REZENSION: Once We Lived Here, Kings Head Theatre ✭✭✭✭

Once We Lived Here. Foto: Roy Tan Once We Lived There

King’s Head Theatre

24. April 2014

4 Sterne

Ich habe letzten Donnerstag eine Kardinalregel gebrochen (Betritt niemals einen Zuschauerraum, wenn eine Vorstellung bereits begonnen hat; das ist respektlos gegenüber den Künstler*innen und den anderen Zuschauer*innen) – dank der sonst so zuverlässigen London Overground, die ausnahmsweise den Geist aufgegeben hatte und komplett im „White Rabbit“-Modus war. Zum Glück, denn sonst hätte ich die London-Premiere von Dean Bryant und Matthew Franks Musical Once We Lived Here, im King’s Head Theatre, verpasst.

Und das wäre eine Tragödie gewesen, denn dies ist ein wichtiges, ziemlich bemerkenswertes Stück Musiktheater – eines, das Unterstützung verdient und das man gesehen haben sollte.

Wäre es im Vereinigten Königreich geschrieben worden, stehen die Chancen, so scheint es mir, gut, dass ein Haus wie das National Theatre es aufgegriffen und gehegt, gepflegt und unterstützt hätte. Jahre an Workshops und der Input eines gut ausgestatteten Produktionshauses hätten für eine freundliche, kollaborative Entwicklungsphase gesorgt – gefolgt von einer voll ausproduzierten Inszenierung mit allem Drum und Dran. Aber Australien hat kein Pendant zum National Theatre, und der politische Wille, heimisches Schreiben angemessen zu fördern, ist so gut wie nicht vorhanden.

Once We Live Here ist in jeder Hinsicht das bessere Stück als The Light Princess – doch Letzteres hatte eine Inkubationszeit und einen Debütantinnenball, von dem Ersteres nur träumen konnte – und den es hätte haben sollen.

Der Text pulsiert vor Direktheit und einer Sensibilität, die ganz und gar australisch ist. Die Figuren sind gekonnt gezeichnet, und die Erzählung, in der sie dahintrab(en), ist voller Wendungen wie ein mäandrierender Bach. Auch die Hitze ist stets präsent – in der Temperatur, in der die Figuren auf der Farm leben, und in den unablässig köchelnden Gemütern, geschärft oder abgestumpft durch die Verwüstungen der Vergangenheit, Missverständnisse, Scham und Pflichtgefühl.

Das Konzept ist einfach genug. Eine Farm im ländlichen Australien. Eine Tochter ist in die Stadt geflohen; ein Sohn ist „walkabout“ gegangen. Die älteste Tochter blieb auf der Farm und lebt das Leben, von dem sie glaubt, ihr toter Vater hätte es sich für sie gewünscht. Die Mutter stirbt an Krebs, also kommen die Kinder zurück – und ungelöste Spannungen blühen auf und brechen unangenehm, verletzend hervor, aber auf erschreckend realistische Weise. Dann kommt als Joker die Rückkehr eines früheren Farmarbeiters dazu – und das blaue Zündpapier ist angezündet.

Bryants Text ist prägnant, wahrhaftig und voller Schmerz und Hoffnung. Er spielt gekonnt mit der linearen Zeit, sodass man der Familie zu unterschiedlichen Momenten ihres Farmlebens begegnet. Schicht für Schicht wird sichtbar, was die Familie trennt – aber auch, was sie verbindet.

Franks Musik ist meist betörend, manchmal grandios, aber nie langweilig. Sie ist ebenfalls randvoll mit australischem Gefühl, und ihre besten Momente sind wirklich etwas Besonderes: Ordinary Day, Guitar Lesson, Only You, We Like It That Way, The Leaves In Summer. Jeder einzelne ein Juwel.

Bryant führte bei dieser Produktion auch Regie. Ich vermute, was diese Show wirklich braucht, ist eine Regie ohne jede Verbindung zum Stück. Wie bei so viel Theaterarbeit ist die Inszenierung tatsächlich mehr als die Summe ihrer Teile – und ein frischer Blick würde helfen, einige der verborgenen Nuancen in den Figuren und der Geschichte freizulegen.

Die besten Leistungen hier sind wirklich sehr gut.

Shaun Rennie ist hinreißend als Burke, der nomadische Farmarbeiter, dessen Rückkehr zur alten Macpherson-Farm Folgen für alle in der Familie Macpherson hat. Viril, rau und still in sich ruhend, ist Rennie der Inbegriff des lässigen Buschmanns: mit allen auf Du und Du, bereit, alles anzupacken, und immer auf der Suche nach einer Gelegenheit – ob bei der Frau eines Farmers oder einer Jobchance. Mit einem Bart, der lange Phasen der Einsamkeit und Nachdenklichkeit verkündete, war das Spiel entspannt und vielschichtig, und Rennie sang mühelos gut.

Als Lecy, die Tochter, die die Farm gegen Glamour, Oberflächlichkeit und Aufregung der Stadt verlassen hat, ist Belinda Wollaston köstlich – scharf und zugleich verletzlich. Sie meistert die leicht verpeilte Komik gut, ist aber auch in den fein verästelten Szenen familiärer Verstrickung überaus wirkungsvoll. Tatsächlich überzeugt Wollaston das Publikum am mühelosesten davon, dass die Macphersons eine Familie sind – sie bindet Mutter, Bruder und Schwester in einer großzügigen Darstellung voller Glanz und sanfter, tadelloser Detailarbeit zusammen. Sie singt zudem mit Verve und Wärme, und ihre abschließende, nachdenkliche Szene „When we were little, we had so much fun here“ ist wirklich von Herzen und trifft.

Melle Stewart stürzte sich mit Begeisterung in die Rolle der älteren Schwester Amy – das burschikose Mini-Me des Farmers, stets im Schatten ihres verstorbenen Vaters. Am besten war sie in den Szenen mit Rennie (Amy und Burke haben eine Vergangenheit und Unerledigtes), die direkt, charmant und schmerzlich ehrlich waren. Ihr Schlagabtausch mit Wollastons Lecy war ebenso präzise – eine echte Beschwörung jener besonderen Geschwisterbindung, die Schwestern haben können: keine Geduld für Unsinn, aber jedes Wort sorgfältig auf der Waage der Verwandtschaft ausbalanciert. Stewart hat eine großartige Stimme, und sie verband sich hervorragend mit der Partitur – das ergab einige der stärksten musikalischen Momente des Abends.

Einen authentischen australischen Akzent hinzubekommen, ist eine harte Aufgabe – und noch härter, wenn um einen herum alle Australier*innen sind –, aber Lestyn Arwel gelang es besser als vielen (auch wenn er öfter wie der Macpherson-Bruder aus Neuseeland wirkte als nicht). Arwel hat eine leichte Bühnenpräsenz, die merkwürdigerweise gegen die grüblerische, schmollende und völlig verlorene Anlage der Figur des jüngsten Macpherson, Shaun, zu arbeiten schien. Während die Schwestern klar konturiert waren, blieb Shaun amorpher, schwerer zu fassen. Das wirkte eher wie eine Spiel-/Regieentscheidung als wie etwas, das im Text angelegt ist – und eine seltsame, denn im Verlauf des Abends entpuppt sich Shaun als komplexe Figur, aber ebenso präzise geschrieben wie seine Schwestern.

Claire, die Macpherson-Matriarchin, ist eine dieser gebräunten, bodenständigen, unermüdlichen Frauen, auf denen das australische Outback gebaut wurde – unaufhaltsam, trocken, klug, weise, großherzig und unverbesserlich. Der Typ Frau, der sich von einer lästigen Ablenkung wie terminalem Krebs nicht davon abhalten lässt, einen vollen Arbeitstag hinzulegen und sich um andere zu kümmern. Simone Craddock machte ihre Sache ordentlich, musste aber den erdigen, kompromisslosen, herb-vergnüglichen Ton, der in dieser wilden und magnetischen Frau steckt, stärker hochdrehen. Claire hat mehr Höhen und Tiefen, als Craddock hier freilegte.

Alex Beetschen und die kleine Band spielten die Musik energisch und stilvoll. Insgesamt war der Gesang auf sehr hohem Niveau und brachte die vielen Freuden der Partitur ans Licht.

Der Raum ist winzig, und Christopher Hones Bühnenbild vermittelte sehr gut das Gefühl der verschiedenen Orte in und um die Farm.

Es ist eine Freude, in London kreative australische Stimmen zu sehen und zu hören – auf und hinter der Bühne. Diese Show verdient eine groß angelegte Produktion, ordentlich finanziert und beworben. Umso bedauerlicher, dass ihre kurze Spielzeit nun zu Ende ist.