ANMELDELSE: Les Misérables, Queen's Theatre ✭✭✭✭

Les Misérables - One Day More. Foto: Johan Perrson Les Misérables

Queens Theatre

16. december 2014

4 stjerner

BESTIL BILLETTER NU | MERE INFO

Manden to pladser væk ser ud til at være i medicinske vanskeligheder. Han vakler på benene og sætter kurs mod gangen, men efter et par personer nede i rækken, segner han om. Der er øjeblikkelig hjælp ved hånden; folk rejser sig og assisterer, og kontrollørerne ankommer hurtigt. Manden og hans kvindelige ledsager forsvinder ud i foyeren. De mennesker, han faldt ned over – gæster fra de germanske himmelstrøg – er stærkt ophidsede; de står op, sidder på hug, tænder lommelygter og telefoner og leder efter noget, der er så vigtigt, at det skal findes lige her og nu – måske er det et Rolex-ur eller en gylden billet?

Mens alt dette postyr står på, synger Lille Cosette ganske smukt Castle On A Cloud, hvorefter handlingen fortsætter over i Master of the House og scenen, hvor Valjean konfronterer de rædselsvækkende Thénardiers for at redde Lille Cosette. Ja, det var et langt, irriterende og støjende postyr. Men det kunne ikke slå skår i den teatermagi, der udspillede sig på scenen i Queen’s Theatre, hvor Alain Boubil og Claude-Michel Schönbergs blockbuster fra 1985, Les Misérables, nu er på sit 29. år og, som den fremføres i øjeblikket, er fuld af kraft, talent og musikalitet. Da jeg så forestillingen sidst for omkring to år siden, var produktionen i elendig forfatning – fejlcastet mange steder og med en sørgelig mangel på detaljer, tekstur, vokalt overskud og karaktertegning.

Det er en helt anden sag nu.

I den oprindelige produktion, ledet af Sir Trevor Nunn og John Caird, med John Napiers ikoniske scenografi, David Herseys pletfrie lysdesign, Andreane Neofitous kostumer og Kate Flatts musikalske iscenesættelse, var Les Misérables dybt afhængig af et stærkt ensemble og evnen hos både erfarne og yngre performere til at skabe et evigt skiftende tagselvbord af situationer og karakterer. Arbejdet med det stærke, veltrænede RSC-ensemble gjorde det lettere, men det var en helt central del af succesen for den originale opsætning i London, derefter Broadway og siden Sydney,

Australien. Les Misérables er ikke en forestilling, der bare kører af sig selv; det er hårdt arbejde, som kræver alsidighed og teknisk snilde fra hvert eneste medlem af holdet, en dedikation til at få hvert sekund til at fungere og en perfekt balance mellem orkester og sangere. Hvad Les Misérables ikke kan overleve – hvilket den nuværende Broadway-produktion (ikke denne, men den nye "revamped" version) tydeligt viser – er en X Factor-agtig tilgang til partituret. Da forestillingen først blev sat op, var hverken I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home eller Empty Chairs And Empty Tables evergreens; ingen af dem var blevet sunget igen og igen af alle fra Barbra Streisand til Susan Boyle. Sandheden er, at ingen af dem, i konteksten af Les Misérables som teaterstykke, er andet end et øjebliks indsigt i en specifik karakter. Ja, hvis de fremføres godt, kan de hver især få salen til at koge, men at "stoppe showet" er ikke pointen med nogen af dem.

Derfor er det forfriskende og oprigtigt spændende at opdage, at 2014-holdet stort set går til værks på den oprindelige måde. Dette er et førsteklasses, hårdtarbejdende ensemble i alle aldre og typer, som fejlfrit skaber de forskellige grupper af franskmænd, Valjean møder på sin rejse: fanger, vagter, bønder, fabriksarbejdere, prostituerede, nonner, krogæster, studerende, tiggere, tyve og aristokrater. Der er ingen følelse af gentagelse gennem de mange roller, der spilles – næsten hver eneste skuespiller skaber en helt ny personlighed i hver scene, de optræder i. Det bevirker, at detaljerne, den komplicerede historie og den følelsesmæssige linedans sitrer af oprigtighed, opfindsomhed og klarhed.

Hvis du aldrig har set Les Misérables, er dette et godt år at få det gjort; hvis du har set den før, byder dette hold på friske vinkler og interessante nuancer i scener, du tror, du kender ud og ind, og karakterer, du troede ikke længere kunne overraske dig. Dette er tydeligst i tilfældet med Thénardier-familien og deres kumpaner. Det er afgørende, at de voksne Thénardiers kan være både komiske og monstrøse på samme tid; de må ikke være karikaturer, men skal være fuldblods, overmodne vampyrer, der kan suge livet ud af en marmorplade. Humoren i Master of the House skal være ægte for at give et afbræk i den række af sorg og rædsel, der præger forestillingens første 40 minutter, men også for at skabe en fascinerende modvægt til den grusomhed og følelseskolde forhandling om Cosette, der følger efter.

Tom Edden er uden tvivl den bedste Thénardier, jeg har set, siden Peter Carrolls strålende præstation for flere årtier siden. Han tilfører rollen en frisk munterhed, men er ikke bange for at være nådesløst ondskabsfuld og modbydelig, når det kræves. Hans øjne stråler af den evige plattenslagers evne til at udnytte enhver situation, og hans ranglede krop bøjer og vrider sig til stor komisk effekt, mens han bestjæler sine uvidende gæster. Hans scener i kloakkerne er ekstremt ubehagelige.

Som en vulkan af vokalkraft, komisk timing og kompromisløs fysisk gennemslagskraft leverer Helen Walsh en opsigtsvækkende, provokerende og utroligt underholdende Madame Thénardier (da Wendy Ferguson var fraværende). Numrene med Edden i begge Master of the House-sekvenser var perfekt eksekveret; det så ud som om, det skete for første gang, så fuldstændig synkroniserede var parret. Begge skuespillere spildte ikke et sekund af deres tid på scenen; de fandt alt, hvad der var at finde – og mere til – i deres karakterarbejde. Storslået. Understøttet af dette solide fundament leverede Carolina Gregory (da Carrie Hope Fletcher var fraværende) en fremragende Eponine. Hendes afsky for sin egen families opførsel er helt forståelig, ligesom hendes dragning mod Rob Houchens flotte Marius. Hun er veltalende i sine pauser og ikke bange for at synge dæmpet med stor effekt. Fordi hendes karakter er så veletableret, bliver hendes On My Own meget rørende og helt tro mod rollen. Ingen diva-manérer her, heldigvis. Men hun gemmer det bedste til sidst: hendes sidste øjeblikke i Houchens arme var smukt afmålte og ladet med følelser. Kun det hårdeste hjerte ville kunne undgå at blive berørt af hendes præstation her. Houchen er nemt en af de bedste performere, jeg har set i rollen som Marius – en rolle, der i de forkerte hænder kan blive karakterløs og enfoldig. Ikke her. Houchen overbeviser fuldstændig som idealisten, der pludselig og uventet forelsker sig, og hvis liv ændres for altid af den kærlighed. Han har en naturlig scenenærvær, en fremragende baryton, og han kan rent faktisk agere. Empty Chairs at Empty Tables er fint nuanceret og smukt leveret, og han får slutscenerne med Valjean og Cosette til at fungere, fordi han er helt igennem troværdig. Hans venskab og troskab mod Enjolras er også solidt etableret, som man kan forvente, men noget usædvanligt tager Houchen sig tid til også at gøre relationerne til de andre studerende ægte, især over for Christian Edwards’ Grantaire.

Som Enjolras er Michael Colbourne en passende flot og tapper skikkelse, og man tvivler ikke på hans overbevisning om nødvendigheden af revolution. Vokalt var han dog en smule usikker i flere passager og har brug for at arbejde på sin støtte for at sikre klare, rene linjer i stemmen. Han har masser af karisma og stil, og jeg holdt især af hans forhold til Gavroche og den oprigtighed, hvormed han mødte den virkelighed, som Eponines død varsler.

Ensemblet er fyldt med bemærkelsesværdige talenter, dygtige skuespillere med store stemmer. Særligt gode var Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase og Jade Davies. En smule ude af trit med resten af holdet var Adam Pearces overgearede Bamatabois og Adam Linsteads lidt kedelige biskop af Digne.

De tre børn i castet, Freya Griffiths, Phoebe Lyons og Aaron Gelkoff, var rigtig gode, og Gelkoffs Gavroche var exceptionel i betragtning af hans unge alder (8 år!). Hver især spillede de ligetil, og både lille Cosette og Gavroche sang som gamle professionelle, men uden den kunstighed og mangel på oprigtighed, der ofte kan skæmme den slags øjeblikke.

Den ældre Cosette er en svær rolle. Det virker måske simpelt nok på papiret, men sangen er krævende, og karakteren kræver en fintfølende, dygtig teknik for at undgå at drukne i sentimentalitet og kedsommelighed. Emile Fleming klarer rollen hæderligt, men hendes øvre register er for skarpt og presset, og der er en usikkerhed over hendes sceneoptræden, som virker forstyrrende. Hun burde læne sig mere op ad styrken i Houchens præstation – spille med ham i stedet for mod ham. For nøglen til Cosette er hendes hengivenhed til Marius; hvis det ikke er mærkbart og ægte, fungerer anden akt ikke.

Der er for meget vrede og aggression i Celinde Schoenmakers Fantine, og resultatet er, at det er svært for alvor at bekymre sig om hendes skæbne. Desuden bjerger hun sig gennem I Dreamed A Dream, som var det Rose’s Turn; det er et fejlplaceret "stjernestund"-forsøg. Schoenmaker har brug for at lade karakteren formidle teksten og melodien i stedet for at forsøge at imponere et tænkt panel af X Factor-dommere. Jeg var heller ikke helt overbevist af Peter Lockyers Valjean, der ligeledes var en meget vred herre i visse sekvenser. Valjean er en smukt skrevet rolle og lidt af en udholdenhedstest. Den kræver omhyggelig og gennemtænkt dosering, og grundlæggende bør Valjeans omsorg for andre stå i forgrunden: hans søsters søn, Fantine, Cosette, Marius. Han drives af et behov for at gøre det gode for at betale sin gæld til Gud. Bring Him Home handler ikke om Valjean, det handler om Marius, og det skal synges derefter. Lockyer gik til det som sit store solonummer frem for blot at se det som et vigtigt erkendelsespunkt på karakterens rejse.

Den sidste del af forestillingen viste Lockyear fra hans bedste side, især når han delte scenen med David Thaxtons Javert, hvor han løftede sit spil betydeligt. Stemmemæssigt var han ikke så sikker, som han kunne være; selvom både top og bund var ganske solide, var mellemlaget af stemmen mærkværdigvis ustabilt.

Der var dog ingen bekymringer af den art med Thaxtons dundrende effektive Javert. Hvis man vil have vasket det rædselsfulde minde om Russell Crowes jammerlige indsats i filmen væk, er dette kuren. Thaxton er perfekt i hver eneste detalje i hver eneste scene – den bedste Javert, jeg har set, siden Philip Quast spillede rollen i 1987.

Hans stemme er smuk og konsistent i klang og fylde hele vejen igennem. Hver frase er præcist og perfekt sunget, helt i karakter. Han driver meningen frem gennem kraften i de toner, han rammer udsøgt. Stars er elektrisk, og hans Soliloquy er en ren mesterklasse i dramatisk musikalsk optræden. Han er fuldstændig i karakter hvert eneste øjeblik, og når han træder frem fra skyggerne eller forsvinder ind i dem, føles hans nærvær længe efter. Man glemmer aldrig denne Javert. Det her er en præstation i verdensklasse.

Adam Rowe dirigerer orkestret med sikker hånd, selvom pulsen og de underliggende perkussion-lyde af og til kunne trænge til mere vægt, og han tillader i visse tilfælde ekstremt mærkværdig frasering fra både Valjean og Fantine. Overordnet set bliver musikken dog serveret rigtig flot.

Med Thaxton, Houchen, Gregory, Edden og Walsh i så spektakulær form, og bakket op af et så strålende talentfuldt ensemble, er eventuelle småting hos de andre hovedroller ikke nok til at overskygge oplevelsen.

BESTIL BILLETTER NU TIL LES MISÉRABLES PÅ QUEENS THEATRE