RESEÑA: Waste, Teatro Nacional ✭✭✭✭

Waste

Teatro Lyttleton

10 de noviembre de 2015

4 Estrellas

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El sonido fue repentino, impactante: un corto traqueteo de huesos y respiración, un sonido inconfundible de angustia aguda. Una mujer dio la alarma. Un médico corrió a asistir. Y, en el escenario, dos actores se quedaron inmóviles. El regidor pidió calma y explicó que la actuación tenía que detenerse mientras se asistía al espectador enfermo. Manténganse en sus asientos fue el ruego.

Pero la obra ya casi había llegado a su fin; solo le quedaban unos cinco minutos. Así que muchos espectadores se levantaron y abandonaron el teatro en lugar de esperar el reinicio y el desarrollo final. Qué desperdicio para ellos. Porque esos últimos, vitales, minutos tenían mucho que ofrecer.

Una imagen evocadora de una papelera volcada, su contenido esparcido aparentemente al azar: increíblemente hermosa, resumiendo hábilmente la elegancia y el punto de la obra. El momento en que Frances, ahora sola, se da cuenta de que su confianza y amistad habían sido abusadas por la gente codiciosa que pensaba eran sus amigos en la sociedad y el partido Tory. Pero, sobre todo, la desgarradora secuencia donde Walter, el joven asistente del hermano abogado de Frances, se desmorona, se disculpa por ello, y luego, enfurecido, se desquita con el desperdicio, mientras todo el tiempo llena el vacío, cubre la ausencia, siendo lo mejor que puede ser.

Esta es la reposición de Roger Michell de la obra de 1907 de Harley Granville Barker, Waste, ahora en el Teatro Lyttleton. Esta es, a bastante distancia, la mejor producción en jugarse en un escenario del Teatro Nacional desde que Rufus Norris tomó las riendas. Es elegante en todos los sentidos, presenta un set y vestuarios hermosos de la notable Hildegard Bechtler, y algunas actuaciones centrales absolutamente soberbias.

Es un testimonio de la fuerza de la obra y la impresionante naturaleza de las habilidades del elenco que fue posible recapturar el momento después de la indisposición del espectador y la consiguiente, comprensible, confusión. Igualmente, por supuesto, la posibilidad de que el espectador haya perdido la vida añadió un extraordinario frisson a una obra cuyos temas incluyen la falta de sentido de la existencia individual en un mundo dominado por el comportamiento esperado, la conciencia tribal y reglas, prácticas y costumbres dictadas por aquellos que se benefician de continuar sin cambios. Afortunadamente, el espectador no estaba en peligro mientras la sala se vaciaba; pero para quienes estuvieron allí, fue una noche en el teatro que no será fácil de olvidar.

La obra de Barker es extraordinaria, especialmente dado que fue escrita hace más de un siglo y revisada por él en los años 20, habiendo sido prohibida la original de ser representada. Las nociones y complejas filosofías que subyacen en la narrativa son tan frescas, vitales e importantes ahora como entonces. La necesidad de invertir en el futuro, de educar correctamente a los jóvenes. La desesperanza de las camarillas políticas. La marginación de las mujeres. El doble rasero en la vida pública. Los sucios compromisos de la política de partido. El terror que un verdadero rebelde con una causa adecuada puede crear en los complacientes y nacidos para gobernar.

Más de una vez mientras se desarrollaba el drama, el diálogo chisporroteando como algún producto de Chéjov, Shaw, Ibsen y Stoppard, de una manera brillante y resonante, surgió la idea de que con algunas actualizaciones esta podría ser una obra ambientada en la actualidad tratando con Jeremy Corbyn y el NHS o los Créditos Fiscales o los Ferrocarriles. Muchos de los puntos y tensiones aquí perfectamente expresados son aptos, agudamente, para el espectro político de 2015. Verdaderamente, los políticos en ejercicio deberían ser obligados a ver esta producción como parte de su educación continua.

La obra tiene una estructura anticuada pero no sufre por ello. Los personajes y situaciones se presentan sin una exposición pesada; como Willy Loman pudo haber dicho: Hay que prestar atención. Esto no es teatro para el tipo que cambia de canal; es un teatro cautivador y absorbente que requiere atención plena, cautivadora, y recompensa eso con creces.

La visión directorial de Michell es elocuente y persuasiva. Los personajes principales están vivamente realizados y el diseño sobredimensionado y abstracto de Bechtler establece perfectamente el tema central: las personas son pequeñas en el gran esquema de las cosas. Hay un detallado meticuloso tanto en el set, el vestuario y el enfoque, así como simetría y belleza. La imagen de la luna en la segunda parte del Acto Uno es espectacularmente hermosa, un contraste perfecto con la acción que se desarrolla debajo de ella. Como se abre la primera mitad, hay una actividad central y un observador silencioso; la segunda mitad comienza de la misma manera, pero las circunstancias son completamente diferentes. Cuanto más cambian las cosas, más permanecen igual.

Olivia Williams, tal como en la serie de televisión soberbia, Manhattan, es aquí, como Amy O'Connell, una especie de tomadora de libertades, emocionalmente frágil, excéntrica del corazón en la manga, impulsada por la pasión y la desesperación a partes iguales. Ella está en una forma deslumbrante, fragilidad y honestidad sensual emanando de cada movimiento elegante. Williams muestra hermosamente los estragos que la crueldad de los hombres ha generado en ella, y su creciente sentido de desesperación cuando las circunstancias se conjuran en su contra es perfectamente juzgado. Es una actuación de gran delicadeza, confrontante y refrescante. A pesar de que su personaje está ausente en el Acto Dos, la presencia de Williams se siente constantemente.

Como la fuerza impulsora de la obra, Henry Trebell, el hombre con la visión de educación para todos, Charles Edwards es convincente durante todo el tiempo. Tiene la introspección y la indiferencia del personaje absolutamente correctas, y te hace entender claramente que Trebell es un hombre que solo es apasionado por sus principios e ideas; es incapaz de ser apasionado por las personas que forman su círculo. Está en su mejor momento en la difícil escena donde es confrontado por la Amy de Williams y su tenso discurso a los próceres del partido Tory, cuando la cuestión de su reputación entra en conflicto con sus sueños de cambiar el futuro. En general, sus momentos más tranquilos también son excelentes, aunque su escena final parecía menos poderosa de lo que la actuación de Edwards sugería que podría Hubert Burton, Emerald O'Hanrahan, Michael Elwyn, Andrew Havill, Louis Hilyer, Gerrardbe.

Pero ese puede ser el punto. Trebell solo puede ver lo que quiere y solo reacciona a eso; no se deja influir por irrelevancias como el amor o la amistad, aunque su presencia inspire mucho en otros. Así que sus escenas finales, donde sus esperanzas para el futuro han terminado por recibir una carta, quizás reflejen eso. Simplemente se rinde. Pero al igual que otros expresan su enojo por el cambio de circunstancias, Trebell también podría: la pasión por la pérdida de su sueño de principios podría ser tan potente como la de su posibilidad. Pero este es un punto pequeño en el esquema general de esta actuación elegante, equilibrada.

Haciendo un impresionante debut en el National, Hubert Burton es excepcionalmente bueno como Walter, una especie de mini-me Trebell que trabaja como su asistente. Burton proporciona un contraste perfecto al modo de Trebell: persiguiendo a su novia soñada (una magnífica Emerald O’Hanrahan como un tipo de feminista asertiva) y comprometiéndose, mientras comienza a trabajar y, esencialmente, esperando que la vida le suceda. Proporciona muchos toques cómicos a lo largo de la obra, representando, como hace su personaje, al titulado y no involucrado. Pero Walter es un observador y aprendiz, y Burton demuestra el discreto pero innegable efecto que la exposición a los principios y prácticas de Trebell ha producido. Su escena final está perfectamente calculada, extremadamente conmovedora.

Siendo una obra que examina la psique de un hombre clave en una masa arremolinada de intriga política y chismes de sociedad, Waste inevitablemente involucra tipos de Gobierno. Algunos, como se representan aquí, son caricaturas pomposas, gastadas, difíciles de escuchar. Otros son notables.

Como el astuto líder parlamentario, Horsham, Michael Elwyn es un estudio en la fina y calculada elocuencia. Como buena mantequilla, es salado y se esparce, tratando de asegurarse de estar encima de cualquier cosa valiosa. Camina como un loro frenético, esperando que las fichas de dominó caigan, decidido a estar allí esperando la última en sucumbir para que pueda mantenerse firme. Elwyn fue completamente creíble como el astuto comadreja patricio a cargo de los Tories, igualmente listo para silenciar el escándalo como para avivarlo, lo que mejor sirva para el objetivo político que le convenga. Una actuación fantástica.

Andrew Havill, como el especialista médico Sir Gilbert Wedgecroft, y Louis Hilyer, como el tumultuoso millonario del norte hecho a sí mismo, Russell Blackborough, ambos logran animar sus personajes algo trillados. Hay un verdadero sentido de unidad en estas actuaciones y la de los otros miembros “trabajadores” del partido político que respaldarán o abandonarán el plan de Trebell. Trebell está claramente marcado como un extraño para esta multitud.

Otro extraño de este tipo, colega en principio de Trebell, pero no amigo, es Lord Charles Cantilupe, aquí donde Gerrard McArthur le da vida vívida. Distanciándose físicamente y vocalmente de sus compañeros Tories, McArthur proporciona una fuerza genuina opuesta al Trebell de Edwards. Se insinúa por el escenario, lacónico y sedoso, como una especie de araña Shere Khan, jugando con los atrapados en las redes por donde elige caminar. Las convicciones religiosas férreas de Cantilupe lo llevan a entrar en conflicto con sus compañeros políticos y Trebell, pero por razones completamente diferentes. La entrega por parte de McArthur de una espléndida línea sobre el perjurio hace estallar la carcajada, pero cada elección vocal que hace aquí marca su Cantilupe como algo más que el esperado mandator upper class estirado que tan fácilmente podría haber sido. Es una actuación de primera categoría.

Como la hermana de Trebell, Frances, Sylvestra Le Touzel depende un poco demasiado de su magnífica voz ahumada para realmente darle vida a su personaje, particularmente en su abrasador rechazo a Lady Julia, interpretada por Lucy Robinson. Hay más en este personaje de lo que Le Touzel explora; después de todo, es la hermana de Trebell. Doreen Mantle es encantadora como la matriarca con una larga memoria y poco interés en el cambio - hace que Violet Grantham parezca positivamente radical. Fleur Keith es memorablemente eficiente como Bertha.

El precioso diseño de Rick Fisher es sutilmente chic. La imagen final de la papelera derramada es verdaderamente notable.

Barker trabajó incansablemente durante sus últimos años de vida y revisó su obra en los años 20, después de que su original fuera prohibida para su representación. Qué bueno el teatro ha sido en, particularmente en un momento en que la magia teatral ha sido escasa.

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