i hennes karaktärs kvinnliga vardaglighet som är svår att förklara men omöjlig att inte beundra.

Brendan Cowell, i rollen som den typiske australiensiska snubben, är klockren. Den "varje-man"-kvalitet han tillför Hjalmar är lika insiktsfull som den är smärtsam att se. En bra kille som krossas av sin manliga stolthet och sin bästa väns böjelse för sanningen. Denna version gör Hjalmar till en svår karaktär för publiken att älska, men Cowells känsla för dynamisk realism, hans modiga och smarta prestation, gör att hans Hjalmar blir sedd, trodd och förstådd, även om han kanske inte blir förlåten. Det är en mustig och kraftfull rollprestation.

John Gaden är helt perfekt som den slippriga gamla skurken Werle, som har tjänat miljoner och ljugit och intrigerat hela sitt liv. Han håller på att bli blind, ska gifta sig med en 28-åring som skulle kunna vara i hans barnbarns ålder (om han haft något), och denne vidrige, självupptagne gubbe är masken som får äpplet att ruttna. Gaden spelar honom med stor njutning och precis rätt mått av självdistans och krossande skuld. Hans scen med Hedvig är magisk – fylld av en laddning som oundvikligen leder till en emotionell explosion.

Som Hjalmars far, Ekdal, är Richard Piper härligt vresig och nedbruten, på väg in i demens. Han har bevarat sina hemligheter och sköter nu om sina djur i den märkliga lilla konstgjorda livsmiljön som byggts åt honom i sonens hem. Han har räddat den and som gett pjäsen dess namn, precis som hans ej erkända handlingar har räddat alla andra karaktärer, på ett eller annat sätt. Ännu en perfekt avvägd insats, delvis smärta, delvis hopplöshet, delvis önsketänkande.

Den svåraste rollen i denna version av Vildanden är Gregers, Werles son, som egentligen inte vill ha något med sin far eller hans förmögenhet att göra. Hans mor ringde honom före sitt självmord och berättade vissa saker, och han är därför bitter och fylld av agg. Han känner till en hemlighet, eller delar av en, och bestämmer sig för att berätta den, delvis för att straffa sin far, men åtminstone delvis för att han genuint tror att det är det rätta att göra. Det är det inte, och konsekvenserna av hans uppriktighet blir omfattande och katastrofala. Wylie navigerar skickligt genom den steniga väg hans karaktär vandrar, och även om han i en mening är berättelsens skurk, är han i en annan dess främsta offer: han har aldrig fått uppleva verklig kärlek i en familj.

Skådespeleriet är verkligen i världsklass. Ännu en stjärna för det.

Stevan Gregory står för nyskriven musik, specialarrangemang och ljudeffekter som bidrar stort till helhetsintrycket. Särskilt bra är de klassiska musikstyckena som börjar sublimt men som krackelerar efter hand; och det finns en fantastisk ljudeffekt, som om universum skriker, i det ögonblick då den första stora sanningen uttalas och Ekdals värld slits itu. Niklas Pajantis finstämda ljussättning etablerar stämningsskiften och framför allt handlingens konsekvenser på ett levande och omskakande sätt.

Det råder ingen tvekan – detta är en spännande teaterhändelse. Stones vision är tydlig, ambitiös och elektrifierande. Och det fungerar – det fungerar verkligen. Fantastiskt skådespeleri, fantastisk regi, ett fantastiskt manus. För att låna från musikalen Sweet Charity: Allt jag kan säga är "Wow!"

Gör vad du än behöver göra – men missa inte chansen att se denna mästerliga uppsättning.