RESEÑA: Los Dos Mundos de Charlie F, Teatro Richmond ✭✭✭✭

Los dos mundos de Charlie F

Richmond Theatre, actualmente de gira por el Reino Unido

19 de marzo de 2014

4 estrellas

Se han escrito muchas obras sobre la guerra: sus aciertos y errores, sus entresijos, sus detalles y sus consecuencias. Algunas afrontan el tema con más fortuna que otras, y Black Watch fue la última que de verdad se metió bajo la piel de lo que supone la vida de un soldado en una unidad de élite.

Ahora, en el Richmond Theatre, se presenta la producción de Stephen Rayne de The Two Worlds of Charlie F, una nueva obra de Owen Sheers inspirada en las experiencias reales de soldados que sirvieron en Afganistán.

No es una obra sobre la guerra. Es una obra sobre los soldados: hombres y mujeres que, por diversos motivos, se alistan por su país, van a tierras lejanas a combatir y luego han de convivir con los recuerdos, las vivencias y, en algunos casos, con lesiones que les cambian la vida.

Es absorbente, extraordinaria y perspicaz; y lo es aún más cuando sabes que más de la mitad del reparto no son actores, sino militares que han regresado y están reviviendo sus propias experiencias, compartiendo sus vidas, exponiendo sus heridas cauterizadas, con el propósito de iluminar, educar —y entretener— a quienes no han servido en zonas de guerra sobre cómo es la vida cuando el uniforme se cuelga para siempre.

Aquí no hay sentimentalismo ni un intento lacrimógeno de provocar compasión. Al contrario. En ciertos momentos, la brutalidad de la honestidad en las interpretaciones resulta difícil de soportar; pero, en conjunto, la pieza es un gran testimonio de la fortaleza y el sentido del humor del espíritu humano corriente.

La obra arranca sin concesiones: un soldado herido grita de dolor, confusión y miedo, convencido de que el enemigo lo ha capturado cuando en realidad está en el hospital de un campamento base. La escena es tensa, violenta e increíblemente conmovedora, sobre todo cuando da paso a unos meses después y conoces al soldado, en vías de recuperación, con la pierna perdida para siempre. Este es el Charlie F del título, interpretado aquí con una naturalidad maravillosa por Cassidy Little. Nunca dirías que no es un actor de formación clásica.

El público acompaña a Charley en su trayecto: desde el alistamiento hasta la reconciliación con la nueva vida con la que debe lidiar —y que se esfuerza por abrazar— tras perder la pierna en combate. Es un viaje incómodo y exigente, pero está lleno de humor, energía y esperanza. También hay grandes, contundentes oleadas de rabia y horror, pero nunca suena falso ni se desliza hacia el melodrama o la farsa.

Hay muchas escenas e interpretaciones extraordinarias. Algunas se quedarán conmigo para siempre.

Stewart Hill interpreta al mayor Thomas con precisión y una calma gélida: el líder perfecto, el marido perfecto que añora a su familia lejana. Y luego descubres que, en la vida real, una parte de su cerebro resultó dañada en combate y ha perdido la función «ejecutiva», es decir, la capacidad de pensar de forma productiva; y aun así, ahí está, ofreciendo una interpretación impecable de una intensidad demoledora.

Como el fusilero Leroy Jenkins, el doble amputado Dan Shaw es una revelación. La escena en la que describe la pérdida de sus piernas y su regreso hasta recibir asistencia médica es uno de los momentos más poderosos que he visto jamás en un teatro. Y brilla en todo el registro: su escena con Charley, cuando comparan sus muñones, es a la vez auténticamente divertida y desarmantemente confrontativa.

Dos de los actores de formación, Owen Oldroyd y Tom Colley, aportan otro golpe seco de pura fuerza cuando Colley se queda en ropa interior con sus calzoncillos antiexplosión (diseñados específicamente para proteger los genitales) y Oldroyd, metódica e impasiblemente, muestra qué tipo de lesiones puede esperar un soldado si pisa un artefacto explosivo improvisado, marcando posibles heridas en el cuerpo de Colley. Al final de la demostración, el cuerpo de Colley parecía un cuadro de Pro Hart, con manchas y marcas por todas partes. La combinación muda de miedo y aceptación de Colley, junto con la firme seguridad de Oldroyd, hizo que la escena fuese realmente devastadora.

También hay un trabajo excelente de Gareth Crabbe, Tomos Eames y Darren Swift, y Colley impresiona de principio a fin: su explicación de «Pink Mist» fue tan aterradora como seductora. A través de estas buenas interpretaciones —y de todas las demás— se extrae una clara sensación de lo que implica la existencia del soldado.

Y hay un trabajo sensacional por parte de las mujeres del reparto, todas ellas interpretando multitud de papeles con precisión y brillantez. No hubo eslabones débiles, pero Miriam Cooper y Teri Ann Bobb-Baxter me parecieron especialmente impresionantes.

De forma importante —y como verdadero testimonio de la destreza de los actores de formación— está lo perfectamente que todos trabajan en conjunto, lo imposible que resulta saber con certeza quién luchó en la vida real y quién está simplemente interpretando. Oldroyd, en particular, destaca en ese sentido de compañerismo tan vital para que la obra funcione.

Es demasiado fácil dar por sentado el trabajo de los soldados en primera línea; pero estas interpretaciones te muestran con claridad por qué hacerlo es un error y un acto de egoísmo.

Rayne dirige con seguridad y el conjunto es a la vez incómodo y irresistible: tenso y, por momentos, jubiloso. El diseño sencillo de Anthony Lamble es muy eficaz y la coreografía de Lily Phillips complementa y realza perfectamente el trabajo.

Jason Carr aporta una música deliciosa. Melodías sencillas, casi ingenuas, se entretejen sin esfuerzo en esta obra teatral tan marcadamente masculina y sirven para aliviar la tensión, fomentar un sentido de unidad y, en algunos casos —como la canción de la medicación—, contrapesar el horror inherente del momento dramático. Pero verdaderamente inquietante fue su composición sobre «revivir», que se enfrenta a dos de los asuntos clave que explora la obra: la manera en que los exmilitares reviven lo que han sufrido y cómo deben reaprender a vivir sin el uniforme. Mágico.

A menudo me preguntan por qué voy a ver tanto teatro, como si fuese un signo de locura. Quizá lo sea, pero la respuesta es simple: porque de vez en cuando te encuentras con algo como esta obra nueva, que demuestra el valor, la potencia y la relevancia del teatro, y amplía tu comprensión del mundo.

Una vez más, esto es algo que el National Theatre debería estar exhibiendo. Nueva dramaturgia vital e importante, y artistas con un talento enorme. La pregunta que habría que hacerse es: ¿por qué el National no está apoyando este auténtico regalo?