ANMELDELSE: La Boheme, Arcola Theatre ✭✭✭✭

La Bohème

Arcola Studio 1

05.08.15

4 stjerner

Hva mer kan man egentlig gjøre med La Bohème? Nå som Royal Opera House endelig pensjonerer sin ærverdige John Copley-oppsetning etter førti år, og meningsmålinger stadig kårer La Bohème til verdens mest «populære» eller «belidte» opera, er det virkelig noe nytt å si om Puccinis fortelling om lutfattige kunstnere i Latinerkvarteret i Paris? Burde vi ikke bare gi publikum den tradisjonelle, konvensjonelle forestillingen de er vant til? Dette var utfordringen Opera 24 og Darker Purpose Theatre Company sto overfor under åpningen av årets Grimeborn Festival i Dalston. I denne produksjonen er kvistværelset i Paris og Café Momus flyttet til «Hackneys vide marker», som librettoen spissformulert uttrykker det. Med orkesteret plassert under balkongutspringet, er resten av Arcola Studio 1 viet til to samtidsomgivelser: først en kjølig, sparsomt møblert leilighet – med diverse TV-apparater på hyller, soveposer, en gitar og én felles bærbar PC; noen gamle protestplakater stuet bakerst og malerutstyr spredt rundt et ineffektivt fyrfat. Deretter flyttes vi til stoler og bord i en enkel kafé, der selve symbolet er de klembare tomatformede ketchupholderne, som får sitt helt eget grand guignol-satiriske øyeblikk i andre akt. Rodolfo (James Scarlett) er fortsatt poeten som må brenne sangtekstene sine for å holde varmen, Marcel (Ian Helm) er fortsatt den frustrerte kunstneren som venter på sitt store gjennombrudd, og Mimi (Heather Caddick) er en dyktig syerske, men her en ukrainsk immigrant hvis usikre status betyr at hun ikke har rett til ordentlig helsehjelp. Orkesteret er redusert til ti musikere pluss piano, men strykere og treblåsere er – avgjørende nok – fulltallig representert.

Å høre operaen i dette kammerformatet får en til å innse på nytt hvor solid den er bygget som musikalsk håndverk. Akkurat som i den beste filmmusikken, er Puccini en mester i kunsten å skape raske, men sømløse overganger: I hver scene finnes det mange solo- og ensembleøyeblikk som definerer karakterene og driver handlingen fremover med teatralsk teft, samtidig som det oppleves uanstrengt, uten synlige skjøter. Med et mindre orkester kan man lettere og mer tydelig høre og se hvordan det er gjort, idet de ulike linjene veves inn og ut og melodifragmenter deles og settes sammen igjen; men det minsker ikke beundringen for resultatet. Når de to største ariene kommer allerede i første akt, burde det egentlig ikke fungere. Likevel tilpasser og omarbeider komponisten materialet fra disse fantastiske, langstrakte romantiske partiene gjennom hele operaen, slik at helheten forenes og gjennomsyres av det samme lengtende harmoniske språket, uansett hvor handlingens gang fører oss.

Avgjørende for enhver nytolkning av denne operaen er hva man gjør med den gamle librettoen, og her treffer produksjonen blink med John Farndons vittige, litt selvironiske, men helt troverdige moderne oversettelse, som gir sangerne og skuespillerne et rikt materiale å jobbe med. Den legger grunnlaget for troverdigheten i de sentrale rollene og fremhever med rette de mange komiske øyeblikkene (både situasjonsbestemte og språklige) som oppstår naturlig i operaen. Det er noen veldig morsomme episoder i denne oppsetningen, særlig i scenene preget av mannlig kameratskap og godmodig erting som dominerer deler av første og andre akt, og de har sitt utspring i energien og selve kvaliteten i teksten. Av og til kan tekstens ordrikdom skape noen krevende partier for sangerne når de skal formidle Puccinis naturlig flytende melodilinjer, men for det meste er det et ypperlig samsvar mellom ord og musikk. Orkesterarrangementene av John Jansson er like smakfulle, slik at orkesteret gir effektiv bakgrunnsstøtte uten å dominere stemmene. Jeg savnet den opprinnelige orkestreringen kun i de hektiske kaféscenene fra Paris, der Puccini virkelig boltrer seg i en full impresjonistisk palett av urbane stemningsbilder.

Prestasjonene er for det meste svært sterke og overbevisende. Scarlett og Helm i rollene som Rodolfo og Marcel er på mange måter det viktigste paret i denne operaen – de tilbringer mer tid sammen enn Rodolfo gjør med Mimi. Som skuespillere og sangere fungerte de godt sammen med en veldig naturlig kjemi. Særlig Helm fremstilte Marcels lojale vennskap og kunstneriske sutring og selvsentrerthet på en meget overbevisende måte, og viste seg som en effektivt sjalusi-drevet elsker i scenene med Musetta (Danae Eleni). Scarletts levering av sin hovedarie var passende resonant og edel, tross noe forsering i de aller høyeste delene av registeret, og hans sammenbrudd i de to siste aktene var både rørende og helhetlig spilt, noe som absolutt ikke alltid er tilfelle.

Kveldens virkelige vokale høydepunkt sto Caddick for, som sang med en fantastisk renhet i linje og klang som fanget oppmerksomheten vår hele veien. Rollen som Mimi er vanskelig å mestre: sangeren må formidle skjørhet uten å henfalle til enkel, selvmedlidende offerrolle; og sangen må være fullstendig autoritær samtidig som den – om mulig – formidler en svekket helse. Caddick klarte å fylle alle disse aspektene med en fin karakterisering av «grasiøs under press» – Hemingways definisjon av mot. Jeg forventet ikke å bli beveget av sluttscenen igjen, men hennes prestasjon gjorde det mulig for meg å oppleve den på nytt.

Blant de mindre rollene var det mange gode bidrag, noe som i seg selv er en hyllest til hvordan Puccini demokratisk gir alle sine karakterer små, juvellignende scener der de kan skinne. Cheyney Kent utnyttet for eksempel scenen der han selger frakken sin i siste akt til det fulle; Leon Berger fikk maksimalt ut av rollene som huseieren og Musettas eldre elsker, der han må være skyteskive for alle vitsene; og Andrew McIntosh ga livlig støtte som Schaunard. Danae Eleni spilte ut Musettas kontrasterende roller som både kaféflørt og Mimis lojale venninne svært godt, men hun kunne ha gjort mer vokalmessig ut av sin store arie i andre akt. Nick Fletcher satte et forfriskende kvikt tempo fra orkestergraven som holdt handlingen i gang på en lettbent måte uten å legge for stort press på sangerne.

Oppsummert oppnådde produksjonen nøyaktig det Grimeborn har som mål hvert år. Den fjernet gamle lag med ferniss fra en gammel favoritt og fant et nytt og overbevisende gjennomtenkt scenario å plassere den i. Regissør Lewis Reynolds har mye erfaring med å presentere opera på King's Head Theatre, noe som gjorde ham til et svært godt valg for å oppnå gode resultater her. Dette var en virkelig dedikert laginnsats over hele linja, og i denne operaen er det ingenting annet som duger.