CRITIQUE : Le Cardinal, Southwark Playhouse ✭✭✭

Stephen Boxer et Natalie Simpson dans The Cardinal. The Cardinal

Southwark Playhouse,

Vendredi 28 avril 2017

3 Étoiles

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Ces dernières années de fin de royaume, il y a eu une résurgence de l'appétit du public pour les drames lugubres, sanglants, cyniques et pessimistes des périodes jacobéenne et caroline. Aujourd'hui, les spectateurs se pressent pour voir Webster, Ford, et leurs semblables, se délectant de leurs portraits rigoureux des amoralistes dysfonctionnels enfermés dans des relations tumultueuses de destruction mutuelle assurée. Que dire sinon. Mais au cas où vous craignez que les directions théâtrales manquent de telles œuvres à offrir à leurs fidèles spectateurs, rassurez-vous : il y en a encore beaucoup à venir.

Et ici, dans l'imperturbable chaudron dramatique sur Newington Causeway, voici un autre nom à ajouter à la liste célèbre des tragédiens de la vengeance, James Shirley, dont 'The Cardinal' reçoit une élégante reprise dans le petit espace. C'était à peu près le dernier souffle de cette mode lugubre. Émergé en 1641, il vacille au bord du volcan qui devait éclater l'année suivante avec le déclenchement des guerres civiles anglaises entre le Parlement et la couronne. De plus, l'orientation crypto-catholique de l'auteur est partout suggérée de manière ambiguë dans cet instantané des machinations machiavéliques d'une éminence (grise) de l'église romaine contemporaine en Espagne.

Rosie Wyatt, Natalie Simpson et Sophia Carr-Gomm dans The Cardinal

Le directeur Justin Audibert a réuni une grande troupe de 11 acteurs pour remplir cette salle agréable, et n'a choisi que les meilleurs : diplômés du RSC, du National et d'autres établissements prestigieux. Vraiment, ils sont un délice. Stephen Boxer, dans le rôle-titre, s'amuse merveilleusement avec son interprétation magnifique de l'un des courtisans de Dieu. Natalie Simpson est la veuve fatale et pourtant aussi vampirique, la duchesse Rosaura. Ses choix triangulaires pour un 2ème mari sont le romantiquement condamné Alvarez (Marcus Griffiths) et son assassin autoritaire, à la manière de Bosola, Columbo (Jay Sieghal). Timothy Speyer est capablement 'sur le livre' en tant qu'Antonio, maintenant autant d'ordre qu'il peut dans le ménage 'animé' de sa grâce, et Ashley Cook fait un agréable tour en tant que roi de Navarre rêveur et déconnecté (toute confusion avec le souverain britannique d'alors était, j'en suis sûr, entièrement délibérée et pointée).

C'est une époque fascinante dans les arts et les lettres anglais. Le théâtre était sur le point de se lancer comme un organe de commentaire public, et même de critique sociale. Pas étonnant que Cromwell n'ait pas perdu de temps pour le fermer dès qu'il est arrivé au pouvoir (bien que, naturellement, comme tous les puissants rabat-joie, il ait continué à apprécier les représentations privées organisées pour son propre bénéfice particulier). Mais une fois que lui et son système ont été écartés, les théâtres ont rouvert et tout l'enfer s'est déchaîné, avec une révolution dans la libre expression qui n'avait jamais été vue auparavant. Cette pièce nous place à ce moment retenu, lorsque des écrivains comme Shirley (ici à la fin de sa carrière) se heurtaient aux conventions, désireux de s'en libérer. Son intrigue finement argumentée, épurée, avec un focus presque ininterrompu sur l'action centrale, nous dirige également vers l'intense urgence de la Restauration qui était sur le point d'arriver. De même, il évite les grands discours et les envolées poétiques du théâtre épique, logeant généralement ses personnages dans des interactions plus domestiques, privées et simples.

Marcus Griffiths et Natalie Simpson dans The Cardinal

Néanmoins, le langage qu'il écrit est également fortement influencé par l'habitude alors populaire d'emprunter à d'autres sources. Des lignes et parfois des blocs entiers de dialogues sont tirés de nombreux autres drames. Ainsi, nous voyons un couple d'amoureux convenir d'un complot de meurtre, et les entendons soudainement prononcer les mots de Béatrice et Bénédict déclarant simultanément leur amour dans 'Beaucoup de bruit pour rien' tout en convenant de tuer Claudio. C'est approprié. Mais aujourd'hui, cela peut sembler étrange : c'est-à-dire si vous êtes sensible aux références. Il y a beaucoup, bien sûr, qui passe simplement par-dessus la tête du spectateur moyen, qui ne se prélasse pas typiquement dans ces eaux. Dans ce cas, cela ne posera pas de problème.

La scène chargée ne permet pas beaucoup de place pour les ornements, et Anna Reid garde le design simple - un seul brûle-parfum, une seule marche, un seul mur gris, des dalles grises de taille cathédrale - et Peter Harrison l'éclaire sans fioritures. Les costumes (supervisés par Ellen Ray de Castro) sont élégants, et le son de Max Pappenheim nous fait intelligemment penser que nous sommes dans un grand espace résonnant, avant de ramener l'échelle de la production à une taille plus intime. Les combats de Bret Yount sont magnifiques, incluant quelques escrimes vraiment spectaculaires dans le deuxième acte.

Peut-être que James Shirley n'est pas l'un des plus grands dramaturges à animer les scènes de ce pays, mais il est loin d'être le pire, et c'est probablement son meilleur effort. Il nous revient à un moment de doute national comparable, à certains égards, à l'ère de son origine. Et dans son étrange métaphore des pouvoirs temporels et spirituels, peut-être a-t-il encore quelque chose d'intéressant à nous dire. Les dernières lignes au moins - attendez de les entendre - vous feront définitivement quitter le théâtre en croyant qu'il le fait.

Photo : Mitzi de Margary

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