REZENSION: Othello, Royal Shakespeare Theatre ✭✭✭

Othello

Royal Shakespeare Theatre

11. Juli 2015

3 Sterne

Der Schauspieler Steven Berkoff hat zuletzt für hochgezogene Augenbrauen gesorgt, als er die derzeitige Praxis im Theater beklagte, nach der die Titelrolle in Shakespeares Othello für einen hellhäutigen Schauspieler tabu sei. In einer Zeit, in der colour-blind und gender-blind casting als Best Practice gilt, fällt es schwer, seinem Standpunkt zu widersprechen – falls überhaupt jemand geneigt ist, ihm zu widersprechen. Wenn niemand zusammenzucken soll, wenn Hamlet oder Heinrich V. nicht von einem weißen Mann gespielt wird, warum sollte dann jemand zusammenzucken, wenn Othello von einem weißen Mann gespielt wird? Wenn niemand zusammenzucken soll, wenn der Herzog von Venedig in Othello von einer Frau gespielt wird, warum sollte dann jemand zusammenzucken, wenn Othello von einem weißen Mann gespielt wird? Wenn niemand zusammenzucken soll, wenn eine von Lears Töchtern von einem schwarzen Schauspieler gespielt wird, warum sollte dann jemand zusammenzucken, wenn Othello von einem weißen Mann gespielt wird?

Die einzige Frage, die man beim Casting – ganz gleich welche Hautfarbe, welches Geschlecht, welches Alter, welche Haarfarbe, welcher Akzent oder welche Taille ein Schauspieler hat – wirklich stellen sollte, lautet schlicht: „Ist dieser Schauspieler die beste verfügbare Person für diese Rolle?“ Wenn ja: besetzen. Wenn nein: nicht besetzen. Es sollte keine Rollen geben, die bestimmten Kategorien von Schauspielern grundsätzlich verwehrt sind – lasst Schauspieler spielen.

Im Royal Shakespeare Theatre in Stratford-upon-Avon läuft derzeit die neueste Wiederaufnahme von Othello der RSC unter der Regie von Iqbal Khan. In den Hauptrollen stehen zwei schwarze Schauspieler: Hugh Quarshie als Othello und Lucian Msamati als Iago.

Quarshies Besetzung gibt zu denken. 1999 veröffentlichte er einen Essay über Othello, der unter anderem diesen Satz enthält:

„Von allen Rollen im Kanon ist Othello vielleicht diejenige, die ganz bestimmt nicht von einem schwarzen Schauspieler gespielt werden sollte.“

Seine Ansicht bezog sich weniger darauf, dass nur schwarze Schauspieler Othello spielen sollten, als darauf, dass durch Darstellungen schwarzer Schauspieler rassistische Konventionen bekräftigt werden könnten. Er fuhr fort:

„Ich habe das Gefühl, dass schwarze Schauspieler die Rolle weiterhin spielen sollten; die rassistischen Konventionen haben so lange Bestand, gerade weil nicht genug von uns die Rolle gespielt und diese Konventionen herausgefordert haben. Und ich glaube, dass eine nicht-rassistische Interpretation möglich sein könnte.“

Er war der Meinung, Othello müsse von „zwingenden psychologischen, sozialen und politischen Gründen“ angetrieben sein: … (weil) er sich so verhält, wie er sich verhält, weil er ein schwarzer Mann ist, der auf Rassismus reagiert, nicht weil er einen Vorwand dafür liefert“ – und er wollte „eine Fassung des Stücks schaffen, die den Fokus weg von der race und hin zum Charakter verschiebt“.

Es scheint, dass Khan und Quarshie sich darüber, wie Othello zu spielen sei, nicht einig waren – denn die Leistung, die Quarshie in Khans Othello zeigt, ist weder von psychologischen, sozialen und politischen Gründen angetrieben, noch liegt ein Fokus auf Charakterzeichnung: sie ist jedoch mit Abstand die langweiligste Othello-Interpretation, die ich je gesehen habe.

Othello ist eine großartige Figur: Krieger, Anführer, politisches Wesen, Mann, Liebender. Damit das Stück funktioniert, muss das Publikum in Othello das sehen, was Desdemona sieht, was der Herzog sieht, worauf Iago eifersüchtig ist und was Cassio respektiert: Othellos Größe muss durch Haltung, Auftreten, Sprache, Statur hindurchleuchten. Erst wenn man einen Othello mit diesen Qualitäten hat – einen tiefen Glanz –, kann überhaupt Tragik entstehen, kann man die Verachtung spüren, die sowohl Brabantio als auch Iago für Othello empfinden.

Quarshie ist in beeindruckender körperlicher Verfassung und bringt eine wortkarge Gravitas ins Geschehen, aber Othello ist ein Mann der Tat und der Leidenschaft – und davon ist in Quarshies Spiel fast nichts zu sehen. Seine Beziehung zu Joanna Vanderhams seltsam schaler Desdemona wirkt unbeholfen und verkrampft; es gibt keinen Eindruck einer echten, großen Romanze zwischen den beiden. Dieser Othello ist zu schlicht, zu gewöhnlich, um die eifersüchtige Raserei, die ein Leben kostet, zu tragen und zu befeuern.

Kaum besser ist Lucian Msamatis Iago. Subtilität ist bei dieser Darstellung kein Stichwort; dieser Iago ist ein tobender Irrer – am besten auf den Punkt gebracht in dem Moment, in dem er bekommt, was er will, und dann minutenlang den Deckel einer Truhe zuschlägt, lang und laut. Er wirkt geistig aus der Bahn, so in Richtung Axtmörder. Das Problem: Damit das Drama funktioniert, muss Iago vertrauenswürdig und loyal erscheinen. Msamati trägt seinen Hass und seine Verachtung offen zur Schau; warum ihm irgendjemand vertraut, ist unbegreiflich. Wenn Iago nur ein amoralischer Psychopath ist, der alle hasst, greift die schmerzhafte, fast erstickende Intensität des Dramas, die Shakespeare geschrieben hat, nie.

Msamati verschluckt viele Wörter, sodass mehr als ein Viertel dessen, was er sagt, verloren geht. Für eine Rolle mit den meisten Zeilen, die den Großteil der Handlung trägt, ist das ein ernstes Manko. Zu seiner Ehrenrettung: Msamati holt viel Humor aus dem Text, was erfrischend ist, und seine Szenen mit James Corrigans Quisling-Roderigo sind ziemlich gelungen.

Vielleicht liegt der Fehler tatsächlich nicht bei den Stars, sondern in der Regie. Khan scheint einen unmöglichen Mittelweg im Umgang mit dem Text zu wählen – der weder dem Ensemble noch dem Publikum etwas bringt.

Die Klarheit des übergeordneten Storytellings ist bewundernswert, aber die Höhepunkte der Inszenierung, die Schlüsselmomente, versanden in einem Bedürfnis, „modern“ zu sein. So gibt es etwa eine unverständliche Passage, die Waterboarding und Folter im Zusammenhang mit Guantanamo Bay evoziert – warum irgendjemand das für notwendig oder wünschenswert hielt, ist mir schleierhaft. Es ist nichts weiter als eine irritierende Ablenkung von Shakespeares Handlung. Diese Handlung ist heute genauso relevant und aktuell wie zur Zeit ihrer Niederschrift; sie muss nur richtig gespielt werden. Sie muss nicht „relevant gemacht“ werden. Sie ist relevant. Ganz sicher wird sie in keiner Weise aufgewertet – in keiner – durch das merkwürdige Bild, dass Desdemona beiläufig eine Bohrmaschine in der Hand hält, wie sie bei Foltersitzungen eingesetzt wird.

Was diese eingeschobene Foltersequenz allerdings bewirkt, ist eine Minderung von Othellos Größe. Folter – erst recht extreme Folter – gehört nicht zum Arsenal eines Helden. Indem Khan diese Waterboarding-Szene hinzufügt, legt er nahe, dass Othello ein solches Verhalten billigt oder, schlimmer noch, es selbst praktiziert. Wie schwarz sieht Khan Othellos Seele?

Khan bekommt die emotionalen Resonanzen des Stücks nicht zu fassen. Motivationen bleiben unklar; was den Zwist antreibt, ist unbekannt; Loyalitäten, Leidenschaften und Ängste werden weitgehend nicht ausgelotet. Rassismus spielt definitiv eine Rolle, ebenso das starke Gefühl, dass Othello ein Außenseiter ist. Aber falls ein besonderer Kick darin liegen soll, dass schwarze Schauspieler sowohl Othello als auch Iago spielen, ist davon in dieser Produktion nichts zu spüren. Am eklatantesten: Es wird nie wirklich klar, warum Iago tut, was er tut.

Es gibt viele Möglichkeiten, was Iago dazu treibt, Othello und Desdemona zu zerstören; hier scheint es sich auf nicht mehr als „Wer ist dieser aufmüpfige schwarze Kerl, der glaubt, besser zu sein als ich?“ zu reduzieren. Da dieser Iago ähnlich auf Cassio reagiert (in seinem Fall: „Wer ist dieser aufmüpfige weiße Kerl, der glaubt, besser zu sein als ich?“), wird Othellos Status als schwarzer Mohr nahezu irrelevant.

Die beste Arbeit kommt von Jacob Fortune-Lloyds klassischem Cassio, einem „Soldaten, der neben Cäsar bestehen könnte“, und von Ayesha Dharkers wachsamer Emilia. Fortune-Lloyd schenkt dem Text echte Aufmerksamkeit, und das zahlt sich aus: Seine „My reputation“-Rede war der erste Moment echter Leidenschaft im Stück, die Verbindung von Figur und Sprache ist meisterhaft austariert. Sein gutes Aussehen und sein Soldatenkörper machten ihn zum perfekten Posterboy-Typ, doch seine Intelligenz leuchtete deutlich hervor. Dharkers Schönheit und stilles Beobachten machten Iagos Frau zu einer natürlichen Schattenfigur. Wo ihre Loyalitäten lagen, blieb nie ganz sicher – gut so, denn Emilia braucht eine launische, wechselhafte Qualität, die für die Intrigen der Handlung essenziell ist. Beide machten aus jeder Sekunde Bühnenzeit das Meiste und vermittelten oft viel im Schweigen: Cassios Unbehagen bei öffentlichen Zärtlichkeitsbekundungen; Emilias Missbilligung, unausgesprochen, aber klar in ihren blitzenden Augen. Kluge Verzierungen an gekonnten Darstellungen.

Nadia Albina ist als Herzog von Venedig sehr wirkungsvoll, und James Corrigan macht aus sehr wenig einiges als Roderigo, der Erste, den Iago dupiert und ausnutzt. Diese Rollen können – und werden oft – leicht weggeworfen, doch sowohl Albina als auch Corrigan hinterließen bleibende Eindrücke. Das tat auch Brian Prothero, allerdings auf unerwünschte Weise: Sein Brabantio war völlig leblos, stimmlich eintönig und in seiner miserablen Darstellung beinahe komisch. (Die Kostüme waren allerdings großartig.)

Die Kostüme (Fotini Dimou) schienen für Joanna Vanderham das prägende Merkmal zu sein – als hätte sie sich für ihre Desdemona an Protheros Darstellung von Desdemonas Vater orientiert. Herausgeputzt und mit hölzernen Bewegungen, wie ein bizarr anmutendes Fashion-Model – eine Gestalt, die man im Hintergrund von Game of Thrones herumlungern sehen könnte (mein Begleiter bemerkte das trocken) –, wirkte an dieser Desdemona alles falsch. Khan schenkte ihr in der Regie wenig Aufmerksamkeit, aber selbst so war es oft schwer, sie von Scarlett Brookes’ quengeliger Bianca zu unterscheiden. Wie man es auch dreht: Desdemona braucht eine Strahlkraft, eine schwer fassbare Anziehung, die die Machenschaften, die um sie kreisen und sie verschlingen, nachvollziehbar macht. Hier stellte sich leider eher die Frage, wer sie zuerst erwürgen würde.

Gute Arbeit leistet auch das Ensemble, besonders Jay Saighal, Owen Findlay, David Ajao und Rina Mahoney.

Ciaran Bagnalls Bühnenbild ist ausgesprochen köstlich. Es ruft mühelos ein Gefühl verblasster Grandezza hervor, und die Liebe zum Detail sorgt für ein stimmiges Bild der Kanäle Venedigs, der dortigen Machtzentren, ebenso wie des Schlachtfelds auf Zypern und des inneren Schlafgemachs in Othellos Quartier. Bagnall setzt bewegliche Podeste mit Leichtigkeit und Stil ein: Das Eröffnungstableau, das sich vom gefliesten Boden in einen wässrigen Durchgang verwandelt, ist besonders gelungen. Der Torbogen, der die Stimmung der Eröffnungsszene setzt, ist in der Mitte gespalten – ein cleveres Spiegelbild von Othellos Welt. In jeder Hinsicht war das Bühnenbild ein schöner Anblick.

Als verantwortlicher Lichtdesigner sorgt Bagnall außerdem dafür, dass Schatten und Dunkelheit über die Räume flackern oder bestimmte Ereignisse verhüllen – die Lichtstimmung liefert oft einen Hinweis auf Spannung und Bedeutung, die aus den Darstellungen nicht immer klar werden.

Das ist eine eigenartige Othello-Produktion. Man bekommt die Knochen der Geschichte klar geliefert, aber das Fleisch, das Mark, das Herz – all das, was von den reichen Figuren des zentralen Trios und davon abhängt, wie die Schauspieler Motivationen, Ängste und stürmische Gefühle anlegen – ist dünn gesät. Wie Othello sagt: „Gewisse Männer sollten sein, was sie scheinen.“ Im Aussehen, im Wort und in der Tat. In Khans Händen und mit dieser Besetzung sind weder Othello noch Desdemona noch Iago das, was sie nach Shakespeares Text zu sein scheinen.

Aussehen ist nicht der Schlüssel bei Othello. Großes Schauspiel ist es.

Othello läuft an der RSC bis zum 28. August 2015