RESEÑA: El cazador de zorros, Teatro Ambassadors ✭✭

Julian Eaves reseña a Iwan Rheon en la obra Foxfinder de Dawn King en el Ambassadors Theatre.

Iwan Rheon y Paul Nicholls en Foxfinder. Foto: Pamela Raith Foxfinder

Ambassadors Theatre,

13 de septiembre de 2018

Dos estrellas

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Siempre es fascinante ver qué “ganchos” teatrales se eligen para la promoción.  Este reestreno de un pequeño thriller distópico de cuatro intérpretes, con un futuro de fantasía y golpes de efecto, es un caso interesante.

Para empezar, cuenta con una producción muy elegante a cargo de la solvente Rachel O'Riordan.  Con un diseño magistralmente sencillo y precioso de Gary McGann, se nos ofrece un destello de su visión —casi surrealista— para mezclar una granja de madera con un bosque de madera, con una aproximación a la propia Weltasche alzándose majestuosa desde el centro del suelo del interior; mientras, a un lado, una escalera desnuda asciende con un misterio simbólico y, al otro, por unas ventanas de aspecto gélido se derrama el deslumbrante diseño de iluminación de Paul Anderson, bajo el que el reparto se baña y resplandece.  McGann los viste con ropa de hoy —o quizá de las últimas décadas—, pero su mundo delata pocas otras señales de modernidad.  Los móviles no existen.  Ni siquiera hay teléfono fijo.  Si la gente quiere hablar entre sí, tiene que presentarse y llamar a la puerta.  Incluido el visitante secreto, con aire de policía, que da título a la obra.

En este mundo imaginado, los zorros son una espantosa plaga “bestial”, empeñada en arrastrar a Albion de vuelta a un caos horrendo.  Solo la rectitud moral del gobierno, con sus cazazorros solitarios e itinerantes, se interpone entre ellos y el olvido nacional.  Hasta aquí, la premisa engancha.  De hecho, la obra arranca muy en la línea del potentísimo drama para tres intérpretes de Sam Shepard, 'The God of Hell', que tuvo una producción deslumbrante en el Donmar en 2005, bastante antes de que Dawn King estrenara esta variación del mismo planteamiento en el Finborough en 2011.  Y, en efecto, cuanto más tiempo pasaba viendo este drama, más se parecía a la obra anterior de Shepard. Con una excepción de peso: la calidad de la escritura no está ni de lejos al mismo nivel.

No es culpa de la señora King, claro: pocos dramaturgos están a la altura de Sam Shepard.  Ella hace lo que puede.  Con las mejores intenciones a flor de piel, traza con claridad su historia sencilla, esbozando destellos de una desagradable distopía que acecha a escasos centímetros de las puertas de la casa, mientras permite que su cuarteto —dos hombres y dos mujeres— se mueva con nerviosismo, siempre contenido por una superficie de simplicidad y franqueza muy pinterianas.  Sin embargo, mientras Pinter puede darte gente corriente y, aun así, hacerte temblar de miedo ante las fuerzas oscuras que actúan sobre ellos, King no se da del todo esa oportunidad.  Arranca con brío varias veces, pero luego no encuentra manera de sostener sus ideas de una escena a la siguiente: cae un apagón; suena la música, cortesía del compositor y diseñador de sonido Simon Slater; y luego intentamos volver a ponerlo todo en marcha en una nueva escena.  No puedo evitar pensar que su talento —y lo tiene— estaría mejor servido si se le permitiese construir, y construir, y construir, con las mínimas interrupciones innecesarias posibles.  Sería perfectamente viable reorganizar la estructura para que los dos actos funcionasen como acciones únicas e ininterrumpidas: eso concentraría el impacto y daría como resultado una obra mucho más potente.

Tal y como está, los actores se quedan con la dificultad casi insuperable de intentar forjar vínculos entre las partes endebles de este relato.  Son caras conocidas de la televisión, lo que ayudará a conectar con un público más amplio, pero ¿basta eso para mantenerlo todo unido?  La pareja con la que empezamos —Judith de Heida Reed y Samuel Covey de Paul Nicholls— esquiva con soltura unos papeles cargados de clichés e intenta dotarlos de verdad y emoción; su visitante, el Ramsay Bolton de G.O.T. y aquí el cazazorros William Bloor, Iwan Rheon, aparece sepultado en negras vestiduras, hasta que se las quita —demasiado brevemente e insuficientemente, dirán algunos— para azotar su exquisito torso de alabastro, marcado y definido, con un látigo de nueve colas: por desgracia, su voz no tiene la misma flexibilidad ni belleza, y pronto nos cansamos de escuchar su zumbido monótono.  Eso sí, incluso hay un pequeño momento de sexo coercitivo simulado (y completamente vestido).  (Y, hasta llegar a esos puntos, me había estado preguntando si la simpleza del texto estaba pensada para un público “juvenil”.  Pero no; no creo que realmente pueda serlo.  ¿O sí?)  Y entonces la vecina entrometida, Sarah Box de Bryony Hannah, intenta inyectar algo de acción a una trama mecánica y previsible.  De verdad que todos hacen lo que pueden.  Pero lo tienen en contra.  El texto no va a cobrar más vida de la que ya tiene.  Si hay que repartir premios, el mío se lo doy a Nicholls, por su interpretación incansablemente enérgica e intensa de una caracterización tan fina como el papel de fumar.

En fin.  Siempre puedes irte a casa y leer 'The God of Hell' hasta que vuelvan las vacas de los Covey, reflexionando sobre qué hace falta para ser un dramaturgo de verdad.  Y nunca se sabe: quizá algún día el productor de aquí, Bill Kenwright, quiera llevar ESA obra de gira.

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