ביקורת: Once Upon A Mattress, Upstairs At The Gatehouse ✭✭

ג'וליאן אייבס סוקר את המחזמר "Once Upon A Mattress" שמוצג כעת Upstairs at The Gatehouse.

Once Upon A Mattress Upstairs At The Gatehouse, 7 במרץ 2020, 2 כוכבים, הזמנת כרטיסים כותרת הצגה המעלה רמיזות שובבות היא - מצטער לאכזב אתכם - בערך הכי מרגשת שזה יכול להיות. סיפור חוזר של אנדרסן אשר שחזורו על ידי ג'יי תומפסון, דין פולר ומרשל בארר (האחרון הוא גם הפזמונאי המשעמם ובמקרים מסוימים, השראה מזכירה) עושה את העולם ואת האנושות כצעדים זמנים ופשוטים של אופטימיות פיפטיז נאיבית. אם היו מכוונים לילדים, במיוחד מתחת לגיל 10, אולי היה לזה פוטנציאל. מרי רוג'רס השיקה את ההצגה הזו באותה שנה כמו של אביה "צלילי המוזיקה", מה שמדגיש את הפער העצום בין כישרונותיהם. כפי שהמצב הוא, קשה לראות את זה מושך לא לקהל התיאטרון המוזיקלי המרכזי ולא לאלו המחפשים משהו לקחת את הילדים אליו. מה שיכול להפתיע קצת: בארה"ב היא מתחדשת באופן קבוע, ואכן היא נעשתה כאן (ב-2003, ב-Landor) עם קצת הצלחה נכבדה. מה, אם כן, מונע מההפקה הנוכחית בהייגייט לעבוד? ובכן, להתחיל איתו, מצגת הבמאי מארק גיסר מתחילה עלה תמוהה. הבמה מוגדרת באותו אופן כמו עבודתו הקודמת בכתובת זו, "Strike Up The Band" של השנה שעברה, המציבה את התזמורת בחלק העמוס מאחורי אזור הפעולה: MD ג'סיקה דגלאס שולטת היטב במוזיקאי ומתנה אהבה לרוב יוצגו כיצירות אבן שהן בעלות עושר מלודי ואנרגיה קצבית. באופן הנחושת אנחנו שומעים ברודוויי של שנות ה-1950. אבל זה לא מה שאנחנו מקבלים בעיצוב התפאורה של ג'וליה סקרימרי. יש כמה קירות על גלגלים שמזיזים אותם מעט, וחבורה של קופסאות וכמה רוסטרים מתחתם מסתתרות ערימות של ריפוד רך, כל אלה נותנים להפקה מראה כאוטי למדי. בניגוד לכך, תלבושת השפע יחסית יוצרת סגנון "פנטו" שבו צבעים רועשים וניגודים מוזרים בין דוגמאות ובדים משמשים 'לרמוז' על המאה הארבע-עשר, או לפחות עולם אגדות שבו נסיכות חווה הקימות שלהן מופרעות על ידי לא יותר מאשר קטנית יבשה. בעוצמה תלבושת משדרת סגנון משחק יכול להיות רחב, מה שגיסר רוצה כאן נראה להיות אופייים, אף-משמעותיים והחלטיים מהצוות הדטרמני שלו. שום דבר לא משוחרר להיות 'אמיתי' באף אחד מהסצנות שלהם, שם כל המסלולים הרגשיים הולכים מ-0 ל-60, מתבצע מהיר מ-0. ולכן, הדיאלוג 'ספר' נשמע בקול רם לנו עם מעט או ללא גיוון, לא עם כל הפיתוי המסורתי של תרבות הפנטו (אין הסדר עם הקהל, ואין תחושה של שום דבר טקסי בנוגע לזה). במקום זאת, אנחנו נשארים צופים פסיביים לאורך כל הזמן, נאבקים למצוא כל נקודת קשר אנושית עם הפרשנות הזו, בעוצמה הישירה של המשחק תמיד מבולבלת ביחס לעושר המבודח בכוונה של התלבושות. מה שחסר כאן באופן לא ייתכן הוא תופשת הבטוחה יותר של הרוח 'וודווילית' המהותית של ההצגה. קלות מגע, חוסר דאגות פשטות שמוצאת את ההרמוניה המהותית עם התסריט ותחושת הכיף הקצפתי של הציון. אנו מקבלים רמזים לכך בהרבה מהנגיעות המבריקות בכמה מתכיפות של כריס וויטאקר: אולם הבימוי לא מבצע יתרון מהגרוסטה הגדל של תכנון ההפקה; גרוע מכך, הוא לא מוצא את הקסם בסיפור. למרבה זאת, קל לחוש סימפתיה עם הצוות החזק, שנתקל במשימה בלתי אפשרית. ב'ראש', בת' בורוז שפכת אנרגיה לתפקידה כנסיכת וויניפריד עם מבטא אמריקאי; אך איך היא יכולה לגרום למספר הגדול שלה 'אני מגושה' באמת להגיע, כאשר - כמו השאר של ההצגה - צריך להיות מוצג על הבמה הזאת שהיא עוגמה. היא גם נתקלת בקשיי שמיעות, מה שעשוי להיות משהו שקשור לעיצוב הקול של אנדרו מיצ'י, אבל ראינו הרבה יותר להציע על כך שככל הנראה ההצגה לא עברה חזרה טכנית לפני ערב העיתונות שלה (עוד משהו לשאול את הבמאי). התאורה של ג'ס פומרוי נתקעת באותו בעיה. מבחינה טכנית היה השירות הטוב ביותר תיאו טוקסוויג-סטיוארט בתור הנסיך דאונטלס, ואף אסיר לא נשאר על ידי אמא חמושה והמונעת הקבל כמלכה אגרהביין (קליט?) של ג'וליה פאלקנר. שנות החמישים לא המקום לאנשים שלא אוהבים סקסיזם שמנוני ותחתית. רחל לואיז מילר קול נהדר נשמע בבהירות ובבהירות בהרבה מהמספרים המוזיקליים שלה כגברת לרקן - אילו רק התפקיד שלה היה מועבר יותר בהכרת תודה. רחל לי-גריי מפיקה קול נהדר בתור הליצן/נסיכת 12, וסקוט ארמסטרונג נשמע נעים כמונבט סר הארי, בזמן שמתיו ג'יימס וויליס מלא בזסה כמונבט. הצוות החזק מסתיים עם ג'ון סירס בתור הקוסם וקורטני האמונד הכפולה כגברת רוונה והזמיר של סמארקנד. הם קבוצת שחקנים טובים, אבל החומר הזה, בהפקה הזאת, לא מאפשר לנו לראות אותם במיטבם. כעניין סקרנות, ייתכן שיהיה כמעט לראות את זה, ועבור חסרי הדרישות זה מציע כמה שעות של נפש מנומסת.