RECENSION: Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14 oktober 2015

4 stjärnor

Boka biljetter

Betydelsen av skicklig scenografi glöms ofta bort, särskilt när det gäller publikdragare där man tar för givet att publiken kommer för stjärnglansen snarare än en hunger efter scenkonstnärlig perfektion. Men då och då blir designen en så avgörande del av helhetsupplevelsen att man undrar hur pjäser och musikaler ens kan sättas upp utan den mest briljanta och belysande scenografi. Exempel från senare tid är Bob Crowleys häpnadsväckande scenbygge för Skylight med Carey Mulligan och Bill Nighy, Justin Nardellas insiktsfulla design för London-debuten av Casa Valentina, och Robert Howells förtjusande arbete med Matilda.

Samma sak gäller Beowulf Boritts anmärkningsvärda design för Roundabouts uppsättning av Thérèse Raquin – en ny dramatisering av Helen Edmunson baserad på Émile Zolas berömda roman – som nu spelas på Studio 54 i regi av Evan Cabnet. Boritts design är en integrerad del av produktionens emotionella och dramatiska struktur; utan den hade föreställningen riskerat att bli både blek och verkningslös.

Boritt utnyttjar rummet på ett sensationellt sätt. Ibland blottas hela scenens vidd – höjd, djup och bredd – vilket läckert symboliserar världens frihet. Scengolvet sträcker sig halvvägs bakåt där det möter vatten som löper längs med hela scenöppningen. Vattnet representerar flykt, natur och rening. Dess ständiga närvaro är frestande och man får nästan lust att slänga sig i.

Fyra höga pelare ramar in ena sidan av scenen och antyder på ett otroligt finkänsligt sätt begränsning, förtryck och fångenskap. Sedd ur en viss vinkel kan scenen liknas vid ett fönster mot världen från ett låst torn – en abstrakt bild av den utsikt Rapunzel kan ha blickat ut över varje dag.

Projektioner förändrar vyn då och då. Den mest imponerande, nästan kvävande överväldigande, är en parafras på Monets berömda näckrosor. Bilden är omedelbart igenkännbar; otvetydigt fransk, känslosam och sensuell. Men färgpaletten är annorlunda – bruna och gyllene toner, som en sepiabild av Monets verk där starka färger lagts till. Det är gripande stämningsfullt.

Sedan hissas huset där Thérèse Raquin bor ner på scenen. Det är mörkt, gammaldags instängt och belamrat. De två rummen vi ser verkar mycket små mot den stora fria ytan. Takhöjden är låg – känslan av att vara instängd och omgiven av förfall är påtaglig. Man känner nästan hur andningen blir ytlig, av rädsla för att andas in det förgångnas damm som virvlar så fritt i dessa rum.

Boritts scenografi är så talande att den sparar in sidvis av dialog. Det finns inget behov av att överförklara den situation som titelkaraktären befinner sig i när ridån går upp. Att bara se henne i det enorma öppna rummet och kontrastera det mot stämningen i Madame Raquins trånga hem – en matriark så kontrollerande och illvillig som någon i den moderna litteraturen – etablerar tydligt Thérèses desperata belägenhet.

Tvingad att bo hos sin faster och arbeta i hennes butik efter faderns död, är Thérèse en bild av misär. Hon vill fly från fasterns minutiösa krav och uppleva livet, men fattigdom och samhällets ogillande håller henne på plats. Hennes faster slösar all sin uppmärksamhet och sina pengar på sin bortskämda, irriterande och hypokondriska son, Camille, och till slut beseglas Thérèses öde: hon gifts bort med Camille i en kärlekslös förening som gör dem båda olyckliga.

Livets sinnesslöa upprepningar, inklusive torsdagarnas kortspel med Madames smått pretentiösa vänner, driver Thérèse till vanvettets rand. Så möter hon Laurent, en gammal vän till Camille som nu arbetar med honom vid järnvägen. Laurent och Thérèse inleder en passionerad affär, båda desperata efter varandra. Med Laurent känner sig Thérèse levande på riktigt för första gången i sitt liv.

De träffas i Thérèses rum så snart Laurent kan smita från jobbet. Men när Laurents chef stoppar hans möjligheter att gå tidigt, blir de båda älskande desperata efter att få äga varandra helt. Drivna av ett omättligt behov kommer de överens om att mörda Camille så att de kan gifta sig. De dränker honom, men innan han dör lyckas Camille bita Laurent i halsen.

Alltmedan såret på halsen varar, sargas även bandet mellan Laurent och Thérèse, då båda hemsöks av vad de gjort mot Camille. Skuld och rädsla förvandlar deras passion till en farlig disharmoni. Madame drabbas av en stroke och blir förlamad efter att ha tjuvlyssnat på när duon diskuterar mordet på hennes älskade Camille. Bunden till en rullstol, där endast ögonen kan röra sig, håller Madames vaksamma och anklagande blickar Thérèse och Laurent på en knivskarp avgrundskant. Döden visar sig vara den enda flykt de kan acceptera.

Cabnets tydliga och skarpsinniga regi är för det mesta stabil, och det finns en tonvikt på visuella aspekter som gör produktionen till något speciellt. Thérèse ensam på en klippa, längtande efter flykt; det klumpiga, nästan inkompetenta mordet på Camille följt av bilderna på de genomblöta älskarna, flämtande på torra land; Madames hand som kryper in i bild just som stroken lamslår henne; den rastlösa känslan av Camilles ande som intagit sovrummet där Thérèse och Laurent bedrog honom. Genom att använda tystnad lika uttrycksfullt som ljud, leder Cabnet en produktion som är rik på detaljer och otroligt spänningsfylld.

Den enda egentliga bristen är en tydligare känsla av den lustfyllda passionen mellan Thérèse och Laurent. Med tanke på att deras sexuella behov av varandra är så intensivt att mord framstår som mer rimligt än att vara utan varandra, lyckas Cabnet inte riktigt förmedla den kraften. Det finns inga scener där de sliter kläderna av varandra, ingen nakenhet, ingen känsla av det tvångsmässiga köttsliga mötet. Affären skildras, ja, men på ett väldigt stramt sätt, vilket märkligt nog undergräver tyngden i handlingen.

Rollbesättningen finns det inget att anmärka på. Judith Light är i sensationell form som den manipulativa Madame; giftet dryper om varje litet råd eller leende. Efter stroken är Lights prestation direkt hypnotisk – det är svårt att slita blicken från hennes uttrycksfulla ansikte och talande ögon. Scenen där hon försöker stava ut mordet på sin son med hjälp av ett alfabet är fullkomligt nagelbitande. Det är en fenomenal rolltolkning.

Gabriel Ebert är precis så sliskig och odräglig som den outhärdliga tråkmånsen Camille. Han får det att krypa i huden på en, precis som det måste ha gjort på Thérèse. Det är fascinerande att se, för trots karaktärens alla usla sidor lyckas Ebert navigera honom så att mordet blir genuint chockerande och berörande. Den bild av Camille som Ebert målar upp är så outplånlig att de hemsökta sekvenserna vibrerar av en olycksbådande kraft.

Matt Ryan är extremt karismatisk som Laurent, och man har inga svårigheter att förstå Thérèses överväldigande åtrå. Det handlar inte bara om Ryans utseende, utan om hur han gör karaktären smygande, intagande och spännande farlig. Det är en fantastiskt väl avvägd, maskulin prestation som står i skarp kontrast till Eberts perfekt porträtterade mammas pojke.

Vi ser också utmärkta insatser av Jeff Still och David Patrick Kelly. I synnerhet Kelly gör det mesta av en nyckelscen och skapar ett iskallt ögonblick av ren panik när hemligheten bakom Camilles mord ser ut att avslöjas.

Men pjäsens tunga lass vilar på axlarna hos skådespelerskan som spelar Thérèse, här Keira Knightley, som gör sin efterlängtade Broadway-debut efter att ha spelat på West End två gånger tidigare. Knightleys erfarenhet från filmvärlden hjälper henne enormt här – hon kan få en tyst blick att säga mer än tusen ord och hon är trygg i att skapa visuella bilder med enorm kraft. Hon är tyst under stora delar av pjäsen, men för den sakens skull inte det minsta i bakgrunden.

Hon tar vara på varje tillfälle, oavsett om hon går bakom Camille vid havet, konfronterar Madame eller berusas av Laurents närvaro. Och när hon väl talar får hon varje ord att räknas; hon ger en lyrisk skönhet till vissa stycken och en trött, förödmjukad rädsla till andra. Thérèses slutgiltiga sammanbrott är minutiöst avvägt och djupt imponerande.

Jane Greenwoods kostymer är exceptionella, de flesta i nyanser av svart, grått eller brunt som plockar upp färgerna i Boritts scenografi. En eloge till Keith Parham för en extraordinär ljusdesign som skimrar genom hela känsloskalan: mörkt, kallt ljus; hett, åtråfyllt ljus; varmt, kvävande ljus; mjuka strålar av frihet och det gråa som infinner sig när allt är hopplöst. Det är sällsynt att uppleva ljussättning som är så känslomässigt synkroniserad som Parhams här. Det är en stor bedrift. Josh Schmidts originalmusik förstärker effektivt produktionens emotionella genomslag.

Zola skrev en fantastisk psykologisk thriller och Edmundsons dramatisering är trogen hans vision – lika ömsint som skräckinjagande. Cabnets förstklassiga ensemble gör ett strålande jobb med att levandegöra de sammanflätade trådarna och skapa en kraftfull teaterupplevelse. Den hade kunnat tjäna på mer fokus på den köttsliga lust som blir Thérèses och Laurents (och Camilles) undergång, men med tanke på det fantastiska skådespeleriet, scenografin, kostymerna och ljuset bör ingen gå därifrån missnöjd.

Thérèse Raquin spelas på Studio 54 fram till den 3 januari 2016