ANMELDELSE: Tommy, Greenwich Theatre ✭✭✭✭✭

Tommy

Greenwich Theatre

8. august 2015

5 stjerner

Han er kledd helt i hvitt. Selve personifiseringen av uskyld og skjønnhet. Han kan ikke se, høre eller snakke. Han er veldig ung. Traumatisert. Selv om han bor med mor og far, er han alene i en mørk, taus og usikker verden. Onkel Ernie passer ham i kveld mens foreldrene – moren nokså motvillig – har dratt ut. Onkel Ernie har med sukkertøy, rødstripete polkagriser. Onkel Ernie tar på ham. Grafser på ham. Antaster ham. Ødelegger en del av hans uskyld.

Etterpå.

Gutten gråter, dypt og lydløst. Han er ikke helt sikker på hva som har skjedd, men det var ikke bra. Skammen og skyldfølelsen stråler fra ham, og sønderriver ham som om noen hadde snappet til seg sjelen hans og dyppet den i tjære. Han vugger og skjelver, en oase av uforstand og smerte. Han må finne en vei ut.

Flipperspill.

Moren forsøker å få ham helbredet. Legene kan ikke hjelpe. Problemet, sier de, ligger inni ham. Moren er knust. Hennes blinde, døve og stumme sønn er riktignok en mester i flipperspill, men han kan ikke ha et normalt liv. Han bare nistirrer i speilet som har trollbundet ham siden den kvelden... den kvelden faren drepte noen. Han er fiksert på speilet. Hun er sjalue på oppmerksomheten han gir det, sint over at han ikke ser på henne slik han ser på speilet. Plutselig knuser hun det.

Et lite opphold. Stillhet.

Så innser han at han kan høre henne klynke, se hennes herjede trekk, ta på henne. Han er fri fra sitt tause fengsel. Endelig kan han se verden, høre lydene, berøre alle dens underverker. Han overveldes av det kalejdoskopiske synet, de endeløse mulighetene. Han slikker armen sin, smaker på seg selv. Han er fri, levende, fylt av den ekstatiske gleden til den uskyldige som står klar til å utforske verden.

Det er et så fantastisk vakkert øyeblikk av teatralsk geni som man overhodet kan forestille seg.

Dette er Tommy, et verk som startet som et konseptalbum for The Who i 1969, før det ble film i 1975 og til slutt en scenemusikal i 1992. Nå, gjenopplivet av Michael Strassen med musikalsk ledelse av Kevin Oliver-Jones og inspirert koreografi av Mark Smith, spilles Tommy på Greenwich Theatre. "Gjenoppliving" er egentlig ikke det rette ordet: Dette er en intens, avslørende og praktfull nytolkning av et stykke musikkhistorie.

Konseptalbumet ble opprinnelig markedsført som en "rockeopera", den aller første som tok den tittelen, men denne produksjonen føles som så mye mer enn det. Smiths bemerkelsesverdige koreografi, den intrikate måten flytende bevegelser er avgjørende for historiefortellingen på, og tilnærmingen med flere perspektiver samtidig i det visuelle narrativet – alle disse elementene gjør dette til en trollbindende teateropplevelse.

Det er egentlig mer ballett enn opera, fordi så mye kommunikasjon skjer gjennom bevegelse, berøring og dans. Det er brennende intimt i store deler, selv om temaene svik, medvirkning og tilgivelse er universelle og det er en storhet over deler av Tommys liv. Kanskje "Rock Bopera" hadde vært en bedre betegnelse – en fusjon av aspekter fra opera og ballett, men med en dyp rocke-sensibilitet.

Uavhengig av hvordan man kategoriserer det, er Strassens produksjon av Tommy en genuin triumf, praktisk talt perfekt på alle måter. Fra første tone tar den deg i strupen, krever din fulle oppmerksomhet og slipper ikke taket før Tommy snurrer den enorme flipperkulen i hendene og lyset slukkes som tegn på at showet er over. Pauser er sjelden noe man misliker i disse dager, men jeg innrømmer gjerne at jeg irriterte meg over pausen her.

Mens ouverturen spilles, involverer Smith ensemblet i en smart gjenfortelling av forhistorien. Det er ingen ord, men den kraftfulle og seksuelt ladede dynamikken, som blir forestillingens fysiske språk, setter scenen og akklimatiserer publikum for det som skal komme. Smiths bevegelser og dans er så altoppslukende at det er nærmest et sjokk når det første ordet endelig synges.

I programmet sier Strassen:

"Jeg ønsket å iscenesette en verden der vi ser Tommys indre mekanismer og ikke bare et herjet blikk. Koreograf Mark Smith var et avgjørende valg for min visjon."

Smith oppnår Strassens mål – fysisk, intuitivt og grasiøst. Du innser det ikke med en gang, men etter hvert faller brikkene på plass. Du ser Tommys versjon av hendelsene, fra hans ståsted – rått, ufiltrert, dystert og uforsonlig. Som en måte å utnytte potensialet i dette materialet på, er det vanskelig å tenke seg en mer effektiv og triumferende tilnærming.

Nick Corralls design støtter også opp under dette. Grunnfargen for alle er hvitt. Innslag av mørkere farger, klesplagg eller deler av antrekk

legges til eller legges over for å skape spesifikke karakterer. Fargekollisjonene føles som et inntrengende element i den ellers fredelige, hvite verdenen. Tommy er blind – men det betyr ikke at han ser mørke, et svart tomrom. Han kunne like gjerne se hvitt lys og skygger som beveger seg i gjenskinnet.

Scenen inneholder en abstrakt fremstilling av de viktigste gjenstandene eller hendelsene i Tommys liv; speilet dukker opp i flere former, det samme gjør kulene fra flipperspillene han ender opp med å dominere. Stoler og annet rusk fyller rommet eller flyttes rundt etter behov. Døråpninger kan være laget av tau; gjenkjennelige objekter brukes for å mane frem et bilde eller et konsept: mikrofonledninger brukes som bånd ved et kritisk punkt, som et symbol på både berømmelsens topper og bunner.

Selvfølgelig ville den smarte idéen og utførelsen ikke betydd noe om rollebesetningen var svak. Heldigvis treffer den perfekt på alle punkter. Ashley Birchall er et inspirert valg som Tommy. Størsteparten av showet hviler på hans skuldre, og det hviler uanstrengt.

Partituret er utrolig krevende, skrevet som det var for det unike, utrolige instrumentet Roger Daltrey var velsignet med. Birchall har kanskje ikke de rå, raspende kantene i Daltreys stemme, men han har en glødende røst som er spennende og bred i toppen, energisk og stødig hele veien, og i stand til å uttrykke intense følelser mens han leverer rene, klangfulle toner som treffer og blender.

Han er også en fabelaktig skuespiller, konstant til stede i øyeblikket – han er ikke redd for å ta seg tid, synge lavmælt eller spille underdrevent. Han bruker sine betydelige ferdigheter til å vise oss Tommys verden, hans liv og hans begrensninger. Han tydeliggjør på briljant vis forholdet Tommy har til alle de som står ham nær: mor, far, onkel, fetter og Acid Queen. Selv om øynene hans kan være tomme, eller skjult bak solbriller, formidler han følelser og tanker på andre måter. Han er, ærlig talt, helt utrolig.

John Barr gir Birchall kamp om oppmerksomheten. I en ondsindet tour-de-force graver Barr frem kjernen i Tommys pedofile onkel Ernie og gir ham liv på en levende og desperat måte. Som en slags grufull blanding av Fagin, Jimmy Savile og Adrian Edmondsons 'Viv' (The Young Ones), gjør Barr utrolig nok akkurat det onkel Ernie ville gjort – han sjarmerer deg til tross for sin frastøtende oppførsel.

Her legges det ikke fingre imellom: Barrs fremføring av "Fiddle About" er grusom med tanke på lysten som vises, men noe med den presise, perfekt balanserte leveringen treffer blink. Han viser deg hvordan Jimmy Savile slapp unna med det. Hans koselige danserutine med grønn hatt sammen med Tommys fetter får det til å gå kaldt nedover ryggen på en, og det er en hyllest til Barrs dyktighet at når Tommy slipper fri fra sitt ensomme fengsel, virker det ikke rart at han ikke går til angrep på ham. Hadde dette stykket gått i West End, ville du gitt Barr en Olivier-pris for beste birolle i en musikal her og nå.

James Sinclair og Miranda Wildford er strålende som Tommys foreldre, der deres fortvilelse over Tommys tilstand balanseres av deres egen skyldfølelse, lyst og medaktighet. Begge har utmerket stemmekraft og takler de vanskelige, høye partiene i partituret med letthet. Wildford er spesielt god i sin røde kjole i scenen der alt forandrer seg for Tommy.

Det er også sterk støtte fra Giovanni Spano (Tommys ufyselige bølle av en fetter), Carly Burns (hvis tolkning av den ikoniske Acid Queen er bemerkelsesverdig i sin tilbakeholdenhet), Danny Becker (en ekstraordinær stemme med ekte kraft), Carrie Sutton (hvis skjebnesvangre Sally er sentral) og Scott Sutcliffe som i en rekke roller gir solid støtte og briljant observerte detaljer – hans reaksjon på onkel Ernies forferdelige, tafsende julenisse er for eksempel helt nydelig.

Hele ensemblet, inkludert Alice Mogg, gjør en fantastisk jobb med Smiths koreografi, og det ligger en mørk, seksuell energi over alt som skjer, noe som speiler hele narrativet – ikke bare på grunn av Tommys reise, men også den til hans foreldre og onkel Ernie. Følelsen av femti- og sekstitallet er overveldende.

Som gruppe mestrer castet koreografiens utfordringer. Grupperutinene er tette, presise, ekspertdrillet og helt synkroniserte. Det individuelle arbeidet er eksemplarisk, og der folk skal være i bakgrunnen, er de det; men når de står i sømlyset, fryder de seg over sjansen. Flipperspillet er briljant representert, og den frynsete, utslitte tåken ved narrativets klimaks er like viktig og talende som den stramme energien som starter forestillingen.

David Howes lysdesign er en integrert del av forestillingens struktur. Endrede lysstemninger reflekterer humør og opplevelser og forsterker spenningen skapt av skuespillere og koreografi. Månen hans er magisk. Det dyktige firemannsorkesteret, ledet av Kevin Oliver-Jones, leverer vakkert avveid akustisk støtte – ildfull, elektrifiserende og engasjerende. Musikalsk er dette en ren fryd. "Pinball Wizard", "I'm Free" og "We're Gonna Take It" er overveldende.

Dette er en eksepsjonell nytolkning av et verk som sjelden settes opp på scenen. Vokalt, dramatisk og kunstnerisk er det en uforbeholden triumf. Birchall er en stigende stjerne, Barr en etablert en. Smith er et geni og Strassens visjon her er helt enestående. Uansett hva du kaller denne Tommy-versjonen – rockeopera, musikal eller rock-bopera – så er den storslått på alle måter.

Tommy spilles på Greenwich Theatre frem til 23. august 2015