RECENSION: Medea, National Theatre ✭✭✭✭

Medea Olivier Theatre 7 augusti 2014 4 stjärnor

År 1697 skrev William Congreve sin enda tragedi, The Mourning Bride, och formulerade ord som skulle komma att bli odödliga:

"Himlen äger inget raseri likt kärlek vänd till hat, ej heller helvetet ett furie-raseri likt en försmådd kvinna."

Man kan inte vara säker, men det framstår som ytterst troligt att Congreve hade Medea, den kanske främsta kvinnogestalten i den grekiska litteraturhistorien, i åtanke när han skrev dessa rader för sin karaktär Zara. För på ett koncist och häpnadsväckande sätt kapslar dessa rader in Euripides brännande drama: en kraftfull, gripande och ofattbart modern skildring av det psykologiska raseri som leder till en allt uppslukande sorgevrede och slutar i spektakulärt mord.

Berättelsen om Medea är välkänd: hon som förälskar sig i Jason (han med argonauterna), överger sin familj och mördar sin lillebror för hans skull, flyr med Jason till Korinth där hon föder honom två söner, för att sedan slås i spillror när han lämnar henne för att gifta sig med kungens dotter. Allt detta har redan hänt när ridån går upp.

Pjäsen kretsar kring hur Medea reagerar på Jasons svek: hon inser att den bästa hämnden är att utplåna Jasons blodslinje snarare än att mörda honom personligen. Att beröva honom hans ätts ära, något grekerna värderade högre än allt annat. Så hon förgiftar Jasons blivande brud och hennes far kungen, och innan hämnden hinner drabba henne eller barnen, slaktar hon sina egna söner och tvingar Jason att se resultatet av hennes gärningar i vitögat.

Ofta är barnamorden det enda folk minns av Medea, och hon betraktas ibland som en av tidernas värsta skurkar – hon får nästan Lady Macbeth att framstå som Maria von Trapp. Till och med Sondheim anspelar på denna populärkulturella bild när rollfiguren Pseudolus i öppningsnumret till A Funny Thing Happened On The Way To The Forum sjunger att skådespelerskan som spelar Domina "spelar Medea senare i veckan".

Men det finns mer hos Medea än bara ett svart hjärta och en galen blick.

Som Edith Hall skriver i programbladet till Carrie Cracknells uppsättning av Ben Powers nya bearbetning av Euripides mästerverk, som nu ges på Olivier Theatre vid National Theatre:

"Det är inte bara en pjäs om ett havererat äktenskap och föräldraskap, utan en intensiv psykologisk undersökning av hur vem som helst, oavsett kön, kan bli så upptänd av förolämpning, förlust och hämndlystnad att de slaktar de människor de älskar högst."

Helen McCrory är i sensationell form som Medea. Fylld av raseri, intelligent analytisk skärpa och drypande av en förtvivlad, själsdödande vrede tänder hon eld på Oliviers scen i en prestation av världsklass. Hon är strålande i varje nyans: de djupt rotade skriken av sorg som skär genom luften i början av pjäsen; blicken i hennes ansikte när hon gräver i jorden efter giftet och åkallar häxan Hekate; hennes falska bönfallande inför Kreon; hennes ordlekar med Aigeus; den inre konflikten kring sönernas öde och slutligen den iskalla marschen för att stycka sina söner med den kniv vi sett henne slipa till rakbladsvass precision.

Den avslutande, märkvärdiga bilden där hon släpar på de bloddränkta sovsäckarna innehållande resterna av sina söner är gastkramande – den fångar exakt hur hon knäckts av mannen hon avgudade och den hämnd hon utkrävt.

McCrory lyckas med det nästan omöjliga konststycket att få oss att förstå, bry oss om och känna empati för Medeas situation. Man känner hennes smärta, rädsla och avsky lika tydligt som man känner sitt eget hjärta slå snabbare ju mer de horribla händelserna nystas upp.

När man ser McCrory är det svårt att inte föreställa sig Laurence Olivier blicka ner välvilligt från ovan, lycklig över att den nationalteater han en gång väckte till liv når de skådespelarmässiga höjder som han själv och hans ensemble satte som ribba för 50 år sedan. Numera nås dessa höjder inte ofta – men här bestiger McCrory dem på ett oförglömligt sätt.

Hon får dock inte mycket draghjälp. Danny Sapani är en blek och tröttsam Jason; istället för den gudomliga krigaren som utstrålar karisma och närvaro får vi en sävlig tristess, en slags sömngångaraktig falsk värdighet och en surmulen vantro. Han är extraordinärt ordinär. McCrory är en vulkan av intensiv, djup energi och bredvid henne framstår Sapani som föga mer än ett fladdrande ljus.

Det är obegripligt, särskilt som Dominic Rowan finns med i ensemblen som Aigeus, en roll han gör med elegans och lätthet. Aigeus är en viktig roll – hans scen med Medea är avgörande då det är genom honom hon ser den hämndlystna vägen som kommer att knäcka Jason mest. Rowan hade varit betydligt bättre som Jason – gnistan mellan honom och McCrory, som var uppenbar i de stunder de delade scen, hade varit elektrisk om han varit Jason. En kapitalt missad möjlighet.

Faktum är att ingen i den övriga ensemblen, bortsett från Rowan, är särskilt bra och de flesta balanserar på gränsen till usla; bristfällig diktion, oklar textförståelse och liten känsla för ögonblickets direkthet.

Kören däremot, Korinths kvinnor, är imponerande. Cracknell använder dem för att göra en politisk poäng såväl som att representera Medeas inre tankevärld. De symboliserar de arketypiska kvinnliga gestalterna i ett patriarkalt samhälle – tjänerinnan, tärnan, frun, modern. De sjunger och rör sig synkroniserat i harmoni, och den sammanlagda effekten är oroande och överraskande effektiv.

Uppsättningen gynnas enormt av musiken av Will Gregory och Alison Goldfrapp – den är kuslig, suggestiv och fantastiskt välavvägd. En verklig tillgång.

Tom Scutts scenografi är, ärligt talat, märklig. Den ser snygg ut – man har inte sparat på krutet. Men det ser ut som ett nedgånget Holiday Inn som skriker efter renovering – och så en vild skogssektion som utgör en skrämmande fond av ursinnig moder natur. Det finns en kombinerad känsla av förfall och rå naturkraft som fungerar väl med pjäsens teman – men det ser fortfarande udda ut.

Cracknell ser till att tempot hålls uppe och pjäsen blir aldrig seg eller långsam. Det brinner med en lång stubin och exploderar när det ska. Powers bearbetning är inte särskilt poetisk eller extraordinär, men den fungerar tillräckligt bra.

Och den låter framför allt McCrory glänsa.

Rufus Norris, National Theatres tillträdande konstnärliga ledare, har pratat mycket om att teaterns framtid ligger i "ny dramatik". Givetvis ska National Theatre uppmuntra nyskrivet material, men inte på bekostnad av suggestiva uppsättningar av klassikerna – de stora gamla texterna där stora skådespelare får chansen att glänsa.

National Theatre behöver handla om stora prestationer i stora pjäser, nya som gamla. Nicholas Hytner har, likt sina företrädare, förstått detta även om han inte alltid efterlevt det i praktiken. Norris skulle begå ett grovt misstag om han skapade ett arbetsklimat där en prestation som McCrorys i Medea inte fick se dagens ljus.