RECENSION: A Raisin in the Sun, Ethel Barrymore Theatre ✭✭✭✭

Raisin In The Sun

Ethel Barrymore Theatre

8 april 2014

4 stjärnor

Det händer ofta att folk lämnar teaterföreställningar i pausen. Det kan finnas många anledningar till det. I kväll gick över tjugo personer ut från nyuppsättningen av Raisin In The Sun som just nu spelas på Ethel Barrymore Theatre på Broadway. Samtliga som lämnade var vita och över 40 år. Några av dem fällde kommentarer som "Jag behöver inte se sådant där på scen" och "Vilken jävla skit". Fyra personer höll med om uttalandet: "Tillbaka till Florida där sån här sörja inte händer".

Ärligt talat.

Vi lever i 2014.

Lorraine Hansberrys Raisin In The Sun sattes upp för första gången på Broadway 1964. Hon var den första afroamerikanska kvinnan som tilldelades New York Drama Critics Circle Award. Hennes pjäs var en monumental prestation.

Det är den fortfarande.

Det finns väldigt få pjäser som skildrar afroamerikanernas liv i USA. Den här är fantastisk på alla sätt: intelligent, insiktsfull dialog; karaktärer som sjuder av eld och indignation, dumhet och stark ryggrad; en handling som aldrig riktigt går dit man tror; och framför allt, en sann skildring av kampen mellan assimilering, underkastelse och bejakandet av sitt ursprung.

Sett ur ett annat perspektiv finns det få pjäser som erbjuder så underbara kvinnliga karaktärer – kvinnor som råkar vara svarta. Men den här pjäsen har tre stycken, och var och en av dessa tre är en ren diamant.

Denna produktion är regisserad av Kenny Leon, mannen som senast regisserade pjäsen när den gick på Broadway. Men det här är en helt annan typ av uppsättning än den förra.

Pjäsen handlar om familjen Younger: farmodern, sonen och dottern, sonens fru, sonen själv och andra. Handlingen utspelar sig i en liten lägenhet i Chicago efter patriarkens död. Hur ska hans livförsäkringspengar användas? Vem ska bestämma? Kvinnorna i familjen eller mannen, den avlidnes son. Vad innebär beslutet för hela familjen? Vad händer när man följer sin dröm men den förvandlas till en mardröm? Hur förenar man kärlek med oförståelse?

Pjäsen hanterar stora teman, men i en liten, intim miljö. Familjen representerar dock ett mikrokosmos av afroamerikanska familjer över hela landet. Ska de följa matriarkatsmodellen eller anta en patriarkal modell i sympati med den vita befolkningen? Hur undflyr de effektivt slaveri i en ny form? Vad är skillnaden, om det finns någon, mellan att smälta in och att stå upp för sig själv?

Helt enkelt är det en fantastisk pjäs och det är svårt att förstå att den skrevs för 50 år sedan. Den känns relevant, fräsch och skrämmande pricksäker.

Allt med den här produktionen utstrålar stil. Mark Thompsons scenografi är utsökt nött och tidsenlig. Användningen av en rörlig scen, en som skjuter framåt mot framtiden och drar sig tillbaka mot det förflutna, är genialisk. Ann Roths kostymer framkallar på samma sätt en svunnen era.

Leon regisserar med nerv och skärpa. Varje uns av humor vrids ur karaktärerna och situationerna, men aldrig på ett nedlåtande sätt. Det är organiskt, sprrunget ur reaktionerna och handlingarna hos en verklig, kärleksfull familj.

De tre extraordinära kvinnorna utgör punkterna i en skarpt tecknad triangel. Oavsett hypotenusan så består sidorna av kärlek och plikt. Ömsom mörk, ömsom skir, resonerar triangeln som vore den en bärande stämma i en orkester.

Latanya Richardson Jackson är superb som Lena, familjens matriark. Barsk, förtjust och förtjusande – hon är storslagenheten personifierad; en urkraft, en varm, kärleksfull förälder och en beskyddare. Dessutom har hon komisk tajming och kan leverera en skarp observation. Det är svårt att inte önska att hon var ens egen farmor. Det är en prestation av enorm kraft och subtilitet.

Lika imponerande, ja kanske till och med mer så, är Sophie Okonedo som Ruth, hustrun till Lenas son. Från pjäsens allra första ögonblick, när hon är ensam på scenen med sina tankar – sammanbiten, tärd och trött av sina bördor – är denna Ruth en studie i pragmatism och förnuft. Okonedo är häpnadsväckande bra på varje punkt. Jag skulle ge henne en Tony Award nu direkt.

Anika Noni Rose är ljuvlig som Lenas dotter Beneatha, den blivande läkaren, som är vacker och har flera friare – en man som vill att hon ska assimileras i den vita kulturen och en annan som påminner henne om sanningen om hennes förfäder och vill väcka hennes känsla för sina rötter. Rose fångar denna konflikt vackert. Scenen där hon klär ut sig till en nigeriansk kvinna och dansar på traditionellt vis är verkligen underbar – men märkligt oroande på samma gång. Det borde inte vara möjligt att se så djupt in i en människas historia så lätt – eller borde det? Det är helt enkelt utsökt.

Som mannen som kämpar och vacklar mellan de tre kvinnorna i sitt hem är Denzel Washington förbluffande. Det finns en tungt svårmodig kvalitet i hans prestation som höjer sig över hans stjärnstatus; detta är en osminkad rolltolkning, ett modigt angrepp på vad en filmstjärna ska vara. Omväxlande vedervärdig, våldsam, elak och förkrossad är Washington föränderlig på ett dysfunktionellt sätt. Hans Walter Lee är den ultimata förloraren, en total katastrof – men han är också mänsklig, driven av ett behov av att bevisa sin manlighet. Genom att ta fram det inre barnet gör Washington skickligt Walter Lee till en helt begriplig, fullständigt oförlåtlig men märkligt sympatisk och bristfällig man. Han är andlöst bra.

Som den särskilt vidrige rasisten, om än i en sockerstötad fasad av gästfrihet, är David Cromer lysande och genuint hemsk. Hans scener med familjen när han försöker övertyga dem att inte flytta till Clybourne Park – där Lena har köpt ett hus eftersom de vita där har arbetat hårt för att få det samhälle de vill ha – är sådana som får det att krypa i skinnet. Cromer sätter rollen klockrent i två suveräna scener. Jag skulle ge honom en Tony också.

Sean Patrick Thomas gör den idealistiske Joseph, som vill att Beneatha ska följa med honom till Nigeria och arbeta som läkare där, till en livsbejakande och förståelig man. Hans rival, Jason Dirdens George, är lika effektiv: universitetskillen i vita skor och kostym, han som desperat vill passa in i det moderna vita Amerika. Båda skådespelarna får dessa exceptionella karaktärer att andas sanning och realism.

Hansberrys pjäs är ömsom varm och ömsom obekväm, och tvingar en att direkt reflektera över den afroamerikanska situationen och se dem som jämlikar – människor som lever, drömmer, lyckas och misslyckas precis som alla andra.

Det var en viktig pjäs 1964 och med tanke på reaktionerna från vissa i publiken i kväll är den precis lika viktig nu som då. Den antyder att jämlikhet och ärlighet är den sanna människans främsta verktyg – och de som kan eller vill argumentera mot det antagandet, ja, de är faktiskt inte värda att ens ägna en tanke.

En begåvad ensemble får en oerhört viktig pjäs att vibrera och skälva av glädje, fasa och det vardagliga livets brutalitet. Det är en fantastisk föreställning.