ANMELDELSE: Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14. oktober 2015

4 stjerner

Bestil billetter

Betydningen af fremragende scenedesign bliver ofte overset, især i stykker drevet af store navne eller teateroplevelser, hvor man formoder, at publikum kommer af andre årsager end en tørst efter scenekunstnerisk kvalitet. Men indimellem bliver designet så afgørende en del af forestillingens succes, at man undrer sig over, hvordan skuespil og musicals overhovedet kan forsøges uden den bedst mulige, oplysende scenografi. Blandt nyere eksempler kan nævnes Bob Crowleys forbløffende scenografi til Carey Mulligan/Bill Nighy-stykket Skylight, Justin Nardellas indsigtsfulde design til London-debuten af Casa Valentina og Robert Howells herlige arbejde på Matilda.

Det samme gør sig gældende med Beowulf Boritts bemærkelsesværdige design til Roundabouts opsætning af Thérèse Raquin – en ny dramatisering af Helen Edmundson baseret på Émile Zolas berømte roman, som nu spiller på Studio 54 under instruktion af Evan Cabnet. Boritts design er en integreret del af forestillingens følelsesmæssige og dramatiske kerne; uden det ville denne opsætning sandsynligvis føles tam og uvirksom.

Boritt udnytter rummet sensationelt her. Til tider blottes hele scenens omfang – højde, dybde og bredde – hvilket på vidunderlig vis symboliserer verdens frihed. Scenegulvet strækker sig halvvejs ind i dybden, hvor det møder vand, der løber i hele scenens bredde. Vandet repræsenterer flugt, natur og renselse. Dets konstante tilstedeværelse er lokkende, og man længes efter at plaske og svømme i det.

Fire høje søjler indrammer den ene side af scenen og antyder, med en næsten umulig finhed, indespærring, undertrykkelse og fangenskab. Set fra én vinkel minder scenen om et vindue til verden fra et låst tårn – måske et abstrakt billede af den udsigt, som Rapunzel dagligt må have stirret ud på.

Projektioner ændrer med jævne mellemrum scenariet. Den mest imponerende, og næsten kvælende overvældende, er en fortolkning af Monets berømte åkander (eller rettere, én af dem). Billedet er øjeblikkeligt genkendeligt; umiskendeligt fransk, følelsesladet og sanseligt. Men farvepaletten er uvant – brune og gyldne nuancer, som et sepia-billede af Monets værk tilsat kraftfulde farver. Det er hjemsøgende atmosfærisk.

Derefter sænkes huset, hvor Thérèse Raquin bor, ned på scenen. Det er mørkt, gammeldags, indelukket og rodet. De to rum, vi ser, virker forsvindende små mod det store, frie rum. Der er lavt til loftet – fornemmelsen af at være indespærret, fanget i et bur omgivet af forfald, er til at tage og føle på. Man føler næsten, hvordan ens eget åndedræt snører sig sammen af frygt for at indånde fortidens støv, der hvirvler frit i de stuer.

Boritts scenografi er så veltalende, at den sparer siders dialog. Der er ingen grund til at dvæle ved den situation, hovedpersonen befinder sig i ved stykkets begyndelse. Blot det at se hende i det store, åbne rum og kontrastere det med spændingen i Madame Raquins trange hjem – en ondsindet og kontrollerende matriark af værste skuffe – etablerer tydeligt Thérèses desperate situation.

Tvunget til at bo hos sin tante og arbejde i hendes butik efter faderens død, er Thérèse selve billedet på elendighed. Hun ønsker at flygte fra tanten og hendes nidkære krav for at opleve livet, men fattigdom og samfundets misbilligelse holder hende på plads. Tanten overøser sin forkælede, irriterende og hypokondriske søn, Camille, med opmærksomhed og penge, og til sidst besegles Thérèses skæbne: Hun bliver gift med Camille i en kærlighedsløs forening, der bringer ulykke til dem begge.

Livets tanketomme gentagelser, herunder de faste kortaftener hver torsdag med Madames småfornemme venner, bringer Thérèse til randen af vanvid. Så møder hun Laurent, en gammel ven af Camille, der nu arbejder sammen med ham ved jernbanen. Laurent og Thérèse indleder en lidenskabelig affære, drevet af en gensidig desperation. Med Laurent føler Thérèse sig for første gang i sit liv for alvor i live.

Deres stævnemøder finder sted på Thérèses værelse, når Laurent kan snige sig tidligt fra arbejde. Men da Laurents chef sætter en stopper for hans tidlige fyraften, bliver de to elskende desperate efter at finde en måde at få hinanden på. Drevet af deres umættelige behov bliver de enige om at myrde Camille, så de kan blive gift. De drukner ham, men inden han dør, bider Camille Laurent i halsen.

Alt imens såret på halsen går i betændelse, visner båndet mellem Laurent og Thérèse også, da de begge hjemsøges af det, de har gjort mod Camille. Skyld og frygt forvandler deres lidenskab til en farlig disharmoni. Madame får et slagtilfælde og bliver lammet, da hun overhører duoen diskutere mordet på hendes elskede søn. Lænket til en kørestol, hvor kun hendes øjne kan bevæge sig, holder Madames vagtsomme og vidende blik Thérèse og Laurent på en knivsæg. Døden viser sig at være den eneste udvej, de kan acceptere.

Cabnets klare og skarpsindige instruktion er for det meste solid, og der er lagt vægt på produktionens visuelle aspekter, hvilket gør den til noget særligt. Thérèse alene på en klippe, overvejende flugt; det klodsede, næsten amatøragtige mord på Camille efterfulgt af billederne af de gennemblødte elskende, forpustede på landejorden; Madames hånd, der sniger sig ind i synsfeltet, netop som slagtilfældet rammer hende; den rastløse fornemmelse af, at Camilles ånd har besat soveværelset, hvor de bedrog ham. Ved at bruge stilheden lige så ekspressivt som lyden, leder Cabnet en produktion, der er rig på detaljer og utroligt intens at opleve.

Den eneste reelle mangel er en tydeligere fornemmelse af den begærsdrevne lidenskab mellem Thérèse og Laurent. Da deres seksuelle behov for hinanden er så intenst, at mord er en mere gangbar løsning end at undvære hinanden, gør Cabnet intet reelt forsøg på at formidle dette. Der er ingen scener, hvor tøjet rives af, ingen nøgenhed, ingen fornemmelse af de gentagne, tvangsprægede kødelige møder. Affæren skildres nok, men på en meget korrekt og knappet måde, hvilket mærkeligt nok undergraver plottets styrke.

Der er til gengæld intet at udsætte på castingen. Judith Light er i sensationel form som den manipulerende Madame og formår at lade giften dryppe fra ethvert hjælpsomt forslag eller smilende nik. Efter slagtilfældet er Lights præstation intet mindre end tryllebindende; det er svært at tage øjnene fra hendes ekspressive ansigt og talende øjne, der udstråler følelser. Scenen, hvor hun forsøger at stave til mordet på sin søn med et alfabet, er absolut nervepirrende. Det er en fænomenal præstation.

Gabriel Ebert er passende modbydelig som den sleske og uudholdelige kedelige Camille. Han får det til at løbe koldt ned ad ryggen på én, præcis som han må have fået det til hos Thérèse. Det er fascinerende at se på, for på trods af karakterens mangler formår Ebert at navigere rollen således, at mordet på ham bliver oprigtigt chokerende og rørende. Tanken om Camille, som Ebert tegner den, står så stærkt, at de hjemsøgte sekvenser vibrerer med en snigende kraft.

Matt Ryan er ekstremt attraktiv som Laurent, og man har ingen svært ved at forstå Thérèses overvældende begær. Det skyldes ikke kun Ryans fysiske fremtoning, men måden han gør karakteren indsmigrende, forførende og en smule, på en spændende måde, farlig. Det er en fantastisk velovervejet og meget maskulin præstation, der står i skarp kontrast til Eberts perfekt ramte ”mors dreng”.

Der er også fremragende biroller af Jeff Still og David Patrick Kelly. Især Kelly får det maksimale ud af et afgørende vendepunkt og skaber et iskoldt øjeblik af ren panik, da hemmeligheden om mordet på Camille ser ud til at blive afsløret.

Men stykkets tunge læs bæres af skuespillerinden i rollen som Thérèse – her Kiera Knightley, der her får sin længe ventede Broadway-debut efter tidligere at have optrådt to gange i West End. Hendes filmerfaring hjælper hende enormt her; hun kan lade et tavst blik sige mere end tusind ord og mestrer at skabe visuelle billeder med utrolig slagkraft. Hun er tavs i store dele af stykket, men hun falder aldrig i baggrunden af den grund.

Hun griber enhver chance, uanset om hun går bag Camille ved havet, tager kampen op mod Madame eller lader sig beruse af Laurents nærvær. Og når hun endelig taler, vægter hun hvert ord, hvilket giver en lyrisk skønhed til mange passager og en træt, ydmyget frygt til andre. Thérèses endelige sammenbrud er fejlfrit eksekveret og virkelig imponerende.

Jane Greenwood har skabt exceptionelle kostumer, de fleste i nuancer af sort, grå eller brun, som komplementerer paletten i Boritts scenografi. Hatten af for Keith Parhams ekstraordinære lysdesign, der skifter gennem hele følelsesskalaen: mørkt, koldt lys; varmt, lystent lys; kvælende varme; blide stråler af frihed og den grå tone, der indfinder sig, når alt er håbløst. Det er sjældent at opleve lys, der er så følelsesmæssigt afstemt som Parhams her. Det er en stor bedrift. Josh Schmidts originale kompositioner understøtter effektivt forestillingens emotionelle gennemslagskraft.

Zola skrev en formidabel psykologisk thriller, og Edmundsons dramatisering er tro mod hans hensigt – lige dele øm og rædselsvækkende. Cabnets førsteklasses ensemble gør et flot stykke arbejde med at levendegøre de mange sammenflettede tråde og skabe en kraftfuld teateroplevelse. Man kunne have ønsket sig mere fokus på den kødelighed, der besegler Thérèses og Laurents (og Camilles) skæbne, men set i lyset af det vidunderlige skuespil, scenografien, kostumerne og lyset, vil ingen føle sig snydt.

Thérèse Raquin spiller på Studio 54 frem til den 3. januar 2016