ANMELDELSE: The Sorrows Of Satan, Tristan Bates Theatre ✭✭✭✭

Ensemblet i The Sorrows Of Satan The Sorrows Of Satan

Tristan Bates Theatre

21. februar 2017

4 stjerner

Bestill billetter

Denne lekre nye musikalen er det vittigste, mest elegante og mest ekstraordinære nye showet som tilbys i byen akkurat nå.  Plassert i det intime Tristan Bates Theatre for en enestående seks ukers spilleperiode, er Adam Lensons smarte oppsetning av Luke Bateman og Michael Conleys bemerkelsesverdige firemannsstykke en herlig underholdning som vil sjarmere og glede alle slags publikummere.  Regissøren står også for den musikalske iscenesettelsen.

Med utgangspunkt i Marie Corellis bestselgende roman fra slutten av 1800-tallet med samme navn, har forfatterne oppdatert materialet til det mer dristige 1920-tallet. De har flyttet hennes advarende fortelling om litterære ambisjoner til det glamorøse West End, preget av lystige nye musikalske komedier og verdenen til Ivor Novello, Noel Coward, H M Tennant og C B Cochrane.  Bateman er utvilsomt deres like når det gjelder å skrive minneverdige låter: tre dager etter pressepremieren nynner jeg fortsatt på dem – og det kan jeg ikke si om noen andre nye partiturer jeg har hørt i det siste.  Som teaterkomponist vil Bateman nå langt.  Corelli, som i sin tid ble beundret av Oscar Wilde, har et godt øye for vakkert konstruerte onelinere og aforismer, og Conley har hentet ut det beste fra boken hennes og kunstferdig krydret sitt geniale manus med dem.  Dialogen har et nydelig tempo og skaper en veritabel storm av latter.  Som tekstforfatter er han en verdig utfordrer til de beste som Cole Porter eller E Y Harburg: det er en storslått kontroll over språket i hans møysommelig utformede tekster: «Tartarus» er en spesielt bemerkelsesverdig suksess som vil fortrylle like mye som den får deg til å smile.  Basert på dette partituret våger jeg påstanden at ethvert publikum vil plassere Bateman og Conley i den absolutte fronten av nye musikalske skrivetalenter her til lands.

Dale Ripley som Lucio

Denne produksjonen er velsignet med utøvere som er helt på bølgelengde med stilen.  I denne komiske gjenfortellingen av Faust-myten er Satan representert i den fysiske skikkelsen til Prins Lucio Rimanez, spilt med urban nonchalanse av Dale Rapley.  Hans skyteskive, den fortvilede og mislykkede musikalkomponisten Geoffrey Tempest, blir sjarmerende tolket av Simon Willmont.  Den beleilige kjærlighetsinteressen, en trio av herlig kontrasterende roller kollektivt identifisert som «The Woman», portretteres av Claire-Marie Hall, som har det storveis med sine hyppige rollebytter.  Og til slutt kommer musikken fra flygelet på scenen, spilt av Rimanezs infernalske følgesvenn, Amiel, nydelig fremført av Stefan Bednarczyk.  Denne herlige kvartetten er faktisk betrodd oppgaven med å gjøre en slags revy-preget «lesning» av Tempests nyeste (forferdelige) verk, som på merkelig vis har fanget interessen til vår vert, Prins Lucio. Han bytter gradvis ut Tempests uspillelige søppel med arbeid av langt større kunstnerisk og teaterfaglig verdi.

Simon Willmont, Claire Marie Hall og Stefan Bednarczyk

Conley har også designet den fantastiske ekspresjonistiske, nesten monokrome bokskulissen som forestiller leiligheten til Rimanez-husholdningen: Jeg tipper bare, men utsikten fra vinduet får meg til å tenke på Belgravia.  Faktisk er hele produksjonsdesignet (assosiert designer Craig Nom Chong) holdt i en streng palett av svart, grått, hvitt og krokus-oransje, med skreddersøm av de nydelige kostymene levert av S Newman & Son.  Sam Waddington – denne kommende teatergenien – lyssetter det hele med sin vante briljans og nøkternhet, og er spesielt dyktig til å åpne opp de ulike «lagene» i manuset.

I disse sofistikerte, om enn dystre vakre omgivelsene, handler manuset som leses – tro det eller ei – om trengslene rundt en oppsetning av et stykke kalt «The Sorrows of Satan».  Faktisk, hvis jeg har forstått alle lagene rett, har vi en forestilling om en forestilling om en forestilling.  Vi har en historie der alle karakterene eksisterer for å spille andre karakterer, og som i seg selv bare er anslag av arketyper fra en gammel og ofte gjenfortalt myte.  Derfor ligger det en tydelig postmoderne følsomhet under verket, til tross for dets pastisj-aktige ytre, noe som får det til å føles dagsaktuelt og gir det mer samtidsrelevans enn man først skulle tro.  Det utøver en intellektuell fascinasjon, i tillegg til å ha en mer direkte teatralsk appell.  Ikke desto mindre er dette fortsatt mennesker vi vil vite mer om, og det kommer et punkt – noen ganger vanskelig å lokalisere, men et punkt like fullt – der vi aktivt ønsker å høre fra dem på et mer lyrisk plan.  Man ønsker ikke å være for kjølig og distansert i en historie som tross alt handler om menneskelige lidenskaper og vanskene vi alle opplever med å navigere i dem.  Muligens svinger manuset til tider unna sentrale vendepunkter som kunne vært mer effektive om de landet med større tyngde: for eksempel kunne Tempests beslutning om å selge sjelen sin til djevelen vært mer overbevisende om den ble presentert med mer oppbygging i stedet for å virke så tilfeldig – det er tross alt et helt avgjørende øyeblikk.

Claire Marie Hall

Det er imidlertid tatt en bevisst avgjørelse om å presentere åpningen av forestillingen på en måte som gjør publikum til objektive observatører av samtalene på scenen.  Senere blir handlingen mye mer energisk og dynamisk, og vi blir definitivt trukket dypere inn i deres verden enn vi ble i starten.  Det kan argumenteres for at sistnevnte er en mer behagelig posisjon for publikum å befinne seg i, og jeg ser ikke bort fra at det gjøres noen justeringer etter hvert som spilleperioden skrider frem.  Når det gjelder plassering og effekt av musikalnumrene: når de enkelte karakterene får verdifulle øyeblikk til å avsløre og utforske sine situasjoner gjennom sang, elsker vi som publikum å være en del av det.  Men når de må synge de (bevisst) elendige tekstene som Tempest-karakteren har kokt sammen – før Hans Høyhet så hjelpsomt griper inn med langt bedre saker – er vi mindre fornøyde.  Faktisk virker det som om det er minst tre steder i første akt som roper etter en karakteravslørende eller plottdrivende sololåt fra disse interessante karakterene.  Jeg ville ikke blitt overrasket over å få vite at slike sanger fantes på et punkt i utviklingen av verket.  Nå som forestillingen er oppe og står foran publikum, er det kanskje mulig at de – eller noe lignende – vender tilbake.

Etter tre år i støpeskjeen må vi takke den fantastiske regissøren og forkjemperen for nye musikaler, Lenson, for dette foretaket; det var han som fikk forfatterne til å gå løs på verket i utgangspunktet.  Etter å ha etablert et godt samarbeid på deres forrige prosjekt, «Personality», spurte Adam om de kunne lage noe mindre som ville være lettere å få i full produksjon.  Resultatet er denne forestillingen.  Opprinnelig tenkt som et stykke for to personer, har det fått vokse seg noe større, men forblir en stramt fokusert prestasjon der vi er fanget i en klaustrofobisk opplevelse som stadig ber oss vurdere ikke bare hvem karakterene egentlig er, men hvem vi selv er.  Den økonomiske ryggraden i den grundige utviklingsprosessen er levert av produsentene Alfie Taylor-Gaunt og Joel Fisher i FTG Productions, som har ledet an i prosjektets vekst fra start.  Jeg møtte dem alle på en fremvisning av store deler av første akt for over ett år siden på St James’s Studio.  Og nå fortsetter de å tråkke opp en dristig ny sti med denne banebrytende satsingen på Tristan Bates.

Teateret er en del av Actors’ Centre, like ved Seven Dials i Covent Garden.  Senterets kunstneriske programleder, Michael John, ønsker å utvide bruksområdet for teateret, og sammen med produsent Matthew Keeler åpner de nå opp for spilleperioder som er mye lenger enn det vanlige, raskt skiftende programmet.  Seksukersperioder prøves nå ut for å la nye verk finne og bygge et publikum: som mål er dette ambisiøst, men hvis kvaliteten på denne første produksjonen er noe å gå etter, er den bygget på et svært høyt kunstnerisk og profesjonelt grunnlag.  Med Apollo i Shaftesbury Avenue som satser for fullt på korte og mellomstore spilleperioder, The Other Palace som gjør det samme, og Arts Theatre og Trafalgar Studios som fortsetter med høy utskifting av nye produksjoner – i tillegg til en helt ny West End-utbygging under vurdering av Cameron Macintosh – ser fremtiden lys ut for bransjen.

Slik den står nå, er «The Sorrows of Satan» en glimrende underholdning hvor vi kan oppleve store nye talenter i sin vorden.  Det blir fascinerende å se hva slags publikum de tiltrekker seg med dette verket.  Selv nynner jeg fortsatt på «diabolo in musica»-valsen som Tempest er så besatt av i første akt, og den forrykende briljante «Tartarus»!  Jeg skal tilbake for å høre dem, og resten av dette herlige partituret, i teatermørket igjen i denne flotte nye musikalkomedien – med en sjelelig vri.

Spilles til 25. mars 2017

BESTILL BILLETTER TIL THE SORROWS OF SATAN