RECENSION: The Burnt Part Boys, Park Theatre ✭✭✭

Joseph Peacock, David Leopold och Chris Jenkins i The Burnt Part Boys. Foto: Sacha Queiroz The Burnt Part Boys

Park Theatre

22 augusti 2016

3 stjärnor

Det är Matthew Iliffes stora passion som driver denna uppsättning av Mariana Elders berättelse om ungdomligt driv och äventyr i en gruvstad i West Virginia, ackompanjerad av Chris Millers och Nathan Tysens raska, pigga och country-influerade musik. Han har kommit långt sedan sin stabila 'Thoroughly Modern Millie' på Landor förra säsongen. Nu har han skalat bort teaterrekvisitan och presenterar ett sammanhängande 90-minutersdrama på ett nästintill bart golv – tack vare Rachel Wingates scenografi och kostym (bara ett halvdussin trästolar och ett tak draperat med rep) samt Charlie Morgan-Jones karakteristiskt suveräna och stämningsfulla ljussättning. Musiken framförs av Nick Barstows väl sammansvetsade och huvudsakligen akustiska ensemble, och i Park Theatres lilla Studio-scen rör sig ensemblen obesvärat mellan talad och (oförstärkt) sjungen text. Vi befinner oss 1962, vilket bekräftas av ett radiomeddelande från tiden. Verkets realistiska känsla förstärks av de ofta ganska breda West Virginia-accenterna. Det är ett vackert och gediget stycke teater, och Iliffes livfulla iscensättning gör honom till någon man bör hålla ögonen på framöver.

Hans val att visa upp sitt artisteri inom regi och musikaliskt berättande är en virtuos uppvisning, med ständiga miljöombyten som rör sig från hemmet, genom skogar, över berg och ner i en gruva, samt in och ut ur olika medvetandeplan (kanske). Det är ett bevis på hans förmåga som både regissör och koreograf att han åstadkommer detta med sådan naturlighet och lätthet. Han stimulerar publikens fantasi att visualisera, förundras och tänka. Och vi tänker verkligen. Och i denna stad som han så färgstarkt manar fram, är det första vi faktiskt undrar: Var är alla kvinnorna?

Den mansdominerade värld som serveras oss saknar märkligt nog en kvinnlig motvikt: det dröjer långt in i föreställningen innan en enda kvinnlig gestalt något oväntat dyker upp och tar plats – här magnifikt spelad av den intensiva och energiska Grace Osborn, en skådespelerska jag länge beundrat och som, enligt undertecknad, förmodligen gör mest för att ge föreställningen det hjärta som dess klagande, enkla melodier så tydligt trånar efter.

Men trots hennes bästa ansträngningar är oddsen emot henne. Två par manliga vänner – Chris Jenkins världsvana och ansvarsfulla storebror Jake och hans suparkompis Chet (David Leopold), samt de yngre Joseph Peacocks Pete och Ryan Heenans Dusty – ger sig av på separata resor in i vildmarken för att nå den gruva som övergavs tio år tidigare efter en katastrof som dödade flera av deras fäder. Runt dem dyker en kör av fem avlidna fäder sporadiskt upp för att sjunga för oss, och en av dem, David Haydn, visar sig oftare som ingen mindre än Jim Bowie: hans son, den unge Pete, avgudar karaktärerna från sin favoritfilm 'Alamo' och tycks fantisera om att hans bortgångne far är honom (jag tror åtminstone att det är det som händer).

Om du redan nu känner dig känslomässigt engagerad i denna situation, finns det en god chans att du kommer gilla den här showen. Regissören gör det uppenbarligen. Han hämtar inspiration från ett starkt amerikanskt kulturarv, från Nathaniel Hawthornes noveller, den lyriska landsbygdstraditionens romanser eller Edgar Allan Poes mysterier, och berättelser om pojkar som söker fadersgestalter. Faktum är att den nästan uteslutande manliga miljön påminner om Melvilles filosofiskt och psykologiskt frågeställande historier. Men tänk på detta: när dessa författare berättar historier med främst män, förklarar de väldigt tydligt varför det är så, oftast genom miljövalet (ett skepp till sjöss, en armé i fält, och så vidare).

Om detta är något som triggar din fantasi, kommer föreställningen att rycka med dig på sin charmiga väg. Iliffe gör denna estetik mer än rättvisa i produktionen; han frossar i den. Men nyligen har vi i London sett andra dramer som utspelar sig i gruvstäder: de tre pjäserna av D. H. Lawrence på Dorfman; 'Wonderland' på Hampstead Theatre; och låt oss inte glömma 'Billy Elliot', som gick på Victoria Palace i åratal och fortfarande turnerar framgångsrikt. De flesta av dessa verk fokuserar lika mycket på kvinnorna som på männen. Jag tror att det finns många anledningar till det. Viktigast är kanske insikten hos de flesta författare att om de vill att publiken ska tro på deras karaktärer, så måste de visa dem så fullständigt som möjligt. Om så inte sker kan publiken misstänka att skaparna håller något tillbaka, och då blir de mindre benägna att identifiera sig med karaktärerna eller bry sig om vad som händer dem.

Du måste själv avgöra om du anser att så är fallet med denna pjäs eller ej. Oavsett vad du kommer fram till, kan du också fundera på vilken effekt det skulle ha på dig om du fick veta vad mödrarna, änkorna, systrarna, kusinerna eller flickvännerna till historiens hjältar hade att säga. Visst, det skulle göra det till en helt annan pjäs. Men det finns en flicka här, så: Var är alla (andra) kvinnor?