KRITIK: Foxfinder, Ambassadors Theatre ✭✭

Julian Eaves bespricht Iwan Rheon in Dawn Kings Stück Foxfinder am Ambassadors Theatre.

Iwan Rheon und Paul Nicholls in Foxfinder. Foto: Pamela Raith Foxfinder

Ambassadors Theatre,

13. September 2018

Zwei Sterne

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Es ist immer faszinierend zu sehen, welche Aspekte einer Theaterproduktion für die Werbung herausgegriffen werden.  Diese Wiederaufnahme eines kleinen, vierhändigen Schockers in einer Fantasy-Zukunft ist dafür ein interessantes Beispiel.

Zunächst einmal erhält das Stück eine sehr hochwertige Inszenierung von der versierten Rachel O'Riordan.  In Gary McGanns meisterhaft schlichtem und zugleich wunderschönem Bühnenbild bekommen wir einen Eindruck von seiner Vision, Oper in einer fast surrealen Mischung aus hölzernem Bauernhaus und hölzernem Wald zu präsentieren – mit einer Andeutung der Weltasche selbst, die majestätisch aus der Mitte des Bodens im Inneren emporragt. Auf der einen Seite führt eine schlichte Treppe mit symbolischer Rätselhaftigkeit nach oben, und auf der anderen Seite strömt durch kühl wirkende Fenster Paul Andersons betörendes Lichtdesign, in dem die Darstellenden baden und leuchten.  McGann steckt sie in Kleidung von heute – oder vielleicht der letzten Jahrzehnte –, doch ihre Welt verrät nur wenige weitere Zeichen der Moderne.  Handys sind tabu.  Es gibt nicht einmal ein Festnetz.  Wenn Menschen miteinander sprechen wollen, müssen sie vorbeikommen und an die Tür klopfen.  Einschließlich des geheimdienstähnlichen Besuchers, der als Titelfigur auftaucht.

In dieser imaginierten Welt sind Füchse eine grauenhafte, „bestienhafte“ Plage, die versucht, Albion in ein entsetzliches Chaos zurückzureissen.  Nur die moralische Rechtschaffenheit der Regierung – mit ihren umherziehenden, einsamen Foxfindern – steht zwischen ihnen und dem nationalen Untergang.  Bis hierhin durchaus packend.  Das Stück beginnt tatsächlich sehr ähnlich wie Sam Shepherds ungemein starkes Drei-Personen-Stück „The God of Hell“, das 2005 am Donmar in einer überwältigenden Produktion gezeigt wurde – lange bevor Dawn King 2011 am Finborough ihre Version derselben Ausgangslage vorlegte.  Und je länger ich dasaß und dieses Drama verfolgte, desto mehr ähnelte es Shepherds früherem Stück. Mit einer entscheidenden Ausnahme: Die Qualität des Textes ist bei Weitem nicht so gut.

Das ist natürlich nicht Ms Kings Schuld: Nur wenige Autorinnen und Autoren sind so gut wie Sam Shepherd.  Sie gibt ihr Bestes.  Mit vielen guten Absichten deutlich sichtbar, führt sie klar durch ihre einfache Geschichte, skizziert Splitter dystopischer Unannehmlichkeit, die nur wenige Zentimeter hinter den Haustüren lauern, und lässt ihr Quartett aus zwei Männern und zwei Frauen nervös umeinander herummanövrieren – stets aufgehalten von einer Oberfläche Pinter’scher Schlichtheit und Geradlinigkeit.  Doch während Pinter gewöhnliche Menschen zeigen und einen zugleich vor Angst erzittern lassen kann angesichts der dunklen Kräfte, die auf sie einwirken, gibt King sich diese Chance nicht wirklich.  Mehrmals nimmt sie Anlauf, findet dann aber keinen Weg, Ideen von einer Szene in die nächste zu tragen: Ein Blackout senkt sich; Musik erklingt – dank Komponist und Sounddesigner Simon Slater –; und dann versuchen wir, in einer neuen Szene wieder von vorn in Gang zu kommen.  Ich kann mich des Gefühls nicht erwehren, dass ihr besonderes Talent – und Talent hat sie – besser zur Geltung käme, wenn sich das Ganze aufbauen dürfte, und weiter aufbauen, und weiter aufbauen, mit so wenigen unnötigen Unterbrechungen wie möglich.  Es wäre durchaus möglich, an der Struktur zu schrauben, sodass die zwei Akte als jeweils durchgehende, ununterbrochene Handlung funktionieren: Das würde die Wirkung bündeln und ein deutlich stärkeres Stück ergeben.

So bleiben die Schauspielerinnen und Schauspieler mit der nahezu unlösbaren Aufgabe zurück, zwischen den schmalen Teilen dieser Erzählung Verbindungen zu schmieden.  Es sind alles bekannte Gesichter aus dem Fernsehen – was helfen wird, ein breiteres Publikum abzuholen –, aber reicht das, um alles zusammenzuhalten?  Das Paar, mit dem wir beginnen, Heida Reeds Judith und Paul Nicholls’ Samuel Covey, steigt geschickt über ihre klischeebeladenen Rollen hinweg und tut, was es kann, um echt und berührend zu sein; ihr Besucher, G.O.T.s Ramsay Bolton – hier der Foxfinder William Bloor –, Iwan Rheon, ist in schwarzes Unkraut gehüllt, bis er es abstreift – viel zu kurz und, wie manche argumentieren würden, unzureichend – um dann seinen exquisit definierten alabasterfarbenen Oberkörper mit einer neunschwänzigen Katze zu geisseln: Leider besitzt seine Stimme nicht dieselbe Flexibilität oder Schönheit, und wir ermüden bald an ihrem monotonen Dröhnen.  Immerhin gibt es sogar einen kurzen Moment simulierten (und vollständig bekleideten) sexuellen Zwangs.  (Und bis zu diesen Stellen hatte ich mich gefragt, ob die Schlichtheit des Textes für ein „Young Adult“-Publikum gedacht sei.  Aber nein; ich glaube nicht, dass es das wirklich sein kann.  Oder doch?)  Und dann versucht die sich einmischende Nachbarin, Bryony Hannahs Sarah Box, etwas Handlung in den mechanischen und vorhersehbaren Plot zu bringen.  Sie geben sich wirklich Mühe.  Aber die Chancen stehen von vornherein gegen sie.  Der Text wird nicht mehr zum Leben erwachen, als er es ohnehin schon getan hat.  Wenn hier Preise zu vergeben wären, dann ginge meiner an Nicholls – für seine unermüdlich energiegeladene und intensive Darstellung der hauchdünnen Charakterzeichnung, die ihm zugedacht ist.

Aber gut.  Man kann ja immer nach Hause gehen und „The God of Hell“ lesen, bis die Kühe der Coveys nach Hause kommen, und darüber nachdenken, was es braucht, um wirklich ein guter Dramatiker zu sein.  Und wer weiss – vielleicht will der Produzent hier, Bill Kenwright, eines Tages ja ausgerechnet DIESES Stück auf Tour schicken!

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