RESENHA: Jane Eyre, National Theatre ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Lyttelton Theatre, National Theatre

4 Estrelas

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Este espetáculo começou por ser apresentado em duas noites completas no Bristol Old Vic, que estreou a produção em 2014. Chega agora ao National numa versão condensada, que ainda assim dá uma noite longa – 3 horas e 30 minutos, incluindo intervalo. O espetáculo foi criado pela companhia a partir do célebre romance de 1847 de Charlotte Brontë, sob a direção de Sally Cookson: em alguns momentos faz desvios interessantes em relação ao original, mas, em termos de texto, é em muitos aspetos surpreendentemente fiel.

O que se impõe logo ao entrar e sentar-se no Lyttelton é o cenário – trabalho de Michael Vale. O palco está aberto e emoldurado por cortinas brancas que se elevam até à altura total. À volta, envolve uma complexa estrutura de passadiços, rampas e degraus de madeira, mais ou menos em forma de U, tudo acedido por uma variedade de escadas. De vez em quando entram adereços e mobiliário de época, mas apenas por instantes. No geral, trata-se de um cenário abstrato pensado para gerar um impressionante sentido de movimento e convocar uma variedade de lugares.

Desde o início da ação, quando a Jane adulta (Madeleine Worrall) geme e uiva para simular o próprio nascimento, as personagens correm de um lado para o outro, espalham-se, correm, sobem, agarram-se e trepam por toda a estrutura. Cada ator – são sete, mais músicos – tem de percorrer literalmente quilómetros ao longo de uma noite em que devemos sentir a enorme viagem emocional de Jane – desde a miséria e negligência da infância com os parentes cruéis, passando pelas diferentes opressões e disciplinas punitivas de Lowood, até ao tempo decisivo e cheio de acontecimentos como governanta em Thornfield Hall e a sua fuga para um refúgio com St John Rivers e a irmã dele.

O que é que esta produção nos oferece que possa mudar a nossa perceção de um romance tão familiar do cânone? A resposta mais óbvia é que se trata de uma versão marcadamente feminista da história, que se centra tanto – se não mais – nas lutas da formação de Jane quanto no melodrama de Thornfield. Vemos Jane enfrentar a família abjeta, afirmar-se contra o bullying e a mesquinhez do regime da escola de caridade e tomar posição pelos direitos dos desfavorecidos. Estes aspetos sempre estiveram presentes na história, mas o dramaturgista Mike Akers presta aqui um grande serviço ao livro, ao despir a reserva vitoriana e a ansiedade perante a autoafirmação feminina.

Ficamos com a história sem verniz nem pátina, e isso só a melhora. Ganhamos também uma paleta mais ampla e rica de personagens secundárias – o hipócrita e cruel Sr. Brocklehurst, a frágil e santa Helen Burns e a tia megera, a Sra. Reed. É um conceito refrescante, oportuno e muito bem pensado, que dá dureza à história e faz as personagens florescerem por completo, pondo em causa as memórias das muitas versões mais sentimentais que até agora dominaram em palco e ecrã.

Ajuda muito perceber que, quando Jane chega a Thornfield Hall como governanta da pupila do Sr. Rochester, ela já é uma professora experiente e uma pessoa plenamente formada, não uma ingénua tímida e impressionável. Por isso, a relação com Rochester é equilibrada e viva desde o início, tornando a interação entre ambos muito mais animada e interessante no conjunto.

Para além de Jane e Rochester, todo o elenco assume múltiplos papéis e sai-se soberbamente a diferenciá-los. Craig Edwards quase rouba o espetáculo por completo como Pilot, o cão de Rochester – uma imitação canina tão inquietantemente convincente como alguma vez vi no teatro – baseada na intuição certeira de que um cão consegue expressar as emoções que Rochester está demasiado enredado em ansiedade e culpa para articular. Laura Elphinstone dá um estoicismo pálido a Helen Burns, uma vivacidade contrastante e um charme enérgico a Adèle, e um rigor moralista a St John Rivers – custa mesmo a acreditar que seja a mesma pessoa em cada um destes papéis. Simone Saunders aproveita as oportunidades disponíveis nos papéis mais limitados de Bessie, Blanche Ingram e Diana Rivers, e Maggie Tagney contrasta bem a caseira governanta, a Sra. Fairfax, com a tia ciumenta, a Sra. Reed.

E quanto a Jane e ao Sr. Rochester? Worrall oferece uma interpretação de grande verve, dureza e variedade, sem revelar muito de um lado mais vulnerável. Brilha como solucionadora enérgica de problemas, mais do que como alguém que expõe as próprias emoções. Felix Hayes é surpreendentemente engraçado como Rochester… com uma consciência irónica das suas próprias contradições e da sua situação áspera, ao mesmo tempo que as vive por dentro. E tem, sem dúvida, a atitude atrevida e rude que corresponde às expectativas físicas do papel.

Por mais impressionante que seja, em geral, o trabalho de interpretação, tanto mérito pertence à grande equipa criativa, cujos nomes ocupam mais espaço no programa do que a equipa de palco. Cookson merece grandes elogios por conceber um conceito sólido e aplicá-lo com rigor, em detalhe, ao longo de toda a noite. Repetidas vezes, o desenho de luz de Aideen Malone transforma um momento banal em algo especial, e os figurinos de Katie Sykes afirmam claramente a época, mantendo flexibilidade para mudanças rápidas e adaptações.

Ainda não disse nada sobre a música desta produção, que, em certos aspetos, é o elemento mais marcante do trabalho. Aninhados no centro do cenário estão um piano, um set de percussão e espaço para uma violinista e um acordeonista. Benji Bower e mais alguns músicos oferecem uma mistura subtil de jazz, folk e um acompanhamento minimalista delicado, que acrescenta com destreza atmosfera e ritmo ao conjunto. Mais especificamente, acompanham Melanie Marshall, vestida com um impressionante vestido escarlate e a deambular pela ação. A sua voz sumptuosa conduz-nos por várias canções, conhecidas e menos conhecidas, até que, pouco a pouco, se revela que ela é a própria Bertha Mason.

É um verdadeiro golpe de génio dar a Bertha uma voz própria, quando tantas vezes é reduzida à figura inarticulada da louca no sótão. Embora não seja a personagem tal como foi imaginada na célebre prequela de Jean Rhys, Mar de Sargaços, continua a ser uma interpolação muito convincente no drama, e a sua interpretação de ‘Mad about the Boy’ foi um autêntico momento que parou o espetáculo.

O que é então que retira a esta excelente produção o brilho de uma estrela final? A resposta é simples: a bravura técnica por vezes atrapalha a plena ocupação imaginativa das personagens. Os atores estão tão concentrados em oferecer uma demonstração de força que alguns momentos de repouso – em particular para criar a química romântica entre Jane e Rochester – passam depressa demais. Sentimos a energia e a combatividade da ligação entre ambos, e também a atração sexual; mas, mesmo no fim, senti falta do romance pleno e da ternura que este romance realmente exige.

Parece acontecer com bastante frequência no National, ultimamente: quando a companhia está tão focada em mostrar toda a gama de competências técnicas ao seu dispor, pode ficar aquém desses aspetos mais tradicionais da caracterização, que não deviam ser dados como garantidos. Precisamos de ver não só a força total do caráter independente de Jane e a rabugice caprichosa de Rochester, mas também duas pessoas inevitavelmente atraídas uma pela outra, apesar dos seus melhores esforços para se afastarem. Por vezes, os atores acham que é demasiado óbvio representar cenas românticas de forma aberta e de peito cheio. Não basta sugerir, nem acrescentar ironia, nem assumir que o público entende – o sentimento, por vezes, ainda precisa de ser vivido em grande estilo nos momentos culminantes. Quando o texto original era usado com detalhe, os travões eram naturalmente aplicados e os ritmos da autora voltavam a impor-se – isto precisava de acontecer mais vezes.

É uma noite de teatro plenamente cativante. Não se sente o tempo a arrastar-se e só se pode ficar impressionado com a forma como o elenco encontra novos significados num material que todos julgamos conhecer de trás para a frente. É uma verdadeira produção de conjunto, com espaço para os indivíduos brilharem e para o todo ressoar com algo maior do que as contribuições individuais. Impressionou-me imenso, fez-me rir muitas vezes, mas, na segunda parte, raramente me comoveu como deveria.

Jane Eyre está em cena no National Theatre até 10 de janeiro de 2016.