RECENSION: Once Upon A Mattress, Upstairs At The Gatehouse ✭✭

Julian Eaves recenserar musikalen Once Upon A Mattress som just nu spelas på Upstairs at the Gatehouse.

Once Upon A MattressUpstairs At The Gatehouse, 7 mars 2020 2 stjärnor Boka biljetter Den ekivoka titeln på den här föreställningen är – jag beklagar att behöva göra er besviken – ungefär så spännande som det blir.  Denna menlösa och ganska allvarsamma återgivning av H.C. Andersens saga ”Prinsessan på ärten” har inget som helst ”vuxet” över sig: bearbetningen av Jay Thompson, Dean Fuller och Marshall Barer (den sistnämnda är också den hantverksskicklige, stundtals inspirerade textförfattaren) förvandlar detta till en outtröttligt oskyldig, hurtig och barnslig syn på världen och mänskligheten, fylld av naiv 1950-talsoptimism.  Om den riktade sig till barn, särskilt de under 10 år, så kanske den skulle fungera.  Mary Rodgers lanserade den här musikalen samma år som hennes pappas ”Sound of Music”, vilket bara understryker den enorma klyftan mellan deras talanger.  Som det ser ut nu är det svårt att se att den skulle tilltala vare sig den vanliga musikalpubliken eller de som letar efter något att ta med barnen på.  Detta kan komma som en överraskning: i USA sätts den regelbundet upp, och den har faktiskt spelats här tidigare (2003 på Landor) med viss framgång.  Vad är det då som gör att den nuvarande uppsättningen i Highgate inte fungerar? För det första börjar regissören Mark Giessers presentation med att se ”bekymrad” ut.  Scenen är konfigurerad på samma sätt som hans tidigare verk på denna adress, förra årets ”Strike Up The Band”, vilket placerar orkestern längst bak på det trånga spelområdet: kapellmästaren Jessica Douglas har musiker under god kontroll och levererar en pigg tolkning av Rodgers partitur, där hon tack vare sina egna fylliga arrangemang gör det mesta av dess melodiska charm och rytmiska energi.  Ljudmässigt hör vi ren 1950-tals-Broadway.  Men det är inte vad vi får i Giulia Scrimeris scenografi.  Det finns ett par rullande fondväggar som flyttas runt en del, en hög med lådor och ett par podier under vilka det döljer sig mängder av mjuka kuddar, vilket ger produktionen ett ganska rörigt utseende.  Som kontrast skapar en del jämförelsevis påkostade kostymer en slags ”panto”-stil, där skrikiga färger och märkliga mönsterkontraster används för att ”antyda” mitten av 1300-talet, eller åtminstone den sortens sagovärld där prinsessor inte får sin skönhetssömn störd av något läskigare än en torkad baljväxt. Medan kostymerna antyder en spelstil som kan vara yvig, verkar det Giesser vill ha här vara djärva, fräcka och tvådimensionella karaktäriseringar från sin målmedvetna ensemble.  Inget tillåts vara ”äkta” i deras scener, där alla känslomässiga resor går från 0 till 100 på tre sekunder blankt.  Dialogen basuneras ut mot oss med liten eller ingen variation, och utan den förföriska lockelse som hör pantotraditionen till (det finns ingen publikinteraktion och ingen känsla av något rituellt över det hela).  Istället förblir vi passiva observatörer genom hela föreställningen och kämpar för att hitta någon mänsklig kontaktpunkt med denna tolkning, medan skådespeleriets eftertryckliga direkthet alltid står i förvirrande kontrast till kostymernas medvetet billiga och galna överdåd.  Det som möjligen saknas här är ett säkrare grepp om pjäsens i grunden vaudevillianska anda.  En lätthet i handlaget, en anspråkslös och sorglös approach som hittar den essentiella harmonin med manuskriptets och musiken lättsamma spelglädje.  Vi får glimtar av detta i många av de smarta detaljerna i Chris Whittakers tidvis riktigt pricksäkra koreografi, men regin lyckas inte dra nytta av scenografins skämtsamma groteskhet; värre är att den misslyckas med att hitta magin i berättelsen. Likväl är det lätt att sympatisera med den starka ensemblen, som sitter fast i en omöjlig uppgift.  I huvudrollen lägger Beth Burrows all sin energi på rollen som en amerikansk-klingande prinsessa Winnifred; men hur ska hon få sitt paradnummer ”I’m shy” att landa när det – precis som resten av showen – måste framföras i den röriga röra som är denna scen?  Hon har också svårigheter med hörbarheten, vilket kan ha att göra med Andrew Michies ljuddesign, men förmodligen mycket mer med det faktum att showen tydligen inte haft någon teknisk repetition före sin pressafton (ytterligare en sak att fråga regissören om).  Jess Pomeroys ljussättning dras med samma problem. Tekniskt sett klarade sig Theo Toksvig-Stewart bättre i rollen som prins Dauntless, och Julia Faulkners skrämmande, stereotypa och mobbande svärmor, drottning Aggravain (ordvits avsedd?), tog inga fångar.  1950-talet är ingen plats för människor som ogillar elak och ytlig sexism.  Rachel Louise Millers fantastiska röst ljuder klar och ren i hennes många musikaliska nummer som Lady Larken – om bara hennes roll hade varit mer tacksamt utformad.  Rachel Lee-Gray frambringar ett fint sound som The Jester/Prinsessa 12, och Scott Armstrong låter behaglig som den romantiskt lagde Sir Harry, medan Matthew James Willis är full av fart som Minstreln.  Den robusta ensemblen kompletteras av John Sears som trollkarlen och Courtney Hammond som dubblerar som Lady Rowena och näktergalen från Samarkand.  De är ett gäng skickliga aktörer, men det här materialet, i den här produktionen, tillåter oss inte att se dem från deras bästa sida.  Som en kuriositet kan den vara värd att kolla in, och för den kravlösa erbjuder den ett par timmars artig eskapism.