ANMELDELSE: Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14. oktober 2015

4 stjerner

Bestill billetter

Betydningen av god scenografi blir ofte oversett, særlig i produksjoner bygget rundt store stjerner eller teateropplevelser der man antar at publikum kommer for alt annet enn den sceniske helheten. Men av og til blir designet en så avgjørende del av suksessen at man lurer på hvordan skuespill og musikaler i det hele tatt kan settes opp uten den mest lysende scenografien tilgjengelig. Nylige eksempler inkluderer Bob Crowleys utrolige sett for Carey Mulligan/Bill Nighy-oppsetningen av Skylight, Justin Nardellas innsiktsfulle design for London-debuten av Casa Valentina, og Robert Howells herlige arbeid på Matilda.

Det samme gjelder Beowulf Boritts bemerkelsesverdige design for Roundabouts produksjon av Thérèse Raquin. Dette er en ny dramatisering av Helen Edmunson basert på Émile Zolas berømte roman, som nå spilles på Studio 54 i regi av Evan Cabnet. Boritts scenografi er en integrert del av produksjonens følelsesmessige og dramatiske nerve; uten den kunne forestillingen fort ha virket tam og kraftløs.

Boritt utnytter rommet på sensasjonelt vis. Innimellom er scenens fulle omfang eksponert – både i høyde, dybde og bredde – noe som på nydelig vis symboliserer verdens frihet. Gulvet strekker seg halvveis inn på scenen der det møter vann som renner langs hele scenens lengde. Vannet representerer flukt, natur og renselse. Dets konstante tilstedeværelse er forlokkende, og man får nesten lyst til å kaste seg uti og svømme.

Fire høye søyler rammer inn den ene siden av scenen og antyder på en utrolig delikat måte begrensning, undertrykkelse og fangenskap. Sett fra én vinkel kan scenen virke som et vindu mot verden fra et låst tårn – en abstrakt versjon av utsikten Rapunsel kanskje stirret på hver dag.

Projeksjoner endrer utsikten fra tid til annen. Den mest imponerende, og nesten kvelende overveldende, er en tolkning av Monets berømte vannliljer. Bildet er umiddelbart gjenkjennelig; unektelig fransk, emosjonelt og sanselig. Men paletten er uvant – i brunt og gull, som et sepia-bilde av Monets verk tilført en voldsom fargekraft. Det er hjemsøkende atmosfærisk.

Deretter flys huset der Thérèse Raquin bor inn. Det er mørkt, gammeldags, støvete og trangt. De to rommene vi ser virker bittesmå mot det åpne frihetsrommet. Det er lavt under taket – følelsen av å være innesperret i et bur, omgitt av forfall, er til å ta og føle på. Man føler nesten at pusten snører seg sammen av frykt for å puste inn støvet fra fortiden som virvler fritt i disse rommene.

Boritts sett er så veltalende at det sparer oss for sider med dialog. Det er ikke nødvendig å forklare situasjonen tittelfiguren befinner seg i når sceneteppet går opp. Bare det å se henne i det enorme åpne rommet, i kontrast til spenningen i det trange hjemmet til Madame Raquin – en like kontrollerende og ondskapsfull maktfigur som man kan finne i moderne litteratur – etablerer tydelig hvor desperat Thérèses situasjon er.

Etter farens død blir Thérèse tvunget til å bo hos tanten og jobbe i butikken hennes, og hun er selve symbolet på ulykke. Hun ønsker å flykte fra tanten og hennes strenge krav for å oppleve livet, men fattigdom og samfunnets fordømmelse holder henne på plass. Tanten øser all sin oppmerksomhet og penger over sin bortskjemte, irriterende og hypokondriske sønn, Camille. Til slutt besegles Thérèses skjebne: hun giftes bort til Camille, en kjærlighetsløs union som bringer ulykke for dem begge.

Det tankeløse mønsteret og gjentakelsene i hverdagen hennes, inkludert kortkvelder hver torsdag med Madames litt pretensiøse venner, driver Thérèse til randen av vanvidd. Så møter hun Laurent, en gammel venn av Camille som nå jobber med ham ved jernbanen. Laurent og Thérèse innleder en lidenskapelig affære, begge desperate etter hverandre. Når hun er med Laurent, føler Thérèse seg levende for første gang i sitt liv.

De møtes på Thérèses rom hver gang Laurent kan snike seg tidlig fra jobb. Men når Laurents sjef nekter ham å gå tidlig, blir de to elskerne desperate etter å finne en måte å være sammen på permanent. Drevet av sitt umettelige behov beslutter de å myrde Camille slik at de kan gifte seg. De drukner ham, men før han dør, biter Camille Laurent i nakken.

Ettersom såret i nakken verker, surner også båndet mellom Laurent og Thérèse, da begge hjemsøkes av det de har gjort mot Camille. Skyldfølelse og frykt forvandler lidenskapen deres til en farlig disharmoni. Madame får et slag og blir lammet når hun overhører duoen diskutere drapet på hennes elskede Camille. Lenket til en rullestol, med bare øynene i bevegelse, holder Madames vaktsomme og dømmende blikk Thérèse og Laurent på kanten av stupet. Døden viser seg å være den eneste utveien de kan akseptere.

Cabnets klare og skarpe regi er solid hele veien, med en vektlegging av det visuelle som gjør dette til noe spesielt. Thérèse alene på en stein mens hun grubler på flukt; det keitete og nesten klønete drapet på Camille, etterfulgt av bildene av de gjennomvåte elskerne som hiver etter pusten på tørt land; Madames hånd som kryper til syne idet slaget rammer henne; den rastløse følelsen av Camilles ånd som besetter soverommet der de bedro ham. Ved å bruke stillhet like uttrykksfullt som lyd, leder Cabnet en produksjon rik på detaljer og utrolig intens å oppleve.

Den eneste virkelige mangelen er en tydeligere formidling av den begjærsdrevne lidenskapen mellom Thérèse og Laurent. Gitt at deres seksuelle behov for hverandre er så intenst at drap er mer aktuelt enn å unnvære hverandre, gjør ikke Cabnet noe reelt forsøk på å formidle dette. Det er ingen scener der klærne rives av, ingen nakenhet, ingen følelse av gjentatte, tvangsmessige kjødelige møter. Affæren blir skildret, men på en svært tilkneppet måte, noe som merkelig nok undergraver historiens kraft.

Besetningen er det ingenting å utsette på. Judith Light er i sensasjonell form som den manipulerende Madame, og hun formidler en tydelig følelse av gift som drypper fra hvert eneste forslag eller smilende nikk. Etter hjerneslaget er Lights prestasjon trollbindende; det er umulig å ikke stirre på hennes uttrykksfulle ansikt og talende øyne som utstråler følelser. Scenen der hun prøver å stave seg frem til sønnens drap ved hjelp av en alfabetplate, er nervepirrende. Dette er en fenomenal prestasjon.

Gabriel Ebert er akkurat passe gyselig som den sleipe og uutholdelige kjedelige Camille. Han får det til å gå kaldt nedover ryggen på deg, slik han må ha gjort for Thérèse. Det er fascinerende å se på, for til tross for alt som er fælt med karakteren, klarer Ebert å navigere rollen slik at når han blir myrdet, er det genuint sjokkerende og gripende. Tanken på Camille som Ebert tegner opp er så uutslettelig at de hjemsøkende sekvensene vibrerer med en snikende kraft.

Matt Ryan er ekstremt tiltrekkende som Laurent, og man har ingen problemer med å forstå Thérèses overveldende begjær. Det er ikke bare Ryans fysiske skjønnhet, men måten han gjør karakteren inntagende, forførende og litt spennende farlig på. Det er en fantastisk veloverveid og maskulin prestasjon som står i sterk kontrast til Eberts perfekt utførte «mors lille gutt».

Det er også utmerkede biroller fra Jeff Still og David Patrick Kelly. Spesielt Kelly får mye ut av et viktig vendepunkt, og skaper et iskaldt øyeblikk av ren panikk når hemmeligheten om Camilles drap ser ut til å bli avslørt.

Men stykkets tyngste løft hviler på skuldrene til skuespilleren som spiller Thérèse, her Keira Knightley, som gjør sin Broadway-debut etter å ha gjestet West End to ganger. Erfaringen fra film kommer Knightley til gode her – hun kan få et stille blikk til å si mer enn tusen ord og mestrer det å skape visuelle bilder med voldsom kraft. Hun er stille i store deler av stykket, men havner aldri i bakgrunnen av den grunn.

Hun utnytter enhver mulighet, enten hun går bak Camille ved havet, tar et oppgjør med Madame eller blir beruset av Laurents tilstedeværelse. Og når hun først snakker, får hun hvert ord til å telle; hun gir en lyrisk skjønnhet til mange partier og en trett, ydmyket frykt til andre. Thérèses endelige sammenbrudd er mesterlig utført og virkelig imponerende.

Jane Greenwood står for eksepsjonelle kostymer, for det meste i nyanser av svart, grått eller brunt, som plukker opp paletten i Boritts scenografi. Keith Parham fortjener også ros for et ekstraordinært lysdesign som skifter i takt med den emosjonelle skalaen: mørkt, kaldt lys; varmt, lystent lys; lunt, kvelende lys; milde stråler av frihet og det grå som kommer når alt er håpløst. Det er sjelden man opplever lys som er så følelsesmessig finstemt som Parhams arbeid her. Det er en bragd. Josh Schmidts originalmusikk forsterker effektivt produksjonens emosjonelle tyngde.

Zola skrev en fantastisk psykologisk thriller, og Edmundsons dramatisering er tro mot hans hensikt – like øm som den er skremmende. Cabnets stjernelag av skuespillere gjør en strålende jobb med å levendegjøre de mange sammenflettede trådene, og gjør dette til en kraftfull teateropplevelse. Det kunne vært mer fokus på det kjødelige begjæret som besegler skjebnen for Thérèse og Laurent (og Camille), men gitt det fantastiske skuespillet, scenografien, kostymene og lyset, vil ingen føle seg snytt.

Thérèse Raquin spilles på Studio 54 fram til 3. januar 2016