RECENSION: Tommy, Greenwich Theatre ✭✭✭✭✭

Tommy

Greenwich Theatre

8 augusti 2015

5 stjärnor

Han är klädd helt i vitt. Den personifierade oskulden och skönheten. Han kan varken se, höra eller tala. Han är mycket ung. Traumatiserad. Trots att han bor med sin mamma och pappa är han ensam i en mörk, tyst och osäker värld. Hans farbror ser efter honom ikväll när föräldrarna – mamman med viss tveksamhet – har gått ut. Uncle Ernie har med sig karameller, rosa polkagrisar. Uncle Ernie rör vid honom. Pillar på honom. Tafsar på honom. Förstör en del av hans oskuld.

Efteråt.

Pojken gråter, djupt och ljudlöst. Han är inte helt säker på vad som hänt, men han vet att det inte var bra. Skammen och skulden strålar från honom, sliter honom i stycken som om någon hade stulit hans själ och doppat den i tjära. Han gungar och darrar, en oas av oförstånd och smärta. Han måste hitta en väg ut.

Flipperspel.

Hans mamma försöker få honom botad. Läkarna kan inte hjälpa. Problemet, säger de, sitter inom honom. Modern är förtvivlad. Hennes blinda, döva och stumma son kan visserligen spela flipper som en gud, men han kan inte leva ett normalt liv. Han stirrar bara in i spegeln som har förtrollat honom sedan den där kvällen... kvällen då hans pappa dödade någon. Han är fixerad vid spegeln. Hon är svartsjuk på uppmärksamheten han ger den, arg för att han inte ser på henne som han ser på spegeln. Plötsligt slår hon sönder den.

Ett ögonblick. Tystnad.

Då inser han att han kan höra hennes snyftningar, se hennes härjade ansikte, röra vid henne. Han är fri från sitt tysta fängelse. Äntligen kan han se världen, höra dess ljud, röra vid alla dess underverk. Han överväldigas av det kalejdoskopiska landskapet, de ändlösa möjligheterna. Han slickar sin arm, smakar på sig själv. Han är fri, levande, fylld av den hänryckta glädjen hos en oskyldig som precis ska börja utforska världen.

Det är ett så andlöst vackert ögonblick av sceniskt geni som man kan tänka sig.

Detta är Tommy, ett verk som föddes som ett konceptalbum av The Who 1969, blev film 1975 och slutligen en scenmusikal 1992. I denna nyuppsättning av Michael Strassen, med musikalisk ledning av Kevin Oliver-Jones och inspirerad koreografi av Mark Smith, spelas Tommy nu på Greenwich Theatre. "Nyuppsättning" är egentligen fel ord: detta är en intensiv, avslöjande och strålande nytolkning av ett stycke musikhistoria.

Konceptalbumet lanserades ursprungligen som en "rockopera", den allra första i sitt slag, men den nuvarande produktionen känns som så mycket mer än så. Smiths enastående koreografi, det intrikata sättet som flödande rörelser blir avgörande för berättandet, och det visuella greppet att visa historien från flera perspektiv samtidigt – alla dessa element gör detta till en trollbindande teaterupplevelse.

Det är egentligen mer balett än opera, eftersom så mycket kommuniceras genom rörelse, beröring och dans. Det är brännande intimt för det mesta, även om temana om svek, delaktighet och förlåtelse är universella och det finns en storslagenhet i Tommys liv. Kanske vore "Rock Bopera" ett bättre namn – en fusion av opera och balett, men med en djupt rotad rockkänsla.

Oavsett hur man etiketterar den är Strassens uppsättning av Tommy en genuin triumf, i det närmaste perfekt på alla sätt. Från första tonen griper den tag i dig, kräver din uppmärksamhet och släpper inte taget förrän Tommy snurrar det överdimensionerade flipperspelet i sina händer och ett mörker signalerar att föreställningen är slut. Pauser är sällan något man ogillar nuförtiden, men jag erkänner villigt att jag stördes av avbrottet här.

Medan uvertyren spelas låter Smith ensemblen skickligt berätta förhistorien. Inga ord behövs; den kraftfulla och sexuellt laddade dynamiken, som blir föreställningens fysiska språk, sätter tonen och acklimatiserar publiken för vad som komma skall. Smiths rörelser och dans är så totalt uppslukande att det första sjungna ordet nästan kommer som en chock.

I programbladet säger Strassen:

"Jag ville iscensätta en värld där vi ser Tommys inre maskineri och inte bara en plågad blick. Koreografen Mark Smith var ett avgörande val för att förverkliga min vision."

Smith uppnår Strassens mål – fysiskt, intuitivt och graciöst. Man inser det inte först, men så småningom trillar polletten ner. Vi ser Tommys version av händelserna, ur hans perspektiv: rått, ofiltrerat, dystert och oförsonligt. Som ett sätt att förvalta materialets potential är det svårt att tänka sig ett mer effektivt och lyckat grepp.

Nick Corralls scenografi bidrar också till detta. Grundfärgen för alla är vitt. Inslag av mörkare färger, plagg eller delar av kläder

läggs till eller placeras ovanpå för att skapa de specifika karaktärerna. Färgkrockarna känns som ett intrång i den annars fridfulla vita världen. Tommy är blind – men det betyder inte att han ser mörker, ett svart tomrum. Han kan lika gärna se vitt ljus, skuggor som rör sig i det starka skenet.

Scenen rymmer en abstrakt tolkning av de viktigaste föremålen och händelserna i Tommys liv; spegeln dyker upp i olika skepnader, precis som flippkulorna i de maskiner han lär sig behärska. Stolar och annat bråte fyller utrymmet eller flyttas runt vid behov. Dörröppningar kan bestå av rep; igenkännbara föremål används för att mana fram bilder eller koncept: mikrofonsladdar används som bojor vid ett tillfälle, vilket symboliserar både berömmelsens höjder och dalar.

Givetvis skulle alla smarta koncept och allt tekniskt utförande vara förgäves om rollsättningen brast. Lyckligtvis är den mitt i prick på alla punkter. Ashley Birchall är ett genidrag i rollen som Tommy. Större delen av showen vilar på hans axlar, och han bär den med lätthet.

Partituret är otroligt krävande, skrivet som det var för det unika och enastående instrument som Roger Daltrey var välsignad med. Birchall kanske inte har samma råa, sargade kanter i rösten som Daltrey, men han har en glödhet röst som är fängslande och bred i de höga registren, energisk rakt igenom och kapabel till att uttrycka intensiva känslor samtidigt som han levererar rena, kraftfulla toner som verkligen berör.

Han är dessutom en suverän skådespelare, ständigt närvarande i nuet – han vågar ta tid på sig, sjunga svagt och underdriva. Han använder sin skicklighet för att visa oss Tommys värld, hans liv och hans begränsningar. Han gestaltar briljant Tommys relationer till alla i hans närhet: mamman, pappan, farbrodern, kusinen och the Acid Queen. Trots att hans blick kan vara tom eller dold bakom solglasögon, förmedlar han skickligt känslor och tankar på andra sätt. Han är, uppriktigt sagt, häpnadsväckande.

John Barr ger Birchall en rejäl match. I en ondskefull tour-de-force mejslar Barr fram essensen av Tommys pedofila farbror, Uncle Ernie, och ger honom ett obehagligt levande ansikte. Som en mardrömslik blandning av Fagin, Jimmy Savile och Adrian Edmondsons Viv (från Hemma värre), gör Barr det som farbror Ernie skulle ha gjort – han charmar dig trots sitt vidriga beteende.

Här hymlas det inte: Barrs framförande av "Fiddle About" är skrämmande med tanke på den lust som visas upp, men något i hans precisa och perfekt avvägda leverans träffar rätt. Han visar hur en typ som Jimmy Savile kunde komma undan. Hans mysiga dansnummer i grön hatt med Tommys kusin får det att krypa i kroppen, och det är ett bevis på Barrs skicklighet att det inte känns konstigt att Tommy inte går till attack mot honom när han väl blir fri från sitt fängelse. Om den här föreställningen spelades på en scen i West End, skulle man ge Barr en Olivier för bästa manliga biroll i en musikal direkt.

James Sinclair och Miranda Wilford är strålande som Tommys föräldrar, vars förtvivlan över sonens tillstånd dämpas av deras egen skuld och lust. Båda har utmärkta röster och bemästrar det svåra, höga partituret utan problem. Wilford är särskilt bra i sin röda klänning i scenen där allt förändras för Tommy.

Vi ser också starka insatser från Giovanni Spano (Tommys vidriga mobbare till kusin), Carly Burns (vars tolkning av den ikoniska Acid Queen utmärker sig genom sin återhållsamhet), Danny Becker (en extraordinär röst med enorm kraft), Carrie Sutton (vars olycksaliga Sally är en nyckelroll) och Scott Sutcliffe som i en mängd roller ger ett starkt stöd och bjuder på briljanta detaljer – hans reaktion på Uncle Ernies vedervärdiga tomte med de långa fingrarna är till exempel helt utsökt.

Hela ensemblen, inklusive Alice Mogg, gör ett fantastiskt jobb med Smiths koreografi. Det finns en skadeskjuten, sexuell energi i allt som sker, vilket speglar hela berättelsen – inte bara Tommys resa, utan även föräldrarnas och farbror Ernies. Känslan av 50- och 60-tal är total.

Som grupp bemästrar skådespelarna koreografins utmaningar. Gruppnumren är täta, precisa, välrepeterade och helt synkroniserade. Det individuella arbetet är exemplariskt; när karaktärer ska vara i bakgrunden är de det, men när de får stå i rampljuset tar de chansen fullt ut. Flipperspelandet gestaltas briljant, och den slitna, utmattade dis som infinner sig i slutet av berättelsen är lika talande som den spända energi som inleder föreställningen.

David Howes ljusdesign är en integrerad del av föreställningen. Skiftande ljussättningar speglar stämningar och upplevelser, vilket förstärker den laddning som skapas av ensemblen och koreografin. Hans måne är magisk. Det skickliga fyramannabandet under Kevin Oliver Jones ledning ger ett perfekt avvägt akustiskt stöd – eldigt, elektrifierande och medryckande. Musikaliskt är det en ren fröjd. "Pinball Wizard", "I'm Free" och "We're Gonna Take It" är överväldigande.

Detta är en exceptionell nytolkning av ett verk som sällan spelas på scen. Sångmässigt, dramatiskt och konstnärligt är det en fullständig triumf. Birchall är en stigande stjärna, Barr en etablerad sådan. Smith är ett geni och Strassens vision här är extraordinär. Oavsett om man kallar denna Tommy för en rockopera, musikal eller rock-bopera, så är den helt magnifik.

Tommy spelas på Greenwich Theatre till och med 23 augusti 2015