리뷰: Blondel, 유니언 극장 ✭✭✭✭

코너 아널드가 블롱델 역을 맡았다. 사진: 스콧 라일랜더 블롱델

유니언 극장

2017년 6월 23일

별 4개

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유니언 극장의 수고 덕분에, 2006년 개작판이 새롭게 손질된 이번 리바이벌에서 ‘방랑하는 음유시인’의 길을 따라 들어서는 관객이라면 누구나 한껏 매력적이고 유쾌한 뮤지컬 코미디 경험을 만끽하게 된다. 예술감독 사샤 리건은 새 공간에서의 첫 프로덕션을 올리며, 단골 안무 협업자인 크리스 휘태커와 호흡을 맞춰 공간은 물론 이야기와 음악까지 능숙하게 다룬다. 뮤지컬 무대에서의 재치 있는 동선과 발놀림 역시 휘태커가 단단히 책임진다. 라이언 도슨 라이트의 유니언 특유 ‘헤지고 낡은’ 디자인이, 심장과 내장이 뜯겨나간 듯한(얼마나 상징적인가!) 유럽의 드롭 클로스를 가득 채우고, 업계의 베테랑 이안 데니스가 조명을 노련하게 비춘다. 어쿠스틱 편곡과 음악감독은 베테랑 사이먼 홀트가 맡았다. 이 프로덕션은 경쾌하고 감상에 젖지 않으며, 정말 정말 정말 많은 뮤지컬 넘버들에 가볍고 코믹한 터치를 더한다. 여름의 시작을 알리는 기분 좋은 공연으로서, 정확히 목표를 맞힌다!

닐 무어스가 리처드 1세로, 그리고 <블롱델> 컴퍼니. 사진: 스콧 라일랜더 1막은 제목의 12세기 작곡가(신예 코너 아널드가 준수한 외모로 무대에 서지만, 이번에는 의외로 성량이 아쉽고 연기도 다소 절제돼 있다. 다른 작품에서는 훨씬 인상적인 임팩트를 보여준 바 있다)가 ‘발견’된 뒤 십자군 원정에 집착하는 리처드 1세의 궁정에서 최고 자리까지 승승장구하는 이야기를 들려준다. 리처드 1세는 힙스터와 아이언맨이 섞인 듯한 이미지로 구현되며, 닐 무어스가 영웅적인 성량으로 소화해 압도적인 존재감을 선보인다. 최근 유니언의 특기로 자리 잡은 ‘전원 남성 캐스팅’ G&S(길버트&설리번) 공연들로도 잘 알려진 배우다. 그 과정에서 주인공을 떠받치는 여성들은 엄마(경쾌한 케이티 멜러)와, 주체적인 페미니스트 연인 피오나(세련된 제시 메이)다. 제시 메이는 ‘그가 그녀를 필요로 하지, 반대가 아니다’라는 점을 언제나 또렷하게 보여주는데, 뮤지컬계에서는 꽤 신선한 설정이다. 블롱델은 여느 음악가들처럼 철저히 음악에만 관심이 있고, 최고 자리를 원하는 이유도 집요한 예술가적 자기 확신 때문이다. 그것이 2막에서, 사라진 리처드를 찾아 대륙을 누비는 장대한 여정의 동력이 된다. 리처드는 허영심과 괴팍한 성격 탓에 감옥 신세가 되는데, 그를 가둔 이는 쇼에 등장하는 수많은 ‘캠프’ 캐릭터 중 하나인 오스트리아 공작(제이 워디)이다. 워디는 1막에서 코믹한 맞상대인 살라딘으로도 좋은 활약을 펼친다.

코너 아널드(블롱델)와 마이클 버건(암살자) in <블롱델>. 사진: 스콧 라일랜더

하지만 그의 야망을 방해하는 것은 작품의 대표적인 코믹 오페라식 악역인 ‘암살자’다. 마이클 버건이 만들어낸 이 캐릭터는 정말이지 대단한 코믹 창조물로, 그의 몸개그만으로도 티켓값이 아깝지 않다. 여기에 앨런 커밍을 닮은 비주얼, 프레디 머큐리를 닮은 사운드를 가진 ‘하이 캠프’의 결정체 존 왕자(제임스 새커리의 맛깔스러운 구현)도 있다. 그는 2막에서 ‘I Just Can’t Wait To Be King’이라는 압도적인 쇼스톱퍼를 받는다. 이 두 캐릭터를 보면, 쇼가 조금만 더 ‘힘을 빼고’ 더 마음껏 웃음을 즐긴다면 무대에서의 생명력이 한층 더 강해질 수 있겠다는 생각이 든다. 한편 그 넘버의 제목은 이 작품이 다른 작품들을 흉내 내고 패러디하는 데—게다가 꽤 노골적으로—기댄다는 힌트를 준다. 어느 정도는 사실이지만, ‘라이온 킹’보다 무려 10년이나 먼저 쓰였다는 점을 기억해 주길. 이 작품은 남의 것을 따라 해보는 것만큼이나, 뮤지컬의 탄탄한 문법(클리셰)을 스스로 만들어낼 능력도 충분하다. 어쩌면 오히려 다른 사람들이 이 작품에서 ‘영감을’ 받았던 사례일지도 모르겠다.

블롱델의 수도사들 - 데이비드 펀, 라이언 홀, 올리버 마셜, 캘럼 멜빌. 사진: 스콧 라일랜더

그럼에도 스티븐 올리버의 음악적 팔레트, 그리고 이후 매튜 프리처드가 확장한 부분의 큰 매력은, 음악 지형 전반의 소리를 영리하고 재치 있게 활용한다는 점이다. ‘킹스 싱어즈’풍의 4중창으로 성가를 읊조리는 수도사들(데이비드 펀, 라이언 홀, 올리버 마셜, 캘럼 네빌)부터, 80년대 팝 스타일의 한 줌까지 폭이 넓다. 올리버의 음악은 극장이라는 맥락을 벗어나 홀로 날아오를 수 있다는 주장을 거의 하지 않는 편인 반면, 프리처드의 ‘Aim For The Heart’는 이 프로덕션의 퇴장 음악이 될 자격을 당당히 주장한다. 분명히 귀에 오래 남는 곡이다. 전체적으로 매력적으로 쓰인 작품이며, 비록 만화처럼 2차원적인 캐릭터를 완전히 넘어서지는 못하더라도, 관객에게 무척 기분 좋은 시간을 선사한다.

팀 라이스의 가사는 마찬가지로 빛난다. 종종 극도로 기발하면서도 우아한 이 가사는, 예상치 못한 섬세함으로 눈썹을 치켜올리게 만들며, 다소 노골스러운 농담의 가장 과장된 순간마저도 인간적으로 보이게 한다. 원래 라이스와 톰 윌리엄스가 쓴 대본은 또 한 번 손질되었고, 스스로에게 부과한 기술적 문제들을 완벽히 해결하지는 못했을지라도, ‘피핀’ 이후 ‘스패멀롯’ 이전의 세계에 대한 새로운 비전을 보여준다. 중세는 노래와 춤, 그리고 유쾌한 스케치들을 풍성하게 캐낼 수 있는 광맥으로 그려진다. 공동 프로듀서 도널드 라이스(작사가이자 공동 대본가인 팀 라이스의 아들)는 올드 유니언 아치스에서 이 작품이 새롭게 다듬어진 결과에 만족해 보인다. 이제 이 쇼가 더 멀리 뻗어갈 새로운 생명력을 얻을지, 누가 알겠는가.

2017년 7월 15일까지

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