ANMELDELSE: Jane Eyre, National Theatre ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Lyttelton Theatre, National Theatre

4 Stjerner

Køb Billetter

Dette stykke begyndte oprindeligt som to fulde aftener på Bristol Old Vic, som først opførte værket i 2014. Det kommer nu til National Theatre i en kondenseret version, som stadig udgør en lang aften – 3 timer og 30 minutter inklusiv pause. Forestillingen er udviklet af ensemblet ud fra Charlotte Brontës berømte roman fra 1847 under instruktion af Sally Cookson: på visse punkter foretager den interessante afvigelser fra originalen, men tekstmæssigt er den i mange henseender overraskende trofast.

Det, der først slår en, når man tager plads i Lyttelton-salen, er scenografien – skabt af Michael Vale. Scenen er åben og indrammet af hvide gardiner, der strækker sig i fuld højde. De omgiver et komplekst system af træbroer, ramper og trapper, groft sagt i en U-form, som alle tilgås via forskellige stiger. Af og til introduceres tidsperiodiske rekvisitter og møbler, men kun i korte glimt. Overordnet set er dette en abstrakt scenografi designet til at skabe en imponerende følelse af momentum og fremkalde en række forskellige lokaliteter.

Fra handlingens spæde start, hvor den voksne Jane (Madeleine Worrall) skriger og hyler for at simulere sin fødsel, piler og spreder karaktererne sig; de løber, klatrer, klamrer sig og kravler overalt på disse konstruktioner. Hver skuespiller – der er syv plus musikere – må bogstaveligt talt tilbagelægge kilometer i løbet af en aften, hvor tanken er, at vi skal føle den enorme følelsesmæssige rejse, Jane gennemgår – fra barndommens elendighed og forsømmelse hos sine grusomme slægtninge, til Lowood Schools forskellige undertrykkelser og straffende disciplin, frem til hendes begivenhedsrige og definerende tid som guvernante på Thornfield Hall og hendes flugt til fristedet hos St John Rivers og hans søster.

Hvad giver denne iscenesættelse os så, som kan ændre vores opfattelse af en velkendt klassiker i litteraturhistorien? Det mest oplagte svar er, at det er en stærkt feministisk version af historien, der fokuserer mindst lige så meget på kampene i Janes opvækst som på melodramaet på Thornfield. Vi ser Jane stå op imod sin modbydelige familie, hævde sig mod mobningen og småligheden i velgørenhedsskolens regime og tage kampen op for de dårligst stillede rettigheder. Disse aspekter har altid været til stede i historien, men dramaturgen Mike Akers har gjort værket en tjeneste ved at skrælle victoriatidens tilbageholdenhed og usikkerhed omkring kvindelig selvstændighed væk.

Vi får her historien uden fernis og patina, og det er absolut en forbedring. Vi får også en bredere og rigere palet af bipersoner – den skinhellige og grusomme Mr. Brocklehurst, den sygelige og helgenagtige Helen Burns og den tyranniske tante, Mrs. Reed. Dette er et forfriskende, aktuelt og gennemtænkt koncept, der giver historien en rå styrke og karaktererne en dybde, som bør gøre op med minderne om de mange mere sentimentale versioner, der hidtil har domineret på scene og lærred.

Det hjælper virkelig på forståelsen af karakteren, at Jane – på det tidspunkt hun ankommer til Thornfield Hall som guvernante for Mr. Rochesters myndling – allerede er en erfaren lærerinde og et fuldt udviklet menneske, ikke en frygtsom og påvirkelig ung pige. Som resultat heraf er forholdet til Rochester ligeværdigt og gnistrende helt fra starten, hvilket gør deres samspil langt mere livligt og interessant overordnet set.

Bortset fra Jane og Rochester spiller resten af holdet flere roller hver og klarer det suverænt med at skelne imellem dem. Craig Edwards stjæler næsten billedet som Rochesters hund, Pilot, i en så uhyggelig overbevisende hundeefterligning, som jeg aldrig før har set i teatret – alt sammen baseret på den fine intuition, at en hund kan udtrykke de følelser, som Rochester selv er for tynget af angst og skyldfølelse til at formulere. Laura Elphinstone bringer en bleg stoisme til Helen Burns, en kontrasterende livlighed og energisk charme til Adele og en skinhellig strenghed til St John Rivers – man skulle virkelig ikke tro, det var samme person, der udfyldte hver af disse roller. Simone Saunders griber mulighederne i de mere begrænsede roller som Bessie, Blanche Ingram og Diana Rivers, og Maggie Tagney skaber en fin kontrast mellem den hyggelige husholderske Mrs. Fairfax og den jaloux tante, Mrs. Reed.

Hvad så med Jane og Mr. Rochester? Worrall leverer en præstation med stor gejst, hårdhed og variation uden at afsløre for meget af en sårbar side. Hun brillerer som en energisk problemløser snarere end som den, der blotlægger sine egne følelser. Felix Hayes er overraskende morsom som Rochester… tørt bevidst om sine egne modsigelser og sin besværlige knibe, samtidig med at han lever sig ind i dem. Og han har bestemt den rette bryske, bjørneagtige fremtoning til at indfri de fysiske forventninger til rollen.

Lige så imponerende skuespillet for det meste er, lige så meget ros tilkommer det store kreative team, hvis navne fylder mere i programmet end selve de medvirkende på scenen. Cookson fortjener stor anerkendelse for at have udtænkt et stærkt koncept og gennemført det metodisk ned i mindste detalje hele aftenen igennem. Gang på gang forvandler Aideen Malones lysdesign et hverdagsagtigt øjeblik til noget særligt, og Katie Sykes' kostumer fastslår tydeligt tidsperioden, mens de bevarer fleksibiliteten til hurtige skift og tilpasninger.

Jeg har endnu ikke nævnt musikken i denne opsætning, som på nogle punkter er værkets mest bemærkelsesværdige aspekt. Placeret i midten af scenografien er et klaver, et slagtøjssæt og plads til en violinist og harmonikaspiller. Benji Bower og et par andre musikere leverer en subtil blanding af jazz, folk og fin minimalistisk underlægningsmusik, der elegant bidrager til atmosfæren og tempoet i det hele. Mere specifikt leverer de akkompagnement til Melanie Marshall, der er klædt i en slående skarlagenrød kjole og vandrer gennem handlingen. Hendes overdådige stemme fører os gennem adskillige sange, både kendte og ukendte, indtil hun gradvist afsløres som værende selveste Bertha Mason.

Det er et sandt scoop at give Bertha sin egen stemme, når hun ellers ofte blot fremstilles som den uforståelige gale kvinde på loftet. Selvom dette ikke er karakteren, som hun er tænkt i Jean Rhys’ berømte forhistorie 'Wide Sargasso Sea', er det stadig en meget overbevisende tilføjelse til dramaet, og hendes fremførelse af ’Mad about the Boy’ viste sig at være et absolut højdepunkt.

Hvad afholder så denne fine produktion fra at få den sidste stjerne? Svaret er ganske enkelt, at den tekniske overlegenhed nogle gange står i vejen for den fulde følelsesmæssige indlevelse i karaktererne. Skuespillerne er så fokuserede på at levere en tour de force, at nogle af hvilepunkterne – især skabelsen af den romantiske kemi mellem Jane og Rochester – bliver overstået for hurtigt. Vi fornemmer energien og kampgejsten i forbindelsen mellem de to, og også den seksuelle tiltrækning; men selv mod slutningen manglede jeg den rendyrkede romance og ømhed, som denne roman virkelig kræver.

Det synes at ske ret ofte på National Theatre nu om dage, at når ensemblet er så fokuseret på at vise hele rækken af deres tekniske færdigheder, kan de komme til at forsømme de mere traditionelle aspekter af karaktertegningen, som man ikke må tage for givet. Vi har brug for at se ikke bare Janes fulde styrke som uafhængig karakter og Rochesters gnavne lune, men også to karakterer, der uundgåeligt drages mod hinanden på trods af deres bedste forsøg på at trække sig væk. Nogle gange tror skuespillere, at det er for banalt at spille de romantiske scener helt ud med hjertet udenpå tøjet. Det er ikke nok at antyde eller tilføje ironi eller tage det for givet – følelser skal undertiden stadig spilles ud i den helt store stil i de afgørende øjeblikke. Når den originale tekst blev brugt i detaljer, blev der naturligt trådt på bremsen, og forfatterens rytme blev genoprettet – det burde være sket oftere.

Dette er en fuldt ud fængslende aften i teatret. Man føler aldrig, at tiden trækker ud, og man kan kun blive imponeret over den måde, ensemblet finder nye betydninger i et materiale, som vi alle tror, vi kender ud og ind. Det er en sand ensembleforestilling med plads til, at den enkelte kan stråle, og hvor helheden resonerer med noget større end de individuelle bidrag. Den imponerede stort, fik mig ofte til at grine, men rørte mig i anden akt sjældent helt så dybt, som den burde.

Jane Eyre spiller på National Theatre frem til den 10. januar 2016.