RECENSION: Seven Brides For Seven Brothers, Regent's Park Open Air Theatre ✭✭✭

Seven Brides For Seven Brothers

Regent's Park Open Air Theatre

3 augusti 2015

3 stjärnor

BOKA NU

Grejen med en scenadaption av en film är att för att den sceniska formen ska respekteras, måste den teatermässiga översättningen av filmen fungera på sina egna villkor. Den kan inte bara förlita sig på sin berömda föregångare från bioduken; den måste absolut stå på egna ben. Detta kan vara svårt.

Det kan bli särskilt problematiskt om den film som scenversionen baseras på inte i första hand förlitade sig på handling och karaktär för sitt berättigande. Där filmer förlitar sig på spektakulära scener, låter de sig sällan översättas väl till scenen. Detta är en anledning till varför det aldrig har gjorts någon scenversion av SOS Poseidon.

Seven Brides For Seven Brothers (Sju brudar, sju bröder) var en enorm succé för MGM 1954. Visst, Howard Keel och Jane Powell spelade huvudrollerna, men det största dragplåstret var inte stjärnorna: det var de hisnande danssekvenserna, av vilka den mest kända var den testosteronstinna danstvekampen/slagsmålet i samband med ett ladubygge mellan bröderna Pontipee och stadens män.

När en scenversion av Seven Brides For Seven Brothers inte kan erbjuda just det dragplåstret, måste den hitta en ny teaterduk att måla på. Det kan innebära nya sånger, nya intriger, nya karaktärer, ny dialog eller andra tyngdpunkter. Detta var delvis den väg man tog när musikalen bearbetades för Broadway 1978, men det blev inte helt lyckat. Att sätta upp den versionen 2015 kräver betydligt mer än vad som krävdes 1978.

Detta har insett av både Timothy Sheader, som schemalagt denna nyuppsättning, och Rachel Kavanaugh, som regisserat den som en del av 2015 års säsong på Regent's Park Open Air Theatre. I programbladet säger de:

"RK:   Vi sätter dock definitivt inte bara upp originalet på scenen. Till att börja med kan vi inte det. Seven Brides var en film innan den blev en scenmusikal, och teater är ett helt annat medium med helt andra regler. Även om vi hade kunnat, är jag inte säker på att vi hade velat. Man vill att något ska kännas nytt och bekant på samma gång.

TS:     Det handlar om att hitta sanningen i dessa musikaler, vilket inte är detsamma som att göra dem realistiska eller naturalistiska. I samma ögonblick som man börjar replikera eller återskapa något, blir de döda som teater."

Peter McKintoshs begåvade scenografi fokuserar på trä och skog och erbjuder en lockande vy för händelserna. Man känner att man befinner sig i den otämjda amerikanska vildmarken; man kan nästan känna doften av hö och höra ljudet av yxor som svingas, träd som fälls och mark som stängslas in. Detta är en utmärkt scenisk tolkning av de platser som filmen visade som målade bakgrunder. Riktiga träd och grönska i överflöd, i den naturliga fond som utgörs av Regent's Park, fungerar fantastiskt bra.

Alistair Davids koreografi är fylld av liv, maskulin och balettlik, och framförs med minutiös noggrannhet av den begåvade ensemblen. Det mest imponerande är att medan bröderna Pontipee dansar som en enhet, har varje broder möjlighet och förmåga att sätta sin egen personliga prägel på numren; rörelser och steg kan vara precis synkroniserade, men attack och attityd återspeglar den enskildes karaktärsdrag och egenheter. Caleb må dansa samma steg som Daniel eller Gideon, men de tre tar sig an stegen på helt olika sätt.

Även om det finns mycket att beundra i Davids koreografi, når den inte riktigt upp till de sprudlande och pråliga höjderna i Michael Kidds originalarbete från filmen. Det bjuds inte på tillräckligt med imponerande akrobatik eller gymnastiska trick. Tyvärr förbereds och annonseras ladubyggessekvensen, men den lyfter aldrig på riktigt. Ladan byggs inte upp, och sekvensen ersätts inte av något annat klimatiskt shownummer. Detta är en verklig brist i försöket att återskapa det som fick filmen att fungera.

Det borde inte ha legat bortom varken Davids skicklighet eller den manliga ensemblens uppenbara förmågor att ha ett centralt paradnummer som effektivt ersatte filmens berömda ladubygge. När allt kommer omkring var det Kidds koreografi snarare än musiken, manuset eller ens stjärnorna som gjorde verket till en favorit. Utelämnandet är både förvånande och märkligt. Resultatet blir att större press läggs på manus och musik, trots att ingendera riktigt kan bära den bördan.

Historien är enkel. Sju bröder bor och arbetar i skogen, helt utan kvinnlig vägledning efter mammans död. Den äldste, Adam, beger sig till staden och vinner hjärtat hos den starka och viljestarka Milly. Han berättar inte för henne om sina bröder, och när hon möter den otvättade, ovårdade och outbildade flocken blir hon förskräckt. Föga förvånande. Men hon är en kvinna som står vid sitt ord och tar sig an uppgiften att fostra bröderna – dock inte Adam – så att de kan bli accepterade i staden.

Efter att ha blivit någorlunda rumsrena leds familjen av Milly till en fest i staden, och varje bror faller för en flicka. Genom dans utmanar bröderna stadens män i hopp om att vinna damernas gunst. Men det slutar i slagsmål och bröderna återvänder hem, frustrerade och irriterade. Adam beslutar då att pojkarna ska återvända till staden och, med inspiration från sabinskornas bortrövande, stjäla med sig sina kvinnor. Vilket de gör. Trots denna kidnappning slutar allt lyckligt till slut.

Musiken är mild och trevlig, men innehåller egentligen inga riktiga kioskvältare eller tillfällen för stående ovationer. Sångerna är behagliga och lätta att nynna på, men inte direkt smittsamma, och de väver den magi de kan under Gareth Valentines följsamma taktpinne. Valentines dansarrangemang är lysande och ger ett vibrerande stöd till koreografin.

Karaktärerna är alla stöpta i samma form utan större djup eller komplexitet. I filmen var det stjärnornas personliga lyskraft som övervann den endimensionella strukturen. Här tillför den alltid pålitliga Laura Pitt-Pulford styrka, värme och eftertanke till rollen som Milly – ärligt talat överträffar hon Jane Powell med råge. Hennes Milly är helt trovärdig, en realistisk motsägelse av tankar och handlingar, och en kvinna som inte är rädd för att drivas (och bindas) av sin lust – till Adam och till livet.

Vokalt sett är Pitt-Pulford en dröm. Hennes rena, gyllene röst behärskar musiken och hennes framförande är sensuellt, underfundigt och helhjärtat allt efter vad låten kräver. Hennes insatser i "One Day", "Goin' Courtin'" och "Love Never Goes Away" är enastående; hon får ut mer av sångerna än man rimligen kan förvänta sig. Trots vissa problem med accenten (Milly låter märkligt nog irländsk emellanåt) är detta en självsäker och briljant huvudrollsprestation.

Pitt-Pulfords framgång sätter dock ribban högt, en nivå som Alex Gaumonds Adam tyvärr inte når upp till. Fysiskt passar han perfekt som Adam, men han lyckas inte dölja sin moderna, metrosexuella framtoning tillräckligt för att den bråkiga, patriarkala och omöjligt karismatiska urtidsmannen ska träda fram. Han verkar förvånansvärt ovillig att spela på sin sexiga charm, med resultatet att det aldrig blir helt tydligt vad Milly faktiskt ser i honom.

Numera är den sorts fylliga, dånande barytonröst som kompositören hade i åtanke för låtar som ”Bless Your Beautiful Hide” eller ”Sobbin’ Women” inte på modet och hörs sällan på en scen. Gaumond har en superb modern röst – klangfull, ljus och tonsäker; den sortens röst som blivit de rigeur genom roller som Marius, Raoul, Enjolras, Chris eller Link. Så även om han sjunger varje ton väl, saknas en tyngd och färg i hans klang som skulle ha fått musiken att resonera som det var tänkt. Han behöver både mer glimt i ögat och mer whiskey i rösten för att verkligen ge Adam liv.

Överlag är bröderna Pontipee välspelade, även om en del av kliandet och bitandet i deras ”ovårdade” fas före Milly kändes lite överdrivet och klichéartat. Sam O’Rourke glänser som den yngste brodern Gideon och blandar osäkerhet med optimism på ett perfekt sätt. Leon Cookes Daniel är härligt kaxig och Adam Rhys-Charles har mycket roligt i rollen som Frank, som helst inte vill kännas vid sitt riktiga namn. De sjunger alla bra och övertygar som ivriga beundrare av kvinnorna de uppvaktar. Numret ”Lonesome Polecat” är en fröjd, liksom ”We Gotta Make It Through The Winter”. De sex skådespelarna gör allt lättsamt och underhållande, med utmärkt dans som distraherar från den tveksamma raggniingspolitiken. Tillsammans med Gaumond känns de sju verkligen som bröder.

Bethany Huckle (Alice) och Charlene Ford (Dorcas) gör det bästa av sina smått fåniga roller och är genuint engagerande. Vi ser också fint spel från Eammon Cox, Jacob Fisher och Peter Nash som rivaliserande friare. Hela ensemblen arbetar hårt och samstämmigt, och känslan för tid och plats skildras väl.

Detta är lättsam sommarunderhållning, behaglig och charmig. Kavanaugh ser till att tempot är högt och intresset ständigt hålls uppe, och McKintoshs kostymer är färgglada och pittoreska. Med ett mer genomtänkt centralt nummer fyllt av spektakulär koreografi och akrobatik hade detta kunnat bli något riktigt fantastiskt.

Foton: Helen Maybanks

Seven Brides For Seven Brothers spelas till och med den 29 augusti 2015