CRITIQUE : Othello, Royal Shakespeare Theatre ✭✭✭

Othello

Royal Shakespeare Theatre

11 juillet 2015

3 Étoiles

L'acteur Steven Berkoff a récemment fait parler de lui en déplorant la pratique actuelle dans le théâtre qui considère le rôle-titre dans Othello de Shakespeare comme interdit aux acteurs à la peau blanche. À une époque où le casting sans distinction de couleur ou de genre est considéré comme la meilleure pratique, il semble difficile de contester son point de vue, si tant est que quelqu'un soit enclin à le contester. Si personne n'est censé tiquer si Hamlet ou Henry V n'est pas joué par un homme blanc, pourquoi quelqu'un devrait-il tiquer si Othello est joué par un homme blanc? Si personne n'est censé tiquer lorsque le Duc de Venise dans Othello est joué par une femme, pourquoi quelqu'un devrait-il tiquer si Othello est joué par un homme blanc? Si personne n'est censé tiquer si une des filles de Lear est jouée par un acteur noir, pourquoi quelqu'un devrait-il tiquer si Othello est joué par un homme blanc?

La seule question à poser en matière de casting, quelle que soit la race, le genre, l'âge, la couleur des cheveux, l'accent ou le tour de taille d'un acteur, est simplement : "cet acteur est-il la meilleure personne disponible pour ce rôle ?" S'ils le sont, engagez-les. S'ils ne le sont pas, ne les engagez pas. Il ne devrait pas exister de rôles interdits à certaines catégories d'acteurs - laissez les acteurs jouer.

Actuellement, au Royal Shakespeare Theatre de Stratford-Upon-Avon, se joue la dernière reprise du RSC d'Othello, dirigée par Iqbal Khan. Elle met en vedette deux acteurs noirs dans les rôles principaux : Hugh Quarshie en Othello et Lucian Msamati en Iago.

Le casting de Quarshie mérite réflexion. En 1999, il a publié un essai sur Othello qui incluait cette phrase :

"De tous les rôles du canon, Othello est peut-être celui qui ne devrait surtout pas être interprété par un acteur noir."

Ses opinions portaient davantage sur les conventions racistes renforcées par les interprétations par des acteurs noirs que sur la question de savoir si seuls les acteurs noirs devraient jouer Othello. Il poursuivit :

« Mon sentiment est que les acteurs noirs devraient continuer à jouer le rôle; les conventions racistes ont perduré si longtemps précisément parce qu'il n'y en a pas assez qui ont joué le rôle et défié les conventions. Et je crois qu'une interprétation non raciste est possible. »

Il croyait qu'Othello devait être animé par des raisons « psychologiques, sociales et politiques impérieuses :... (car) il agit comme il le fait parce qu'il est un homme noir répondant au racisme, sans donner de prétexte », et voulait « produire une version de la pièce qui déplace le focus de la race sur le personnage ».

Il ne semble pas que Khan et Quarshie étaient d'accord sur la manière de jouer Othello, car la performance que Quarshie offre dans l'Othello de Khan n'est pas animée par des raisons psychologiques, sociales et politiques, ni par un accent sur le caractère : c'est cependant de loin l'interprétation la plus ennuyeuse d'Othello que j'ai vue.

Othello est un personnage merveilleux : un guerrier, un chef, un animal politique, un homme, un amoureux. Pour que la pièce réussisse, le public doit voir en Othello ce que Desdemona voit, ce que le Duc voit, ce dont Iago est jaloux et ce que Cassio respecte : la grandeur d'Othello doit briller à travers son attitude, son port, sa parole, sa stature. Ce n'est que lorsque vous avez un Othello avec ces qualités, une splendeur profonde, que vous pouvez avoir une quelconque tragédie, que vous pouvez ressentir le mépris que ressentent à la fois Brabantio et Iago pour Othello.

Quarshie est en excellente forme physique et apporte une certaine gravité taciturne aux événements, mais Othello est un homme d'action et de passion, et il n'y a presque aucun indice de cela dans la performance de Quarshie. Sa relation avec la Desdemona curieusement insipide de Joanna Vanderham est maladroite et tendue ; il ne se dégage aucun sens d'un vrai et grand amour entre les deux. Cet Othello est trop banal, trop ordinaire, pour soutenir et alimenter la rage jalouse qui prend une vie.

À peine mieux est l'Iago de Lucian Msamati. La subtilité n'est pas le maître mot de cette performance ; cet Iago est un fou furieux, mieux résumé par le moment où il obtient ce qu'il veut et se met alors à claquer le couvercle d'un coffre, longuement et bruyamment. Il semble mentalement déséquilibré, à la manière d'un meurtrier à la hache. Le problème ici est que, pour que le drame fonctionne, Iago doit apparaître digne de confiance et loyal : Msamati porte sa haine et son mépris sur sa manche ; pourquoi quiconque lui ferait confiance est incompréhensible. Si Iago est simplement un psychopathe immoral qui déteste tout le monde, l'intensité écrasante, presque suffocante du drame écrit par Shakespeare ne prend jamais racine.

Msamati avale beaucoup de mots, donc plus d'un quart de ce qu'il dit est perdu. Pour un rôle qui a le plus de lignes et porte l'essentiel de l'intrigue, c'est un sérieux défaut. Pour lui rendre justice, Msamati extrait beaucoup d'humour du texte, ce qui est rafraîchissant, et ses scènes avec le Roderigo collabo de James Corrigan sont plutôt fines.

En fait, le problème ne réside peut-être pas dans les acteurs, mais dans la direction. Khan semble prendre une approche intermédiaire impossible face au texte, qui ne récompense ni les acteurs, ni le public.

Il y a une clarté dans le récit global qui est admirable, mais les moments forts de la production, les moments clés, sont enlisés dans le besoin d'être "moderne". Il y a, par exemple, une section incompréhensible qui évoque la torture et la pratique du waterboarding liées à Guantanamo Bay - pourquoi quelqu'un pensait que c'était nécessaire ou souhaitable me dépasse. Cela ne sert de rien d'autre qu'une distraction choquante de l'intrigue de Shakespeare. Cette intrigue est aussi pertinente et opportune maintenant qu'elle ne l'était lorsqu'elle a été écrite pour la première fois ; elle a juste besoin d'une bonne représentation. Elle n'a pas besoin d'être "rendu pertinente". Elle l'est déjà. Elle n'est certainement pas renforcée - en aucune façon - par le spectacle étrange de Desdemona arborant nonchalamment une perceuse utilisée pour des séances de torture.

Mais ce que cette séquence de torture interpolée réussit à faire est de diminuer la stature d'Othello. La torture, surtout la torture extrême, ne fait pas partie de l'arsenal d'un héros. En ajoutant cette scène de waterboarding, Khan suggère qu'Othello tolère ce comportement, ou pire, le pratique lui-même. À quel point Khan voit-il l'âme d'Othello sombre ?

Khan ne parvient pas à saisir les résonances émotionnelles de la pièce. Les motivations ne sont pas claires ; ce qui alimente la dissidence est inconnu ; les loyautés, les passions et les peurs restent largement inexplorées. Le racisme est certainement en jeu, ainsi que le véritable sentiment qu'Othello est un étranger. Mais s'il y a un frisson spécial à obtenir du fait que des acteurs noirs jouent à la fois Othello et Iago, cela n'est pas évident dans cette production. Plus odieusement, il n'est jamais clair pourquoi Iago fait ce qu'il fait.

Il y a plusieurs possibilités pour ce qui motive Iago à détruire Othello et Desdemona ; ici, il semble se réduire à rien de plus que "Qui est ce type noir parvenu pour penser qu'il est meilleur que moi ?" Étant donné que cet Iago a une réaction similaire face à Cassio (dans son cas, "Qui est ce type blanc parvenu pour penser qu'il est meilleur que moi ?"), le statut d'Othello en tant que Maure noir est rendu presque insignifiant.

Le meilleur travail vient de Jacob Fortune-Lloyd en tant que Cassio "soldat classique apte à se tenir aux côtés de César" et d'Ayesha Dharker en Emilia méfiante. Fortune-Lloyd donne au texte une réelle attention et cela rapporte des dividendes : son discours "Ma réputation" a été le premier moment de véritable passion dans la pièce, sa fusion de caractère et de discours était parfaitement jugée. Son apparence et sa carrure de soldat ont fait de lui le type parfait de poster boy, mais son intelligence a brillé avec force. La beauté et la vigilance silencieuse de Dharker ont fait d'elle une femme d'Iago naturellement créature des ombres. On ne savait jamais où se situaient ses loyautés - une bonne chose, car Emilia a une qualité mercurielle essentielle pour les rouages de l'intrigue. Chacun a tiré le meilleur parti de chaque seconde de temps sur scène et a souvent communiqué beaucoup en silence : le malaise de Cassio face aux démonstrations publiques d'affection ; la désapprobation d'Emilia, non articulée mais évidente par ses yeux scintillants. Des ornements astucieux pour des performances habiles.

Nadia Albina est très efficace en tant que Duc de Venise et James Corrigan fait quelque chose de très peu en tant que Roderigo, le premier à être dupé et utilisé par Iago. Ces rôles peuvent, et souvent sont, facilement négligés mais à la fois Albina et Corrigan ont laissé des impressions mémorables. Brian Prothero aussi, mais le sien était du genre indésirable : son Brabantio était entièrement sans vie, vocalement ennuyeux, et presque comique dans sa représentation atroce. (Il avait de superbes costumes, cependant)

Les costumes (Fotini Dimou) semblaient la caractéristique déterminante pour Joanna Vanderham qui semblait trouver son inspiration pour sa Desdemona dans la représentation de Prothero de son père. Parée et aux mouvements maladroits, comme un étrange mannequin de mode, une créature que l'on pourrait voir en arrière-plan dans Games of Thrones (mon compagnon l'a observé ironiquement), tout à propos de cette Desdemona sonnait faux. Peu d'attention lui a été donnée par la direction de Khan, mais même ainsi, il était souvent difficile de la distinguer de la Bianca geignarde de Scarlett Brookes. Selon toute vue, Desdemona a besoin d'une radiance, d'une attractivité intangible qui rend compréhensibles les machinations qui tourbillonnent autour d'elle et l'engloutissent. Ici, hélas, la question était qui allait l'étrangler en premier.

Il y a un bon travail dans l'ensemble, notamment de Jay Saighal, Owen Findlay, David Ajao et Rina Mahoney.

Le décor de Ciaran Bagnall est tout simplement délicieux. Il évoque facilement un sentiment de grandeur déclinante et il y a une attention minutieuse au détail qui assure une conception confortable des canaux de Venise, des couloirs de pouvoir là-bas, ainsi que du champ de bataille à Chypre et de la chambre intérieure des quartiers d'Othello. Bagnall utilise des plates-formes mobiles avec aisance et style : le tableau d'ouverture, passant du sol carrelé au passage aquatique, est particulièrement réussi. L'arche qui définit l'ambiance pour la scène d'ouverture est fissurée en son centre, un reflet intelligent du monde d'Othello. De toutes les façons, le décor était magnifique à regarder.

Également en charge du design d'éclairage, Bagnall veille à ce que des ombres et des ténèbres vacillent à travers les décors ou enveloppent certains événements - l'humeur de l'éclairage donne souvent un indice sur la tension et l'importance non claires des performances.

C'est une production curieuse d'Othello. Vous obtenez les bases de l'histoire, clairement, mais la chair, la moelle, le cœur - tout ce qui dépend des riches personnages du trio central et de la manière dont les acteurs abordent leurs motivations, peurs et sentiments tempétueux - est peu présent. Comme le dit Othello : "Certains hommes devraient être ce qu'ils semblent être." En apparence, en parole et en acte. Dans les mains de Khan, et avec ce casting, ni Othello, ni Desdemona, ni Iago ne sont ce qu'ils semblent être selon le texte de Shakespeare.

L'apparence n'est pas la clé d'Othello. C'est le grand jeu d'acteur qui l'est.

Othello joue au RSC jusqu'au 28 août 2015