RESEÑA: El Cardenal, Southwark Playhouse ✭✭✭

Stephen Boxer y Natalie Simpson en The Cardinal. The Cardinal

Southwark Playhouse,

Viernes, 28 de abril de 2017

3 estrellas

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En estos últimos años, de fin de reino, se ha producido una cierta reactivación del apetito del público por los dramas lúgubres, sangrientos, cínicos y pesimistas de los periodos jacobino y carolino. Hoy el público acude en masa a Webster, Ford y compañía, paladeando sus retratos sin concesiones de amorales disfuncionales atrapados en relaciones sombrías, egoístas y de destrucción mutuamente asegurada. Interprétalo como quieras. Pero, por si temías que las direcciones de los teatros se quedaran sin este tipo de material para servir a sus entusiastas parroquianos, puedes estar tranquilo: hay mucho más de donde salió esto.

Y aquí, en el siempre emprendedor vivero dramático de Newington Causeway, hay otro nombre que añadir a la célebre lista de tragediógrafos de venganza: James Shirley, cuyo The Cardinal recibe una espléndida reposición en la sala Little. Fue, prácticamente, el último suspiro de esta moda truculenta. Estrenada en 1641, la obra se tambalea al borde del volcán que estallaría al año siguiente con el inicio de las Guerras Civiles Inglesas entre el Parlamento y la Corona. Y no solo eso: la orientación cripto-católica del autor se insinúa de forma ambigua por todas partes en esta instantánea de las maquinaciones maquiavélicas de una eminencia (gris) de la Iglesia romana de la época en España.

Rosie Wyatt, Natalie Simpson y Sophia Carr-Gomm en The Cardinal

El director Justin Audibert ha reunido un reparto numeroso, de 11 intérpretes, para llenar esta acogedora sala, y ha elegido a lo mejor: gente formada en la RSC, el National y otros excelentes viveros. De verdad, da gusto verles. Stephen Boxer, en el papel protagonista, se divierte muchísimo con su magnífica encarnación de uno de los cortesanos de Dios. Natalie Simpson es la viuda fatal, tan atolondrada como vampírica, la duquesa Rosaura. Sus opciones en triángulo para un segundo marido son el románticamente condenado Alvarez (Marcus Griffiths) y su asesino mandón, a lo Bosola, Columbo (Jay Sieghal). Timothy Speyer está solvente «con el texto» como Antonio, manteniendo todo el orden que puede en la «animada» casa de Su Gracia, y Ashley Cook ofrece una agradable interpretación como un rey de Navarra soñador y ajeno a la realidad (cualquier confusión con el soberano británico de entonces era, estoy seguro, del todo deliberada y con mala uva).

Es una época fascinante en las artes y las letras inglesas. El teatro estaba a punto de lanzarse como un órgano de comentario público y, de hecho, de crítica social. No extraña que Cromwell no perdiera tiempo en cerrarlo en cuanto llegó al poder (aunque, naturalmente, como ocurre con todos los aguafiestas poderosos, siguió disfrutando de funciones privadas montadas para su particular beneficio). Pero una vez que él y su sistema quedaron fuera de juego, los teatros reabrieron y se desató el caos: una revolución de la libertad de expresión como no se había visto antes. Esta obra nos sitúa en ese momento contenido, cuando escritores como Shirley (aquí al final de su carrera) pateaban las riendas de la convención, deseando librarse de ellas. Su trama, bien hilada y depurada, con un foco casi ininterrumpido en la acción central, también nos orienta hacia la intensa urgencia de la Restauración que estaba a punto de llegar. Del mismo modo, rehuye los grandes parlamentos y los vuelos poéticos del teatro épico, alojando por lo general a sus personajes en interacciones más domésticas, privadas y sencillas.

Marcus Griffiths y Natalie Simpson en The Cardinal

Con todo, el lenguaje que escribe también está muy marcado por la entonces popular costumbre de tomar prestado de otras fuentes. Versos y, a veces, bloques enteros de diálogo se levantan de un buen número de otras obras. Así, tenemos a una pareja de amantes de acuerdo en un plan de asesinato y, de repente, los oímos pronunciar las palabras de Beatrice y Benedick declarando a la vez su amor en Much Ado About Nothing mientras acuerdan asesinar a Claudio. Es pertinente. Pero hoy puede sonar extraño; es decir, si captas las referencias. Mucho, desde luego, se le pasa al espectador medio, que no suele revolcarse en estas aguas. En cuyo caso, no molestará.

El escenario, siempre en ebullición, no deja mucho espacio para el adorno, y Anna Reid mantiene el diseño sencillo: un único incensario, un único escalón, una única pared gris, losas grises del tamaño de una catedral. Peter Harrison lo ilumina sin florituras. El vestuario (supervisado por Ellen Ray de Castro) es espléndido, y el sonido de Max Pappenheim nos hace creer con ingenio que estamos en un espacio enorme y reverberante, antes de reducir la escala de la producción a un tamaño más íntimo. Las luchas escénicas de Bret Yount son magníficas, incluyendo una esgrima realmente vistosa en el segundo acto.

Puede que James Shirley no sea uno de los mejores dramaturgos que hayan dado vida a los escenarios de este país, pero está lejos de ser de los peores, y este es probablemente su mejor trabajo. Vuelve a nosotros en un momento de duda nacional comparable, en cierto modo, con la época en que nació. Y, en su extraña metáfora de los poderes temporales y espirituales, quizá aún tenga algo interesante que decirnos. Al menos las últimas líneas —ya verás cuando las oigas— harán que salgas del teatro convencido de que sí.

Foto: Mitzi de Margary

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