RECENSION: Les Misérables, Sondheim Theatre ✭✭✭✭

Les Misérables - One Day More. Foto: Johan Perrson Les Misérables

Queen’s Theatre

16 december 2014

4 stjärnor

BOKA NU | MER INFO

Mannen två platser bort verkar lida av något medicinskt besvär. Han vacklar upp och sätter fart mot mittgången, men efter bara några personer längs raden faller han ihop. Hjälpen är omedelbar; folk reser sig för att assistera och vaktmästarna skyndar till. Mannen och hans kvinnliga sällskap försvinner ut i foajén. De personer han föll på, besökare från germanska breddgrader, är märkbart upprörda; de står upp, hänger på huk och tänder ficklampor och mobiler i jakt på något så viktigt att det måste hittas här och nu – kanske en Rolex eller en gyllene biljett?

Mitt i hela detta uppståndelse sjunger lilla Cosette – alldeles strålande – Castle On A Cloud, innan handlingen går vidare i Master of the House och scenen där Valjean konfronterar de vidriga Thénardiers för att rädda flickan. Ja, det var en lång, irriterande och högljudd röra. Men det kunde inte rubba den sceniska alkemi som utspelade sig på Queen’s Theatre, där Alain Boubil och Claude-Michel Schönbergs dundersuccé från 1985, Les Misérables, nu är inne på sitt 29:e år. I sitt nuvarande utförande sprudlar den av kraft, talang och musikalitet. När jag såg uppsättningen senast, för cirka två år sedan, var den i ett bedrövligt skick – felbesatt på många håll och med en sorglig brist på detaljer, textur, vokal lyster och karaktärsdjup.

Nu är det något helt annat.

I originalproduktionen, regisserad av sir Trevor Nunn och John Caird, med John Napiers ikoniska scenografi, David Herseys oklanderliga ljussättning, Andreane Neofitous kostymer och Kate Flatts koreografi, vilade Les Misérables på den stora ensemblens styrka – förmågan hos erfarna och yngre artister att skapa ett ständigt föränderligt smörgåsbord av situationer och karaktärer. Att arbeta med den starka, välskolade RSC-ensemblen gjorde saken lättare, men det var en central del av framgången för originaluppsättningen i London, därefter Broadway och sedan Sydney,

Australien. Les Misérables är inte en show som bara fungerar av sig själv; det är hårt arbete som kräver mångsidighet och skicklighet från varje rollinnehavare, ett engagemang för att göra varje ögonblick lika starkt som nästa, samt en perfekt balans mellan orkester och scen. Vad Les Misérables inte överlever, vilket den nuvarande Broadway-uppsättningen (inte denna produktion utan "nyversionen") med all önskvärd tydlighet visar, är ett närmast X Factor-liknande anslag till musiken. När musikalen först sattes upp var varken I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home eller Empty Chairs And Empty Tables några standards; ingen av dem hade sjungits sönder av allt och alla från Barbra Streisand till Susan Boyle. Sanningen är att ingen av dem, i sitt sammanhang i Les Misérables, är mer än ett ögonblick av belysning för en specifik karaktär. Visst, framförda på rätt sätt kan de få föreställningen att stanna upp av applåder, men det är aldrig själva poängen med dem.

Därför är det uppfriskande och genuint spännande att upptäcka att 2014 års ensemble i stort sett tar sig an showen på ursprungligt vis. Detta är en förstklassig, hårt arbetande ensemble i alla åldrar och typer, som sömlöst skapar de olika och olikartade grupper av fransmän som Valjean möter på sin resa: fångar, vakter, bönder, fabriksarbetare, prostituerade, nunnor, krogbesökare, studenter, tiggare, tjuvar och aristokrater. Det finns ingen känsla av upprepning i de många rollerna – nästan varje skådespelare skapar en helt ny person i varje scen där de dyker upp i en ny funktion. Detta gör att detaljerna, den komplicerade historien och den känslomässiga balansgången genomsyras av uppriktighet, uppfinningsrikedom och klarhet.

Om du aldrig har sett Les Misérables är detta ett utmärkt år att göra det; om du har sett den förut bjuder denna ensemble på nya grepp och intressanta nyanser i scener du tror dig känna utan och innan. Tydligast märks detta hos familjen Thénardier och deras anhang. Det är avgörande att de vuxna Thénardiers kan vara både komiska och monstruösa samtidigt; de får inte bli karikatyrer, utan måste vara fullblodiga, övermogna vampyrer som kan suga livet ur ett marmorblock. Humorn i Master of the House måste kännas äkta, både för att bryta av den litani av sorg och elände som präglar de första 40 minuterna, men också för att erbjuda en fascinerande kontrast till den grymhet och det kallsinniga köpslående om Cosette som följer.

Tom Edden är utan tvekan den bäste Thénardier jag sett sedan Peter Carrolls glansnummer för flera decennier sedan. Han tillför rollen en frisk munterhet, men ryggar inte för att vara obarmhärtigt illvillig och ondskefull när det krävs. Hans ögon strålar av en evig opportunists förmåga att utnyttja varje situation, och hans gängliga kropp böjs och vrids med stor komisk effekt när han rånar sina ovetande gäster. Hans scener i kloakerna är djupt obehagliga.

Som en vulkan av röstkapacitet, komisk fingertoppskänsla och kompromisslös fysisk närvaro gör Helen Walsh en uppseendeväckande, provokativ och oerhört njutbar Madame Thénardier (Wendy Ferguson var ledig). Numren med Edden i de två varianterna av Master of the House var perfekt utförda; det såg ut som om de hände för första gången, så totalt synkade var paret. Båda skådespelarna tog vara på varje sekund på scen; var och en hittade allt som fanns att finna – och mer därtill – i sitt arbete. Fenomenalt. Tack vare detta gedigna förarbete gjorde Carolina Gregory (ersättare för Carrie Hope Fletcher) en utmärkt Eponine. Hennes avsky för familjens beteende är helt begriplig, liksom hennes attraktion till Rob Houchens stilige Marius. Hon är vältalig i sina tystnader och vågar använda små medel med stor effekt. Eftersom hennes karaktär är så väl etablerad blir hennes On My Own mycket gripande och helt i linje med rollfiguren. Ingen divafasoner här, tack och lov. Men hon sparar det bästa till sist: hennes sista stunder i Houchens famn var vackert avvägda och laddade. Endast det hårdaste av hjärtan skulle kunna förbli oberört. Houchen är lätt en av de bästa jag sett axla rollen som Marius, en karaktär som i fel händer kan bli både charmlös och menlös. Inte här. Houchen övertygar helt som idealisten som plötsligt och oväntat blir kär och vars liv förändras för alltid. Han har en naturlig scenärvaro, en utmärkt baryton och han kan faktiskt spela teater. Empty Chairs at Empty Tables är fint balanserad och vackert framförd, och han får de sista scenerna med Valjean och Cosette att fungera eftersom han är helt trovärdig. Hans vänskap och lojalitet med Enjolras är också stadigt etablerad, precis som väntat, men något ovanligt är att Houchen tar sig tid att göra sina relationer med de andra studenterna verkliga, särskilt med Christian Edwards Grantaire.

Som Enjolras är Michael Colbourne en passande ståtlig figur och det råder ingen tvekan om hans övertygelse kring behovet av revolution. Rent vokalt sviktade han dock lite i vissa partier och behöver jobba på sitt stöd för att säkerställa en genomgående klar och kraftfull linje. Han har gott om karisma och stil, och jag uppskattade särskilt hans relation till Gavroche och den uppriktighet med vilken han möter den verklighet som Eponines död innebär.

Ensemblen kryllar av framstående förmågor, begåvade skådespelare med fantastiska röster. Särskilt bra var Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase och Jade Davies. Något ur takt med resten av ensemblen var Adam Pearces överdrivet svulstiga Bamatabois och Adam Linsteads bleka biskop av Digne.

De tre barnen i rollistan, Freya Griffiths, Phoebe Lyons och Aaron Gelkoff, var mycket bra, där Gelkoffs Gavroche var exceptionell med tanke på hans unga ålder (8!). Alla spelade naturligt och både lilla Cosette och Gavroche sjöng som gamla proffs, men utan den tillgjordhet som ofta kan skämma sådana ögonblick.

Den äldre Cosette är en svår roll. Det ser enkelt ut på pappret, men sången är krävande och karaktären kräver en skicklig teknik för att inte drunkna i sentimentalitet och tristess. Emile Fleming gör ett bra försök, men hennes övre register blir för vasst och ansträngt, och det finns en osäkerhet i hennes scennärvaro som smittar av sig. Hon borde luta sig mer mot styrkan i Houchens prestation, följa med i den snarare än att arbeta emot den. Nyckeln till Cosette är hennes hängivenhet till Marius; om den inte känns påtaglig och äkta faller andra akten platt.

Det finns för mycket ilska och aggressivitet i Celinde Schoenmakers Fantine, vilket gör att man har svårt att engagera sig i hennes öde. Dessutom skäller hon fram I Dreamed A Dream som vore det Rose’s Turn; det blir ett missriktat "stjärnmoment". Schoenmaker behöver låta karaktären kanalisera texten och melodin istället för att försöka imponera på en tänkt jury i X Factor. Jag blev inte heller helt övertygad av Peter Lockyers Valjean, som också kantades av en hel del ilska i vissa sekvenser. Valjean är en fantastiskt skriven roll och något av ett uthållighetstest. Den kräver en genomtänkt tempoväxling, och fundamentalt måste Valjeans omsorg om andra stå i centrum: hans systerson, Fantine, Cosette, Marius. Han drivs av en vilja att göra gott, att återbetala sin skuld till Gud. Bring Him Home handlar inte om Valjean, den handlar om Marius och måste sjungas därefter. Lockyer tog sig an den som sitt stora paradnummer snarare än som en viktig insikt i karaktärens resa.

I föreställningens senare del var Lockyer som bäst, även om han lyfte sig markant främst i scenerna med David Thaxtons Javert. Rösten var inte alltid helt stabil; även om både höjd och botten satt bra, var mellanregistret märkligt nog ojämnt.

Däremot fanns inga sådana problem med Thaxtons dundrande effektiva Javert. Om du vill tvätta bort det beklagliga minnet av Russell Crowes insats i filmen är detta botemedlet. Thaxton är perfekt i varje aspekt i varje scen – den bäste Javert jag sett sedan Philip Quast gjorde rollen 1987.

Hans röst är vacker och konsekvent i både klang och fyllighet genom hela registret. Varje fras sjungs med precision, helt i karaktär. Han driver fram meningen genom kraften i toner han väger på guldvåg. Stars är elektrifierande och hans Soliloquy är en ren mästarklass i dramatiskt musikaliskt berättande. Han är helt uppfylld av sin karaktär i varje sekund, och när han kliver ur eller försvinner in i skuggorna, dröjer hans närvaro kvar. Man glömmer aldrig denne Javert. Det här är en prestation i världsklass.

Adam Rowe leder orkestern med säker hand, även om pulsen och de underliggande slagverken ibland kunde ha betonats mer, och han tillåter tidvis extremt märklig frasering från både Valjean och Fantine. På det stora hela förvaltas dock musiken mycket väl.

Med Thaxton, Houchen, Gregory, Edden och Walsh i så strålande form, och med stöd av en så fantastiskt begåvad ensemble, är de små anmärkningarna mot övriga huvudroller inte tillräckliga för att grumla upplevelsen.

BOKA NU FÖR LES MISÉRABLES PÅ QUEEN’S THEATRE