ĐÁNH GIÁ: Thérèse Raquin, Nhà hát Finborough ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman và Julie Atherton trong vở Thérèse Raquin tại Nhà hát Finborough, London. Ảnh: Darren Bell Thérèse Raquin tại Nhà hát Finborough, sắp chuyển sang Nhà hát Park

30 tháng 3 năm 2014

4 Sao

Kiệt tác văn học đầy lôi cuốn và khao khát của Émile Zola, Thérèse Raquin, dường như là một đề tài khó tin để chuyển thể thành nhạc kịch. Nhưng người ta cũng có thể nói như vậy về câu chuyện của Sweeney Todd, hay phần tiền truyện của Phù thủy xứ Oz, hoặc một pho sách của Victor Hugo. Sự thật là nếu bạn tìm thấy hình thức phù hợp, và quan trọng nhất là một nhà soạn nhạc đồng điệu với tác phẩm, thì bất cứ thứ gì cũng có thể trở thành nhạc kịch.

Hiện đang được trình diễn tại Nhà hát Finborough là một bản "chuyển thể táo bạo" dựa trên tác phẩm của Zola bởi Nona Shepphard, với phần âm nhạc của Craig Adams. Đây là một kiệt tác.

Mặc dù Zola là người ủng hộ chủ nghĩa tự nhiên trong văn học và sân khấu, nhưng cách tiếp cận ở đây không hoàn toàn theo lối tự nhiên đó, nói vậy không có nghĩa là các diễn viên không tìm kiếm sự thật và sự chân thành trong từng khoảnh khắc. Các tình tiết của tiểu thuyết đã được cắt gọt và cô đọng một cách khôn ngoan, đồng thời một dàn đồng ca gồm ba người phụ nữ được sử dụng để khám phá những suy nghĩ thầm kín của Raquin. Giống như một dàn đồng ca Hy Lạp, nhóm bè này quan sát, bình luận và ghi chú các hành động, suy nghĩ, tình huống của bốn nhân vật chính. Nhiều lần các nhân vật hát trực tiếp với khán giả, nhưng điều này chỉ nhằm làm tăng thêm hiệu quả cho những phân đoạn khi các nhân vật hát cho nhau nghe.

Có rất nhiều điểm chạm tinh tế cực kỳ hiệu quả: vở diễn bắt đầu bằng một chút tiếng Pháp rồi chuyển sang tiếng Anh; phân cảnh mở đầu làm nổi bật sự mổ xẻ y học khách quan về những gì xảy ra cũng như sự tập trung cao độ vào cảm xúc và tâm lý bên trong; hoạt cảnh mở đầu ngay lập tức xác lập tông màu u tối của tác phẩm, đồng thời khéo léo tạo ra một ấn tượng giả cho những ai chưa biết cốt truyện; chiếc khăn quàng lông thú của phu nhân được biến đổi gọn gàng thành con mèo yêu quý của bà và có sức sống riêng; Thérèse không hề thốt lên một lời nào trong một khoảng thời gian dài, nhưng khi cô cất tiếng, đó là một tiếng thét giải tỏa hoang dại, tuyệt vọng và đầy khoái cảm, không để lại chút nghi ngờ nào về những gì đang diễn ra trong bóng tối.

Âm nhạc phức tạp và khó cảm, nhưng hoàn toàn mê hoặc. James Simpson đã làm một công việc phi thường khi thổi hồn vào bản phối trên đàn piano, nhưng bất chấp kỹ năng chơi phím đáng nể của anh, người ta vẫn không khỏi khao khát một bản phối khí có sự tham gia của dàn dây, bộ gõ và bộ hơi. Đây là một bản nhạc sẽ thực sự thăng hoa dưới bàn tay của một nhà phối khí tài năng.

Gần gũi với Stravinsky hơn là Sondheim, với Guettel hơn là Gershwin, với Rutherford hơn là Rodgers, với Berlioz hơn là Berlin, âm nhạc ở đây không dành cho những ai muốn một vở nhạc kịch mà họ có thể ngâm nga trên đường về nhà bằng tàu điện ngầm. Nó cũng không dành cho những người tìm kiếm những tiết mục dàn dựng hoành tráng với những điệu nhảy tap và sự hào nhoáng.

Không. Mục đích của bản nhạc ở đây hoàn toàn tập trung vào việc soi sáng cốt truyện và nhân vật, xây dựng tâm trạng, sự căng thẳng và tính gợi dục, thúc đẩy và tiếp thêm sức sống cho các nhân vật trung tâm. Và nó thực hiện điều này một cách cực kỳ khéo léo, dù là qua các phân đoạn Highly Respectable Orgy (liên quan đến bài domino, trà và chuyện phiếm), hay Sweet Perfume of Violets (sự suy sụp của Laurent giữa các xác chết trong nhà xác) hay If I Had Known (khúc bi ca cuối cùng của Thérèse và Laurent) cùng vô số khoảnh khắc âm nhạc đáng nhớ khác.

Việc dàn diễn viên tài năng có thể xử lý và truyền tải được bản nhạc này là một điểm cộng - với đam mê, âm sắc tuyệt vời và khả năng cảm âm xuất sắc đối với những hợp âm và sự chuyển điệu bất ngờ. Họ là một niềm vui để lắng nghe ngay cả khi âm nhạc không phải lúc nào cũng vui tươi.

Julie Atherton là một diễn viên đầy nội lực nhưng tôi chưa bao giờ thấy cô ấy diễn hay và nhập tâm hoàn toàn vào vai diễn như khi cô làm Thérèse ở đây. Cường độ u uất mà cô mang lại trong một phần ba đầu của vở diễn, khi cô không nói một lời, thật đáng kinh ngạc và cảm giác bị mắc kẹt, bất hạnh tột cùng của cô có thể cảm nhận rõ rệt. Sự thèm khát của cô dành cho Laurent, sự ghê tởm đối với Camille, nỗi sợ hãi và sự bực bội với Phu nhân – tất cả đều được truyền tải đồng thời một cách đầy thôi thúc. Ánh mắt cô khi lần đầu nhìn thấy Laurent cho bạn biết chính xác điều gì sắp xảy ra. Sự tương phản giữa nỗi đau khổ của cô trước khi đến với Laurent và hạnh phúc cuồng nhiệt sau đó thật mê hoặc. Cô không mắc một sai lầm nào và hát với sự rõ ràng, âm vực rộng thực sự gây phấn khích.

Laurent của Ben Lewis với hình thể tuyệt vời và giọng hát lộng lẫy đã bắt kịp cường độ và sự tận tâm của Atherton dành cho tác phẩm. Anh cũng im lặng và cau có trong một thời gian dài, và màn giới thiệu thông qua Camille đã cho anh thời gian để tạo nên một nhân vật có chiều sâu. Những cảnh diễn chung với Atherton thật kỳ diệu, nhưng bản solo của anh khi tìm kiếm cái xác của Camille trong nhà xác cũng ấn tượng không kém. Có một sự cam kết trọn vẹn xuyên suốt: với sự bạo lực, tình dục, sự ám ảnh của Camille, việc rơi vào sự buông thả mù quáng và sau đó là bản song ca quyết định cuối cùng chấm dứt cuộc tình của họ. Lewis là một nam chính xuất sắc và ở đây anh đã bị đẩy tới những giới hạn của mình, cả về mặt diễn xuất lẫn giọng hát, và đã giành chiến thắng đầy thuyết phục.

Vào vai kẻ bạc nhược khó ưa và hèn hạ Camille, Jeremy Legat đã thể hiện một cách xấu xa đầy thú vị. Cầu kỳ và kiêu ngạo, anh đã thổi hồn vào nhân vật nhạt nhẽo nhất này, thậm chí tạo ra được một chút đồng cảm. Anh hát tốt và đặc biệt ấn tượng trong những lần xuất hiện sau khi bị chết đuối: rất khó để làm cho những hồn ma hiện hình trở nên gây sốc hay chân thực, nhưng Legat đã làm được điều đó. Và mối quan hệ tuyệt vời của anh với mẹ mình, Phu nhân, được khắc họa chi tiết và hoàn toàn thuyết phục.

Tara Hugo không gặp khó khăn gì khi thể hiện những thái cực tạo nên Phu nhân: sự trịnh trọng cứng nhắc; sự tôn thờ mù quáng dành cho Camille; sự thượng đẳng và khinh khỉnh đối với mọi người ngoại trừ Camille; tình yêu dành cho con mèo; sự hân hoan khi buôn chuyện với hội chơi domino; sự tan nát khi mất đi Camille; sự tê liệt khi biết được sự thật; và sự độc địa trong ánh mắt khi bà nhìn chằm chằm vào những kẻ đã đánh cắp hạnh phúc của mình. Bà diễn vai này bằng sự say mê, phong cách và kỹ năng thượng thừa. Tuy nhiên, về mặt giọng hát, bà chưa đáp ứng được những yêu cầu cực kỳ khắt khe của vai diễn, và mặc dù điều này không làm hỏng vở diễn, nhưng nó cũng không để vai diễn này thăng hoa được như mong đợi.

Finborough là một không gian nhỏ bé nhưng thiết kế sân khấu thông minh và sáng tạo của Laura Cordery đã tận dụng tối đa không gian, thiết lập hiệu quả bối cảnh thời đại, địa điểm và cảm giác tập trung mãnh liệt vào cảm xúc mà tác phẩm của Zola hướng tới. (Tôi đặc biệt thích khung cửa sổ biến thành giá vẽ của họa sĩ.) Ánh sáng của Neil Fraser cũng rất tuyệt vời và đóng góp không nhỏ vào trải nghiệm chung.

Thành tựu của Nona Shepphard ở đây thực sự đáng kinh ngạc: đây là một buổi ra mắt chấn động của một tác phẩm mới. Tại sao nó không được diễn tại Nhà hát Quốc gia (National Theatre) vẫn là một trong những bí ẩn của cuộc đời.