RECENSIE: The Burnt Part Boys, Park Theatre ✭✭✭

Joseph Peacock, David Leopold en Chris Jenkins in The Burnt Part Boys. Foto: Sacha Queiroz The Burnt Part Boys

Park Theatre

22 augustus 2016

3 Sterren

De drijvende kracht achter deze komst van Mariana Elders verhaal over jeugdige ambities en avontuur in een mijnstadje in West Virginia, is Matthew Iliffe. Het stuk is doorspekt met de frisse, heldere, door country beïnvloede muziek van Chris Miller en Nathan Tysen. Iliffe heeft een enorme ontwikkeling doorgemaakt sinds zijn verdienstelijke 'Thoroughly Modern Millie' vorig seizoen in de Landor. Nu heeft hij alle franje van het theater weggehaald en presenteert hij een ononderbroken drama van 90 minuten op een vrijwel kale vloer. Dit is te danken aan het decor en de kostuums van Rachel Wingate (bestaande uit slechts een half dozijn houten stoelen en een plafond gedrapeerd met touwen) en het vertrouwde genie van Charlie Morgan-Jones' sfeervolle lichtontwerp. De muziek is in handen van het strak geleide, hoofdzakelijk akoestische ensemble van Nick Barstow, en in de intieme Studio-ruimte van het Park Theatre wisselt de cast moeiteloos tussen gesproken en (onversterkte) gezongen tekst. We bevinden ons in 1962, wat wordt bevestigd door een radiobericht uit die tijd. Het realistische karakter van het werk wordt benadrukt door de vaak nogal dikke accenten uit West Virginia. Het is een prachtig, compleet stuk theater, en Iliffe's levendige enscenering maakt hem duidelijk iemand om in de gaten te houden voor de toekomst.

Zijn huidige keuze om zijn vakmanschap in regie en musical-staging te tonen is een virtuoos staalje werk, met talloze locatiewisselingen: van huiskamers door een bos, over een berg en een mijn in, waarbij hij (wellicht) in en uit verschillende bewustzijnslagen stapt. Het getuigt van zijn talent als regisseur en choreograaf dat hij dit met zo'n natuurlijkheid en gemak bereikt. Hij prikkelt de verbeelding van het publiek, laat hen visualiseren, zich verwonderen en nadenken. En nadenken doen we zeker. In dit stadje dat hij zo indringend in onze verbeelding oproept, is de eerste vraag die bij ons opkomt: Waar zijn alle vrouwen?

De wereld van de animus die ons wordt voorgeschoteld, mist op vreemde wijze de tegenhanger van de anima: we zijn al een heel eind in de voorstelling voordat er vrij onverwacht een enkele vrouwelijke aanwezigheid opduikt die zich krachtig laat gelden – hier magnifiek gespeeld door de intense en energieke Grace Osborn. Zij is een actrice die ik al lang bewonder en die, naar de mening van deze schrijver, waarschijnlijk het meest bijdraagt om de show het hart te geven waar de klagende, eenvoudige melodieën zo duidelijk naar hunkeren.

Maar ondanks haar enorme inzet zijn de kansen ongelijk verdeeld. Twee paar mannelijke vrienden – Chris Jenkins als de wereldwijze, verantwoordelijke oudere broer Jake met zijn drinkmaatje Chet (David Leopold), en de jongeren Pete (Joseph Peacock) en Dusty (Ryan Heenan) – trekken elk afzonderlijk de wildernis in naar de mijn die tien jaar eerder na een ramp werd gesloten. Bij die ramp kwamen enkele van hun vaders om het leven. Om hen heen verschijnt af en toe een koor van vijf overleden vaders om ons toe te zingen. Een van hen, David Haydn, verschijnt vaker in de gedaante van niemand minder dan Jim Bowie: zijn zoon, de jonge Pete, dweept met de personages uit zijn favoriete film 'The Alamo' en lijkt te fantaseren dat zijn overleden vader hem is (althans, dat is wat ik vermoed dat er gebeurt).

Als dit uitgangspunt je emotioneel aanspreekt, is de kans groot dat je van deze voorstelling zult genieten. De regisseur doet dat overduidelijk wel. Hij put uit een sterk element van het Amerikaans erfgoed en refereert aan de 'Twice-Told Tales' van Nathaniel Hawthorne, de romances van andere schrijvers uit de lyrische, ruralistische traditie, de mysteries van Edgar Allan Poe en de avonturen van jongens die op zoek moeten naar vaderfiguren. De bijna uitsluitend mannelijke omgeving doet zelfs denken aan de filosofische en psychologisch onderzoekende verhalen van Melville. Maar bedenk wel: wanneer die schrijvers verhalen vertellen met hoofdzakelijk mannen, maken ze heel duidelijk waarom dat zo is, meestal door de keuze van de setting (een schip op zee, een leger op veldtocht, enzovoort).

Als dit de thema’s zijn die je verbeelding prikkelen, dan zal de show je op charmante wijze meevoeren. Iliffe doet deze esthetiek in zijn productie meer dan recht aan; hij koestert het. Onlangs hebben we in Londen echter andere drama's gezien die zich afspelen in mijnstadjes: de drie stukken van D.H. Lawrence in het Dorfman; 'Wonderland' in het Hampstead Theatre; en laten we 'Billy Elliot' niet vergeten, dat jarenlang in het Victoria Palace draaide en nog steeds succesvol op tournee is. De meeste van die werken richten zich evenzeer op de vrouwen als op de mannen. Ik denk dat daar allerlei redenen voor zijn. De belangrijkste daarvan is wellicht dat de meeste schrijvers beseffen dat als ze willen dat het publiek in hun personages gelooft, ze hen zo volledig mogelijk moeten laten zien. Gebeurt dit niet, dan kan de kijker het gevoel krijgen dat de makers iets achterhouden, waardoor men zich minder betrokken voelt bij de personages en hun lot.

Je moet voor jezelf bepalen of je vindt dat dit hier wel of niet het geval is. Welke conclusie je ook trekt, het is interessant om te overwegen wat het effect op je zou zijn als je direct zou weten wat de moeders, weduwen, zussen, nichten of vriendinnen van de helden te zeggen hebben. Goed, dat zou een heel ander stuk opleveren. Maar er is hier één meisje, dus: Waar zijn alle (andere) vrouwen?