RECENSION: Annie, Piccadilly Theatre ✭✭✭

Miranda Hart och tjejerna från Annie. Foto: Paul Coltas Annie

Piccadilly Theatre,

4 juni 2017

3 stjärnor

BOKA BILJETTER

Miranda Hart är det stora dragplåstret i denna studsiga och färgstarka nypremiär av familjeklassikern om den söta lilla flickan med den ständigt återkommande dunderhitten.  Även om hon kanske inte kan agera, sjunga eller dansa på något erkänt musikalmanér, så charmar hon publiken varje gång hon sätter sin fot på scenen. Hon kommer förmodligen att göra tillräckligt för att ge den här uppsättningen de biljettintäkter man hoppas på, fram till dess att ett bättre erbjudande dyker upp.

Nikolai Foster är konstnärlig ledare för Curve Leicester och regissör för denna produktion; det är hans uttalade mission att göra sin hemmascen till ett centrum för fantastisk musikalteater.  Exakt hur denna nypremiär passar in i den storslagna planen lämnar jag åt honom att förklara, men det finns ett antal teatrar runt om i landet som skulle ha kunnat presentera denna uppsättning.  Colin Richmonds scenografi och kostym är en fest av glada färger, mycket 50-talssmak, trots att föreställningen är stadigt förankrad i den amerikanska depressionen. Man får själv avgöra hur alla dessa pusselbitar (a) passar ihop och (b) hör hemma i Roosevelts och New Deals USA.  Ben Cracknell ljussätter allt med fördel när det rör sig in och ut på scenen, och jag är övertygad om att det sker helt enligt regissörens önskemål.  Nick Winston koreograferar musiknumren med energisk envishet; den blygsamma kören av små föräldralösa tjejer ger verkligen allt de har för att göra sina nummer till föreställningens höjdpunkt. De vuxna kan dock ibland framstå som något mer stela och återhållsamma, trots sin charm.  Det kan vara avsiktligt, men detta är trots allt inte Clifford Odets.

Djalenga Scott (Lily), Jonny Fines (Rooster) och Miranda Hart (Miss Hannigan) i Annie Foto: Paul Coltas

Foster tar sig igenom manuset på ett troget och disciplinerat sätt – han verkar njuta av att betona flickornas mod, deras outtröttliga optimism och enkelhet, men det finns inget särskilt fantasifullt eller minnesvärt i vad han gör med varken dem eller någon annan.  Med tanke på att föreställningen är ekonomiskt beroende av Harts huvudroll känns detta som synd: man kan tycka att hon, som nykomling i musikalvärlden, borde ha fått hjälp av en regi som var bättre anpassad för att visa vad hon faktiskt kan – att skapa ett fantastiskt band med publiken – istället för att dra uppmärksamhet till de områden där hon är mindre bevandrad.

Efter Miranda är dessutom de fantastiska låtarna av Charles Strouse (musik) och Martin Charnin (text) föreställningens stora styrka.  Det låter kanske inte som ett sammanhållet, modernt "score", men det låter precis som de där tidstypiska verken av stora melodisnickare och eleganta ordkonstnärer.  George Dyers orkestreringar och musikaliska arrangemang påminner oss dock ständigt om verkets relativt unga ålder: det slog igenom i mitten av 70-talet, och mycket här har den mässingsklingande, kaxiga och självsäkra stil som utmärkte den lite plastiga showbiz-eran under disco-tiden. (När jag tänker efter är kanske de där pusselbitarna i scenografin rester från något TV-special från den tiden?)

f.v. Ruby Stokes (Annie) och Alex Bourne (Daddy Warbucks) i Annie Foto: Paul Coltas

Thomas Meehans manus har inte åldrats lika väl: övergångarna mellan dialog och musik fungerar ibland effektivt, men emellanåt känns de krystade och klumpiga; desto större anledning för en regissör att gå in och slipa ner de vassa kanterna.  Och handlingen tillåter fortfarande att 'Tomorrow' överdrivs. Helt och hållet.  Den sista reprisen som till slut sätter punkt för det hela känns verkligen som den sista spiken i kistan.  Hur som helst kan inget – nej, inte ens de största upptågen eller hela ensamblens påklistrade leenden – hindra Alex Bourne från att stjäla showen med sitt briljanta framförande av Daddy Warbucks solo i andra akten: 'Something Was Missing'.  Det finns en viss poetisk rättvisa i det: som tack för att han stabilt kämpar sig igenom allt, är det han som får hitta ett övertygande känslomässigt djup i det enda genuint innerliga numret i hela föreställningen.

Flickorna, totalt 21 stycken, har uppenbarligen valts ut för sin förmåga att skråla tydligt artikulerade repliker ända bak till sista raden på övre balkong (tack vare Richard Brookers eftertryckliga ljuddesign). De gör det med en enhetlig amerikansk brytning som låter trovärdig i brittiska öron men säkert roar mer autentiska amerikaner.  Jag är säker på att de alla har gått på de allra finaste scenskolorna, där de drillats till effektiva automater som levererar exakt samma resultat varje gång.  Det är den typen av barn som de flesta betalande föräldrar beundrar så länge föreställningen pågår, medan de i smyg tackar högre makter för att deras egna barn aldrig drabbas av ett sådant öde.  Det betyder inte att de aldrig kommer att få egna personligheter i framtiden, men just nu får de bara vara lydiga marionetter.  Och kom ihåg, det här är inte 'Matilda'; även om tjejerna tillåts en viss barnslig kaxighet, får de sällan stå upp för sig själva.  Jämförelsen är nyttig: i Dahls berättelse använder hjältinnan sin intelligens för att förändra sitt hem; i den här sagan tvingas hjältinnan fly sin bakgrund och använda sin omogna kvinnliga charm för att söka skydd i en vuxenstyrd värld av rikedom och privilegier.

Resten av ensemblen fyller ut luckorna.  Deras starkaste ögonblick är utan tvekan den glada öppningen av andra akten: här är Foster som bäst och gör en riktigt bra insats med den dystra men trovärdiga pastischen 'You’re Never Fully Dressed Without A Smile'. Det är en nästan Nathanael West-liknande hyllning till det kommersiella utnyttjandet av barn (musikalens egentliga budskap?).  Här, under överinseende av den sliskige Bert Healy (en snyggt energisk insats av Bobby Delaney), uppmanas vi, som bara en riktigt "uppriktig" Broadwaymusikal kan, att hänge oss åt att dyrka ett tandkrömsmärke.  Här får vi en glimt av vad showen hade kunnat vara.  Annars dyker Franklin D upp – för varför inte? – som leder sitt kabinett utan att komma någonvart med att styra sin stora nation. Han kan inte formulera någon vettig politik förrän vår Annie kastas framför dem och bjuder på ännu en portion av 'Tomorrow' (som Macbeth skulle säga: ... "and tomorrow, and tomorrow"). Sen – simsalabim! – myntar Roosevelt (i form av den gemytlige Russell Wilcox, som susar runt på scenen i sin rullstol likt Bette Midler i 'Art Or Bust') det uttryck som kom att definiera hans era.  Jag antar att Little Orphan Annie fick komma tillbaka och sjunga den där låten för honom några gånger till så att han kunde arbeta ut detaljerna.  Men ni fattar poängen!

I en sådan miljö, och mot sådana odds, lämnar jag åt den tänkvärde läsaren att gissa hur pass effektivt någon i ensemblen egentligen kan hoppas på att etablera en trovärdig karaktärsteckning.  Skurkarna Lily (Djalenga Scott) och Rooster (Jonny Fines) gör vad de kan med det papperstunna manus Meehan gett dem, och den goda Grace Farrell (Holly Dale Spencer) gör sitt söta jobb att framstå som både sexig och moderlig på samma gång.  Och så vidare.

Allt detta gnäll åsido, så är det föga troligt att föreställningen misslyckas med att glädja en ung och anspråkslös publik.  Mirandas fans kommer också att få se henne göra sin imitation av en musikalstjärna, men de kommer kanske inte att räkna detta till hennes främsta framgångar.  Som artist kan hon, när hon är som bäst, hitta en stor sanning i sin komik.  Den här showen spelar nog inte riktigt i den ligan.  Det är färgglatt, det är glatt, det är kul.  Men Hart behöver kanske bara lite mer erfarenhet på scenen innan hon kan blomma ut helt även där.

Åh, nämnde jag hunden?  Det finns en hund.  Och julstämning.  Och jag tror jag skymtade en och annan nunna.

BOKA BILJETTER TILL ANNIE PÅ PICCADILLY THEATRE