RECENSIE: Jane Eyre, National Theatre ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Lyttelton Theatre, National Theatre

4 Sterren

Koop Tickets

Dit toneelstuk begon als twee avondvullende voorstellingen bij de Bristol Old Vic, die het werk voor het eerst opvoerden in 2014. Nu komt het naar de National in een ingekorte versie, wat overigens nog steeds een lange zit is – 3 uur en 30 minuten inclusief pauze. Het stuk is door het gezelschap ontwikkeld naar de beroemde roman van Charlotte Brontë uit 1847 onder regie van Sally Cookson. Op sommige momenten wijkt het op interessante wijze af van het origineel, maar tekstueel is het in veel opzichten verrassend trouw aan de bron.

Wat direct opvalt zodra u plaatsneemt in het Lyttelton, is het decor van Michael Vale. Het toneel is open en wordt omlijst door kamerhoge witte gordijnen. Deze omringen een complex stelsel van houten loopbruggen, hellingen en trappen, grofweg in een U-vorm en allemaal bereikbaar via diverse ladders. Af en toe worden er rekwisieten of meubels uit de tijd zelf geïntroduceerd, maar slechts vluchtig. Al met al is het een abstract decor, ontworpen om een indrukwekkend gevoel van vaart te creëren en een verscheidenheid aan locaties op te roepen.

Vanaf het allereerste moment, waarin de volwassen Jane (Madeleine Worrall) kreunt en schreeuwt om haar geboorte na te bootsen, rennen, klimmen en klauteren de personages over deze structuren. Elke acteur – er zijn er zeven, plus de muzikanten – legt letterlijk kilometers af tijdens de avond, waarin we de enorme emotionele reis van Jane moeten voelen: van de ellende en verwaarlozing uit haar jeugd bij haar wrede familie, via de verschillende onderdrukkingen en bestraffende disciplines van de Lowood School, tot haar veelbewogen tijd als gouvernante op Thornfield Hall en haar vlucht naar het toevluchtsoord bij St John Rivers en zijn zus.

Wat biedt deze productie ons dan dat onze kijk op een van de klassiekers uit de literatuurgeschiedenis kan veranderen? Het meest duidelijke antwoord is dat dit een krachtig feministische versie van het verhaal is, die net zozeer, zo niet meer, focust op de strijd uit Jane's opvoeding als op het melodrama van Thornfield. We zien Jane opstaan tegen haar afschuwelijke familie, zich verzetten tegen de pesterijen en gierigheid van het regime op de liefdadigheidsschool, en opkomen voor de rechten van de minderbedeelden. Deze aspecten zaten altijd al in het verhaal, maar dramaturg Mike Akers heeft het boek een dienst bewezen door de Victoriaanse terughoudendheid en de angst voor vrouwelijke zelfbeschikking weg te strippen.

We krijgen het verhaal ontdaan van alle franje en dat is een absolute verbetering. Ook zien we een rijker palet aan bijpersonages: de schijnheilige en wrede meneer Brocklehurst, de ziekelijke en vrome Helen Burns en de feeks van een tante, mevrouw Reed. Dit is een fris, actueel en goed doordacht concept dat het verhaal sterker maakt en de personages tot volle bloei laat komen. Het zou definitief moeten afrekenen met de sentimentele versies die tot nu toe het toneel en het witte doek hebben gedomineerd.

Het helpt enorm om te beseffen dat tegen de tijd dat Jane op Thornfield Hall aankomt als gouvernante voor de pupil van meneer Rochester, ze een ervaren lerares en een gevormde persoonlijkheid is, geen bedeesde en beïnvloedbare ingénue. Hierdoor is de relatie met Rochester vanaf het begin gelijkwaardig en vinnig, wat hun interactie over het geheel genomen veel levendiger en interessanter maakt.

Behalve Jane en Rochester spelen alle castleden meerdere rollen, waarbij ze zich uitstekend van hun taak kwijten door de onderlinge verschillen duidelijk neer te zetten. Craig Edwards steelt bijna de show als Rochesters hond, Pilot, met een even onwerkelijke als overtuigende imitatie – gebaseerd op de rake intuïtie dat een hond de emoties kan uiten die Rochester door zijn angst en schuldgevoel niet kan verwoorden. Laura Elphinstone brengt een bleek stoïcisme naar Helen Burns, een contrasterende levendigheid aan Adele en een schijnheilige gestrengheid naar St John Rivers – je zou echt niet denken dat dezelfde persoon al deze rollen vertolkt. Simone Saunders benut de kansen in de kleinere rollen van Bessie, Blanche Ingram en Diana Rivers optimaal, en Maggie Tagney vormt een mooi contrast tussen de gemoedelijke huishoudster mevrouw Fairfax en de jaloerse tante Reed.

En hoe zit het met Jane en meneer Rochester? Worrall speelt met veel verve, kracht en variatie, zonder veel van haar kwetsbare kant te tonen. Ze blinkt uit als een energieke probleemoplosser in plaats van iemand die haar innerlijke emoties blootlegt. Felix Hayes is verrassend grappig als Rochester... sardonisch bewust van zijn eigen tegenstrijdigheden en de lastige situatie waarin hij zich bevindt. En hij heeft zeker de juiste botte, beerachtige uitstraling die bij de fysieke verwachtingen van de rol past.

Hoe indrukwekkend het acteerwerk ook is, evenveel krediet gaat naar het grote creatieve team, wier namen meer ruimte in het programmaboekje innemen dan de ploeg op het toneel. Cookson verdient veel lof voor het bedenken van een sterk concept en het consequent doorvoeren ervan in elk detail. Keer op keer transformeert het lichtplan van Aideen Malone een alledaags moment in iets speciaals, en de kostuums van Katie Sykes zetten de tijdsperiode duidelijk neer, terwijl ze flexibel genoeg blijven voor de vele snelle verkledingen.

Ik heb tot nu toe niets gezegd over de muziek, wat in sommige opzichten het meest opmerkelijke aspect van de voorstelling is. Midden in het decor staan een piano, een percussieset en is er ruimte voor een violist en accordeonist. Benji Bower en enkele andere muzikanten zorgen voor een subtiele mix van jazz, folk en minimalistische begeleiding die veel toevoegt aan de sfeer en het tempo. Specifiek begeleiden zij Melanie Marshall, die in een opvallende scharlakenrode jurk door de actie dwaalt. Haar prachtige stem neemt ons mee door verschillende liederen, bekend en onbekend, totdat geleidelijk wordt onthuld dat zij Bertha Mason zelf is.

Het is een meesterzet om Bertha een eigen stem te geven, waar ze vaak simpelweg wordt neergezet als de wartaal uitslaande gek op zolder. Hoewel dit niet het personage is zoals beschreven in Jean Rhys' beroemde prequel Wide Sargasso Sea, is het toch een zeer overtuigende toevoeging aan het drama. Haar vertolking van ‘Mad about the Boy’ was een absoluut hoogtepunt van de avond.

Waarom krijgt deze mooie productie dan niet die felbegeerde vijfde ster? Het antwoord is simpelweg dat de technische bravoure soms de volledige inleving in de personages in de weg staat. De acteurs zijn zo gefocust op het leveren van een tour de force dat sommige rustmomenten, die essentieel zijn voor het creëren van romantische chemie tussen Jane en Rochester, te snel worden afgehandeld. We voelen de energie en de vinnigheid van hun band, evenals de seksuele aantrekkingskracht; maar zelfs aan het einde miste ik de volbloed romantiek en tederheid waar dit verhaal eigenlijk om vraagt.

Het lijkt de laatste tijd vaker te gebeuren bij de National: wanneer een gezelschap zo gefocust is op het tonen van alle technische vaardigheden, schieten ze tekort bij de meer traditionele aspecten van karakterisering die we niet voor lief mogen nemen. We moeten niet alleen Jane's onafhankelijke karakter en Rochesters nukkige excentriciteit zien, maar ook twee mensen die onvermijdelijk tot elkaar worden aangetrokken, ondanks hun pogingen zich los te maken. Soms denken acteurs dat het te voor de hand liggend is om romantische scènes vol overgave en zonder ironie te spelen. Maar dat is niet genoeg – sentiment moet op de juiste momenten nog steeds groots en meeslepend worden gebracht. Wanneer de oorspronkelijke tekst tot in detail werd gebruikt, kwam de vaart er op natuurlijke wijze uit en herstelden de ritmes van de auteur zich; dat had vaker mogen gebeuren.

Dit is een absoluut boeiende avond in het theater. De tijd vliegt voorbij en je kunt alleen maar onder de indruk zijn van de manier waarop de cast nieuwe betekenissen vindt in materiaal dat we allemaal denken te dromen. Dit is een echt ensemblewerk waar ruimte is voor individuen om te stralen, terwijl het geheel meer is dan de som der delen. Het maakte enorm veel indruk en ik heb vaak gelachen, maar in de tweede helft wist het me zelden echt te raken zoals het zou moeten.

Jane Eyre is tot 10 januari 2016 te zien in het National Theatre.