ELEŞTİRİ: Sefiller (Les Misérables), Queen’s Theatre ✭✭✭✭

Sefiller (Les Misérables) - Bir Gün Daha. Fotoğraf: Johan Perrson Sefiller

Queen's Theatre

16 Aralık 2014

4 Yıldız

BİLET AL | DAHA FAZLA BİLGİ

İki koltuk ötedeki adam tıbbi bir sorun yaşıyor gibi görünüyor. Hamle yapıp ayağa kalkıyor ve koridora doğru yöneliyor ancak birkaç kişi ilerledikten sonra yere yığılıyor. Hemen yardım eli uzanıyor, insanlar ayağa kalkıp destek oluyor, yer göstericiler yetişiyor. Adam ve yanındaki hanımefendi fuayeye doğru gözden kayboluyor. Üzerlerine devrildiği Alman turist kafilesi ise son derece telaşlı; eğilip kalkıyorlar, el fenerlerini ve telefon ışıklarını yakıp o anda orada bulunması elzem, çok önemli bir şeyi arıyorlar – belki bir Rolex saat, belki de altın bir bilet?

Tüm bu kargaşa sürerken, Küçük Cosette Castle On A Cloud şarkısını gayet duru bir güzellikle söylüyor; ardından aksiyon Master of the House sahnesine ve Valjean'ın Küçük Cosette'i kurtarmak için o korkunç Thénardier'lerle yüzleştiği ana geçiyor. Evet, uzun, sinir bozucu ve gürültülü bir tantanaydı. Ancak bu durum, Alain Boubil ve Claude-Michel Schonberg’in 1985 yapımı başyapıtı Sefiller'in (Les Miserables) sahnelendiği Queen’s Theatre'daki o sahne simyasına gölge düşüremedi. 29. yılındaki oyun, şu anki haliyle enerji, yetenek ve müzikalite dolu. Yaklaşık iki yıl önceki son izleyişimde prodüksiyon dökülüyordu; yanlış oyuncu seçimleri, detay eksikliği, doku kaybı, vokal sönüklüğü ve karakter derinliğinden yoksun bir tablo vardı.

Şimdi ise durum bambaşka.

Sir Trevor Nunn ve John Caird yönetimindeki orijinal yapımda, John Napier’in ikonik dekoru, David Hersey’in kusursuz ışık tasarımı, Andreane Neofitou’nun kostümleri ve Kate Flatt’ın koreografisiyle Sefiller, geniş ansamblın gücüne; deneyimli ve genç oyuncuların sürekli değişen bir karakter ve durum yelpazesi yaratma becerisine dayanırdı. İyi eğitimli RSC ekibiyle çalışmak bunu kolaylaştırmıştı ama Londra, Broadway ve ardından Sidney'deki başarının asıl anahtarı buydu.

Avustralya. Sefiller sadece kendi kendine tıkır tıkır işleyen bir oyun değil; her bir oyuncunun çok yönlülüğünü ve becerisini, her ana aynı özeni göstermesini ve orkestra ile kadro arasındaki mükemmel dengeyi gerektiren zorlu bir iş. Sefiller'in asla kaldıramayacağı şey –ki şu anki Broadway yapımı (bu prodüksiyon değil, "yenilenmiş" versiyon) bunu fazlasıyla kanıtlıyor– partisyonlara bir yetenek yarışması (X-factor) edasıyla yaklaşılmasıdır. Oyun ilk sahnelendiğinde I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home veya Empty Chairs And Empty Tables henüz birer klasik değildi; Barbra Streisand'dan Susan Boyle'a kadar herkes tarafından binlerce kez söylenmemişti. Gerçek şu ki, sahne şovu bağlamında bu şarkıların hiçbiri, belirli bir karakter için bir aydınlanma anından fazlası değildir. Evet, iyi icra edildiğinde gösteriyi durdurup alkış tufanı koparabilirler; ama amaç bu değildir.

Bu yüzden 2014 kadrosunun oyuna genel olarak orijinal ruhuyla yaklaştığını görmek tazeleyici ve gerçekten heyecan verici. Valjean'ın yolculuğunda karşılaştığı mahkumlar, gardiyanlar, çiftçiler, fabrika işçileri, fahişeler, rahibeler, meyhane müşterileri, öğrenciler, dilenciler, hırsızlar ve aristokratlar gibi birbirinden çok farklı Fransız gruplarını kusursuzca canlandıran, her yaştan ve tipten birinci sınıf, çalışkan bir kadro var. Birden fazla rolü üstlenen oyuncularda bir tekrara düşme hissi yok; hemen her oyuncu, farklı bir rolde göründüğü her sahnede tamamen yeni bir kimlik bürünüyor. Bu da hikayenin detaylarını, karmaşık kurgusunu ve duygu yüklü çizgisini samimiyet, yaratıcılık ve berraklıkla parlatıyor.

Eğer Sefiller'i daha önce hiç izlemediyseniz, bu yıl tam sırası; eğer izlediyseniz, bu kadro çok iyi bildiğinizi sandığınız sahnelere ve artık sizi şaşırtamayacağını düşündüğünüz karakterlere taze yaklaşımlar ve ilginç nüanslar getiriyor. Bu durum en çok Thénardier ailesi ve çevresinde kendini gösteriyor. Yetişkin Thénardier'lerin aynı anda hem komik hem de canavara dönüşebilmesi şart; karikatürize olmamalılar ama mermer bloktan bile hayat emebilecek, kanlı canlı, doymak bilmez vampirler gibiler. Master of the House'un mizahı, oyunun ilk 40 dakikasındaki o kasvet ve dehşet silsilesini dağıtmak için samimi olmalı, aynı zamanda sonrasında gelecek olan Cosette üzerindeki o acımasız ve soğukkanlı pazarlıkla büyüleyici bir tezat oluşturmalı.

Tom Edden, Peter Carroll’ın on yıllar önceki muazzam performansından beri gördüğüm açık ara en iyi Thénardier. Role taze bir neşe katıyor ancak gerektiğinde acımasız ve gaddar olmaktan da çekinmiyor. Gözleri, her an fırsat kollayan bir üçkağıçının kurnazlığını yansıtıyor; uzun boylu fiziği, habersiz müşterilerini soyarken harika bir komik etki yaratacak şekilde bükülüp kıvrılıyor. Lağım sahneleri ise son derece rahatsız edici.

Adeta bir vokal gücü yanardağı, komik zamanlama ve tavizsiz bir fiziksel baskınlık sergileyen Helen Walsh, irkiltici, kışkırtıcı ve izlemesi son derece keyifli bir Madame Thénardier portresi çiziyor (Wendy Ferguson o gün kadroda değildi). Edden ile her iki Master of the House varyasyonundaki performansları mükemmeldi; ikili öyle bir uyum içindeydi ki sanki her şey o an yaşanıyormuş gibi hissettirdiler. Her iki oyuncu da sahnedeki tek bir saniyeyi bile boşa harcamadı; rollerinde bulabilecekleri her şeyi, hatta fazlasını bulup çıkardılar. Tek kelimeyle şahane. Bu güçlü performansların desteğiyle Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher'ın yerine), mükemmel bir Eponine çıkardı. Kendi ailesinin davranışlarından duyduğu tiksinti de Rob Houchen’ın yakışıklı Marius'una olan ilgisi de tamamen anlaşılır. Sessiz kaldığı anlarda bile çok şey anlatıyor ve kısık sesle şarkı söyleme tekniğini büyük bir etkiyle kullanıyor. Karakteri çok iyi kurulduğu için On My Own yorumu çok etkileyici ve karakterle bütünleşmiş durumda; neyse ki burada bir diva şovu yok. Ama en iyisini sona saklıyor: Houchen’ın kollarındaki son anları çok iyi ayarlanmış ve yüksek duygu yüklüydü. Bu performanstan etkilenmemek için insanın kalbinin taştan olması lazım. Houchen, yanlış ellerde sevimsiz ve aval bir tipe dönüşebilecek olan Marius rolünün gördüğüm en iyi yorumcularından biri. Burada öyle bir sorun yok. Houchen, aniden ve beklenmedik bir şekilde aşık olan ve hayatı bu aşk yüzünden sonsuza dek değişen o idealiste bizi tamamen ikna ediyor. Rahat bir sahne hakimiyeti, mükemmel bir bariton sesi var ve oyunculuğu çok iyi. Empty Chairs at Empty Tables ince elenip sık dokunmuş, harika sunulmuş bir parça; Valjean ve Cosette ile olan son sahneleri de tamamen inandırıcı kılıyor. Enjolras ile olan dostluğu ve sadakati beklendiği gibi sağlam, ancak alışılmadık bir şekilde Houchen, diğer öğrencilerle, özellikle de Christian Edwards’ın Grantaire karakteriyle olan bağını da gerçekçi kılmak için zaman ayırıyor.

Enjolras rolünde Michael Colbourne, oldukça etkileyici ve yakışıklı bir figür çiziyor; devrim ihtiyacına olan inancından şüphe duymuyorsunuz. Ancak vokal olarak birkaç bölümde hafifçe detone oldu; berrak ve güçlü vokal hatları için nefes desteği üzerinde çalışması gerekiyor. Karizması ve stili yerinde; özellikle Gavroche ile olan ilişkisini ve Eponine’in ölümünün getirdiği gerçekle yüzleşmesindeki samimiyetini çok beğendim.

Ansambl, harika seslere sahip, yetenekli oyuncularla dolu. Özellikle Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase ve Jade Davies çok iyilerdi. Kadronun geri kalanıyla biraz uyumsuz kalanlar ise, fazla abartılı Bamatabois yorumuyla Adam Pearce ve sönük Digne Piskoposuyla Adam Linstead idi.

Kadrodaki üç çocuk oyuncu Freya Griffiths, Phoebe Lyons ve Aaron Gelkoff gayet iyilerdi; Gelkoff’un Gavroche performansı, henüz 8 yaşındaki yaşına rağmen olağanüstüydü. Hepsi rollerini sade bir şekilde oynadı; hem küçük Cosette hem de Gavroche, bu tür anları bazen gölgeleyen o yapmacıklıktan uzak, eski topraklar gibi şarkı söylediler.

Yetişkin Cosette zor bir rol. Kağıt üzerinde basit görünse de şan tekniği talepkar ve karakterin duygusallık ve tekdüzelik bataklığına saplanmaması için ustalık gerekiyor. Emile Fleming rolün altından kalkıyor ancak üst perdeleri fazla keskin ve kulak tırmalıyor; ayrıca sahnede insanı huzursuz eden bir tedirginliği var. Houchen’ın performansının gücünden daha fazla destek almalı, ona karşı değil onunla beraber akmalı. Çünkü Cosette'in anahtarı Marius'a olan bağlılığıdır; bu bağ hissedilir ve gerçek olmazsa ikinci perde işlemez.

Celinde Schoenmaker’in Fantine yorumunda çok fazla öfke ve saldırganlık var; sonuç olarak başına gelenleri pek de umursayamıyorsunuz. Ayrıca I Dreamed A Dream'i adeta bir Rose’s Turn söyler gibi haykırıyor; bu yanlış yorumlanmış bir "yıldız" anı. Schoenmaker’in hayali bir jüriyi etkilemeye çalışmak yerine, karakterin sözlere ve melodiye odaklanmasına izin vermesi gerekiyor. Peter Lockyer’in Valjean'ı da beni pek ikna etmedi; bazı sahnelerde yine çok öfkeli bir karakter vardı. Valjean harika yazılmış bir rol ve bir nevi dayanıklılık testi. Dikkatli ve ölçülü bir tempo gerektiriyor; esasen Valjean’ın başkalarına –kız kardeşinin oğluna, Fantine’e, Cosette’e, Marius’a– duyduğu sevgi ve endişe ön planda olmalı. O, iyilik yapma ve Tanrı'ya olan borcunu ödeme arzusuyla hareket eder. Bring Him Home Valjean ile ilgili değil, Marius ile ilgilidir ve öyle söylenmelidir. Lockyer ise bunu karakterin yolculuğundaki önemli bir farkındalık noktası olarak değil, kendi büyük şov numarası olarak gördü.

Oyunun ikinci yarısında Lockyer daha iyi bir grafik çizdi; özellikle David Thaxton’ın Javert'iyle sahneyi paylaştığı anlarda oyununu ciddi şekilde yükseltti. Vokal olarak sesi olması gerektiği kadar emin değildi; tiz ve pes sesleri sağlam olsa da, sesinin orta tonları garip bir şekilde tutarsızdı.

Ancak Thaxton’ın fırtına gibi esen Javert performansı için bu tür endişeler yersiz. Russell Crowe’un filmdeki o talihsiz çabasının kötü anılarını silmek istiyorsanız, ihtiyacınız olan ilaç bu. Thaxton her sahnede her bakımdan kusursuz; 1987'de Philip Quast’ın ardından izlediğim en iyi Javert.

Sesi çok güzel ve en alt tondan en üste kadar tınısı hep dolgun. Her cümleyi tam kıvamında, karakterine sadık kalarak söylüyor. Notaların gücüyle anlamı ustaca harmanlıyor. Stars performansı elektrik veriyor, Soliloquy ise dramatik müzikal performans açısından tam bir ders niteliğinde. Her an karakterin içinde; gölgelerden çıktığında veya gölgelere karıştığında varlığı ya önceden hissediliyor ya da zihninizde asılı kalıyor. Bu Javert'i asla unutmuyorsunuz. Bu, dünya standartlarında bir performans.

Adam Rowe orkestrayı hakimiyetle yönetiyor; ancak bazen temponun ve alttaki perküsyon seslerinin daha vurgulu olması gerekebilirdi. Ayrıca Valjean ve Fantine'in zaman zaman başvurduğu aşırı garip vurgulara göz yummuş. Yine de genel olarak müzik gayet iyi sunuluyor.

Thaxton, Houchen, Gregory, Edden ve Walsh bu kadar muazzam bir formdayken ve arkalarında bu kadar yetenekli bir ansambl varken, diğer başrollerdeki bazı aksaklıklar bu deneyime gölge düşürmeye yetmiyor.

QUEENS THEATRE'DAKİ SEFİLLER İÇİN ŞİMDİ BİLET ALIN