RECENSION: A View From The Bridge, Young Vic Theatre ✭✭✭✭✭

A View From The Bridge Young Vic Theatre

25 april 2014

5 stjärnor EXTRA - Denna uppsättning flyttar till Wyndhams Theatre i början av 2015 Det råder ingen tvekan om att man om femtio år kommer att blicka tillbaka på Ivo van Hoves avskalade, omskakande och helt enastående uppsättning av Arthur Millers A View From The Bridge, som just nu spelas på Young Vic, med samma vördnad och respekt som vi idag hyser för Oliviers Othello eller Peter Brooks banbrytande En midsommarnattsdröm.

Detta är ett mästerverk i ordets alla bemärkelser – en uppenbarelse som bjuder på en nästan outhärdlig spänning.

Millers pjäs kan ibland kännas långdragen, då det är en gammaldags symfoni av smärta och besatthet. Med en speltid på två timmar helt utan paus är denna version betydligt kortare än vanligt, men den förlorar inget på det. Tvärtom vinner den enormt på de väl valda strykningarna och bearbetningarna. Inledande exposition har skickligt skalats bort för att snabbare nå fram till tragedins kärna. Jag tvivlar på att pjäsen någonsin har analyserats och gestaltats så framgångsrikt som här.

Jan Versweyvelds extraordinära scenografi bidrar på ett högst kännbart och nästan fysiskt sätt till att sätta pjäsens emotionella ton.

Teaterrummet har konfigurerats som en trespelig scen med en enorm kistliknande struktur i mitten. Faurés Requiem signalerar att det hela börjar, och när de begravningsliknande tonerna klingar ut, höjs sidorna och locket på konstruktionen för att avslöja en lång spelyta som påminner om en udda boxningsring. Två män duschar och tvättar av sig efter en lång, hård arbetsdag. Känslan av trött men kraftfull maskulinitet är påtaglig, likaså temat om rening.

Denna inledningsbild är otroligt stämningsfull och visar helt utan ord precis vilken sorts man huvudpersonen Eddie är. Berättaren och advokaten Alfieri påbörjar sin reflekterande monolog medan duschandet och ombytet pågår. När talet är slut och männen är klädda står Eddies hårda och brutala personlighet helt klar för oss.

Publiken kastas direkt in i den infekterade miljö som utgör Eddies innersta krets. Hans kärlekslösa äktenskap med den förvirrade Beatrice. Hans besatthet av den unga systerdottern Catherine. Hans erbjudande om hjälp till de papperslösa bröderna Marco och Rodolpho, som båda flytt Italien i hopp om arbete och en möjlighet att spara pengar.

Det finns ett nyckelögonblick tidigt i pjäsen när Catherine springer in i hemmet och kastar sig i Eddies famn så att han lyfter upp henne – en rörelse så inövad och naturlig att den uppenbarligen upprepas dagligen. Det hade varit en rörande gest om Catherine var tio år, men nu är det direkt obehagligt eftersom hon är på väg att bli kvinna. Den plågade blicken i Beatrices ögon kontrasterar mot den välbekanta närheten mellan hennes man och systerdotter. Detta enda ögonblick säger mer om deras relation än vad sidvis av dialog någonsin skulle kunna göra.

Van Hove fortsätter kvällen igenom att rensa i manuset och skapa ikoniska bilder som etsar sig fast hos publiken, för att sedan effektivt använda dialogen för att ge kött och blod åt detaljerna.

Här finns ingen rekvisita, ingen dekor. Bara den nakna scenen, skådespelarna, pjäsens inneboende kraft och – i en kort scen – en enda stol. Ensemblen är barfota genomgående, ett beslut som tyst men omedelbart bekräftar deras sårbarhet samtidigt som det för tankarna till ett hem eller en kyrka. Det gör också att sekvensen där Catherine bär högklackat sticker ut med enorm tydlighet.

Ingenting händer av en slump. Varje beslut har en mening, en klangbotten och ett syfte.

När Rodolpho faller för Catherine ser vi henne förvandlas från tonåring till kvinna mitt framför våra ögon. När Beatrice till slut sätter ord på orsaken till sprickorna i äktenskapet sker det med en giftig rakhet som träffar mitt i hjärtat. När Marco, på ett nästan omänskligt sätt, lyfter en stol i det bakre benet och håller den uppe under vad som känns som en evighet, är uppvisningen av aggressiv makt total. När Eddie låser fast Rodolphos armar och brutalt kysser honom är det skrämmande och vidrigt – ett ögonblick av elektrisk, rå kraft.

Mest imponerande är en sekvens sent i pjäsen där stämningen i hemmet är extremt spänd. En kort scen om vardagliga ting utspelar sig som en täckmantel för de sjudande spänningar som nästan kokar över. Varje replik framförs tveksamt och följs av långa tystnader – effekten blir chockerande obehaglig. Det känns som att sitta fastbunden vid en dynamitgubbe medan stubinen brinner allt snabbare. Det är extraordinär teater.

Det är verkligen genomgripande fantastiskt. Den slutgiltiga, bloddränkta scenen är både poetisk och fasansfull, och visar på en helt annan sorts rening än den vi såg i början. Ingen koreograferad slagsmålsscen kan mäta sig med den provokativa och grymma detaljrikedom som de sista bilderna här uppvisar.

När "kistlocket" stängs låses smärtan in. Publiken är skakad och tyst – badande i efterdyningarna av en ödesdiger besatthet som, likt en symfoni av Mahler, har spelats upp med gudomlig klarhet.

Rollsättningen är fullständigt felfri.

Mark Strong är enastående som Eddie, fylld av undertryckt åtrå, bortträngd ilska och ett livskraftigt men vansinnigt manligt ego. Det är en mångbottnad och djupt oroande rollprestation full av briljanta detaljer. Man kan lika gärna ge honom en Olivier Award redan nu, för det är osannolikt att Londons teaterscener får se en så fysisk, röstmässigt fulländad och rå prestation igen på länge. Helt makalöst.

Nicola Walker är briljant som den åsidosatta Beatrice. Hon är tuffare och mer direkt än vad karaktären brukar porträtteras, men det fungerar helt till pjäsens fördel. Avståndet mellan hennes hoppfulla leende och hennes grimas av rädsla och förtvivlan är skrämmande kort men fascinerande att se. Walker är mästerlig på att spegla denna smärta med hela sin kropp. Sensationellt.

Luke Norris är lysande som den vackra Rodolpho, som omedvetet utmanar Eddies syn på manlighet och olyckligt nog faller för föremålet för Eddies begär. Norris spelar en utpräglat heterosexuell Rodolpho, men visar samtidigt upp en mjukare sida hos denna romantiska italienare. Han är i strålande form och tillför en ungdomlig energi till varje del av rollen. Fängslande.

Jag har aldrig sett en mer komplex, grubblande och genuint faderlig Marco än den som den begåvade Emun Elliot bjuder på här. Han är dundrande bra – den perfekta brodern till Rodolpho, den kärleksfulla fadern till sin familj långt borta, och en man som kan slå Eddie om han måste. Hans fysiska uttryck för hatisk chock över Eddies agerande blir den tändhatt som får tragedin att explodera. Farligt bra.

Phoebe Fox är perfekt som Catherine. Man tror verkligen på att hon inte hade en aning om vad Eddie egentligen kände förrän han (och Beatrice) gör det plågsamt tydligt. Hennes kärlek till Rodolpho är genuin och vacker, hennes lojalitet mot Beatrice orubbad, och hennes oförmåga att förstå Eddies besatthet gestaltas med enorm fingertoppskänsla. Hennes pauser är talande, likaså scenerna där hon bara sitter vid sidan av men ändå är ständigt närvarande i de andras liv. Enastående.

Michael Gould är helt underbar som den ansatta advokaten Alfieri, en sorts Pontius Pilatus-figur som motvilligt dras in i händelserna. Med en lågmäld men knivskarp tydlighet agerar han pjäsens samvete. Hans medverkan stoppar aldrig upp tempot, utan snarare förgyller och vägleder han handlingen. Strålande på alla sätt.

Detta är ett absolut måste för alla som älskar teater. Det är utsålt på Young Vic men kommer förhoppningsvis att sättas upp igen på en annan scen. Det släpps ”day seats” varje dag – gör vad som krävs för att få tag på en biljett och se detta exceptionella stycke teaterkonst.