KRITIK: Don't Look Away, Pleasance Theatre ✭✭✭✭

Mark Reed rezensiert die Produktion von NOVAE Theatre von Grace Chapmans Stück Don't Look Away, das derzeit im Pleasance Theatre in London zu sehen ist.

Foto: Ryan Cowan Don't Look Away

Pleasance Theatre, London

4 Sterne

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In einem Land mit stark auseinandergehenden Ansichten zur Einwanderung, in dem aufhetzende Medienberichterstattung Angst und Misstrauen schürt, nimmt sich Don't Look Away – eine packend dringliche neue Produktion – vor, diese Haltungen und unsere gemeinsame Reaktion auf die internationale Flüchtlingskrise zu durchleuchten.

Das Stück beginnt 2015 in einem örtlichen Gemeindezentrum. Cath, eine Reinigungskraft, beendet gerade ihre Schicht, als ein junger Syrer namens Adnan ihren Arbeitsplatz betritt – mit Mehl bedeckt und verzweifelt auf Hilfe angewiesen. Widerwillig erklärt sich Cath bereit, den jungen Mann bleiben zu lassen – eine Entscheidung, die ihr Leben für immer verändern wird. Darin liegt das Herz dieses fesselnden Dramas von Grace Chapman, produziert von NOVAE Theatre, das über 90 Minuten im Pleasance Theatre in Islington gespielt wird.

Die Inszenierung arbeitet mit einem reduzierten Bühnenbild: eine Küchenzeile mit Schränken, ein kleiner Tisch und zwei Stühle. Hinter der Bühne steht ein Holzrahmen, mit Gaze bespannt, der an ein spätmodernes Fenster erinnert. Dieser wird sparsam eingesetzt, entfaltet aber als wirkungsvolles theatralisches Mittel große Wirkung, wenn er von hinten beleuchtet wird: Dann zeichnen sich die Schauspielerinnen und Schauspieler ab, während sie durch die Gaze hindurch ins Publikum blicken.

Foto: Ryan Cowan

Im Kern der Produktion steht eine geradezu herzzerreißend großartige Leistung von Julia Barrie als Cath. Zunächst könnten wir sie für naiv halten, weil sie Adnan so bereitwillig in ihr Leben lässt. Barries Spiel ist jedoch so nuanciert, dass wir ihr jede Entscheidung vollständig abnehmen. Fein zeichnet sie Caths Entwicklung nach: eine einsame Frau, die nach Nähe zu ihrem Sohn hungert und verzweifelt jeden legalen Weg ausschöpft, um Adnan ein Bleiben im Vereinigten Königreich zu ermöglichen. Doch je aussichtsloser Adnans Lage wird, desto trüber werden die Gewässer – und desto schwerer ist der richtige Weg zu erkennen. Barries phänomenale Performance hält uns durchgehend in Atem.

Starke Unterstützung kommt von Robert Hannouch und Brian Fletcher. Hannouchs Darstellung des Adnan ist wunderschön berührend: ein enthusiastischer, charmanter junger Mann, der verzweifelt versucht, sich in diesem Land ein neues Leben aufzubauen und wieder mit seiner kleinen Schwester vereint zu werden.  Fletcher überzeugt als Caths junger Sohn, der darüber verletzt ist, wie sehr seine Mutter sich Adnans Sache widmet – weil er (selbstsüchtig, aber vollkommen nachvollziehbar) erwartet, im Mittelpunkt ihrer Welt zu stehen.

Richtig an Fahrt gewinnt das Stück, als Jamie nach Hause zurückkehrt. Es steuert auf ein mitreißendes Finale zu, in dem Cath an ihre Grenzen gebracht wird und eine unwiderrufliche Entscheidung treffen muss.

Unterbrochen wird das Geschehen durch Bewegungssequenzen, die einen schönen Kontrapunkt zu den dialoggetriebenen Szenen setzen, jedoch mitunter etwas zu lang geraten und gelegentlich ein wenig holprig wirken. Außerdem gibt es ein, zwei belehrende Momente, in denen die Figuren eher als Sprachrohr für die zentralen Themen dienen, statt dass die Motive organisch durch sie hindurch wirken. Doch das sind nur kleine Einwände bei einer durch und durch hervorragenden Produktion.

Als ich das Theater verließ, fragte ich mich, was ich tun würde, wenn ich in Caths Situation wäre. Was würde ich tun, wenn ich zwischen dem Richtigen und dem Leichten wählen müsste? Ich finde, das ist das Kennzeichen eines großartigen Stücks – eines, das uns dazu bringt, zu hinterfragen, was wir über uns selbst und die Welt um uns herum zu wissen glauben.

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