レビュー: 『ジェーン・エイア』 ナショナル・シアター ✭✭✭✭

ジェーン・エア

2015/09/17

リトルトン劇場（ナショナル・シアター）

星4つ

チケットを購入

本作は、2014年に初演を行ったブリストル・オールド・ヴィックで「2夜連続」の上演として産声を上げました。今回ナショナル・シアターでは凝縮版での上演となりますが、それでも終演までたっぷり――休憩を含めて3時間30分の長丁場です。シャーロット・ブロンテの1847年の名作小説をもとに、サリー・クックソンの演出のもとカンパニーがディバイジング（共同創作）で作り上げた舞台で、ところどころ原作から興味深いアレンジがある一方、台詞の面では驚くほど忠実でもあります。

リトルトンで席に着いてまず目を奪われるのが、マイケル・ヴェイルによる舞台美術です。舞台はオープンで、白い幕が天井高くまで立ち上がり、フレームのように空間を囲みます。その内側には、木製の通路やスロープ、階段が複雑に組まれ、全体としておおよそU字型。あちこちに梯子が掛けられ、そこからアクセスする構造です。時代物の小道具や家具が持ち込まれることもありますが、ほんの一瞬。総じてこれは抽象的なセットで、勢いのある推進力を生み出し、さまざまな場所を立ち上げてみせる狙いが明確です。

幕開け早々、成人したジェーン（マデレーン・ウォーラル）が自らの誕生を表すように泣き叫び、うなり声を上げると、登場人物たちはせわしなく走り回り、散り、駆け、よじ登り、しがみつき、構造物の上を縦横無尽に移動します。出演者は7人（＋ミュージシャン）ですが、この夜のあいだに文字どおり何マイルも動き回ることになるでしょう。私たちが感じ取るべきなのは、ジェーンが歩む巨大な感情の旅――残酷な親族のもとでの不幸とネグレクト、ローウッド校での抑圧と懲罰的な規律、そしてソーンフィールド館でロチェスター氏の被後見人の家庭教師として過ごす決定的な時期、さらにはセント・ジョン・リヴァーズとその妹のもとへ逃れて安息の地を求めるまで――その全行程です。

では、このプロダクションは、古典としておなじみの小説の見え方をどう変えてくれるのでしょうか。最もわかりやすい答えは、ソーンフィールドのメロドラマ以上に、あるいはそれと同じくらい、ジェーンの成長の闘いに焦点を当てた、強いフェミニズムの視点を持つ版だということです。卑劣な家族に立ち向かい、慈善学校のいじめと卑小さに抗い、弱い立場の人々の権利のために声を上げるジェーンが描かれます。こうした要素はもともと原作に備わっていましたが、ドラマトゥルクのマイク・エイカーズが、女性の自己主張に対するヴィクトリア朝的な遠慮や不安をそぎ落とすことで、作品に大きな貢献をしています。

艶出しや古色を取り払った物語は、全面的に良くなっています。さらに、脇役たちの色彩もより広く豊かに――独善的で残酷なブロクルハースト氏、病弱で聖女のようなヘレン・バーンズ、そして鬼姑のような伯母リード夫人。爽快で、時宜を得ており、よく練られたコンセプトが物語に硬質さを与え、人物像を生き生きと開花させています。これまで舞台や映像で主流だった、より感傷的な数々の版の記憶を一掃してくれるはずです。

ジェーンがロチェスター氏の被後見人の家庭教師としてソーンフィールド館に到着する時点で、彼女はすでに経験ある教師であり、人格として完成された存在である――臆病で影響を受けやすい若い娘ではない――という点を踏まえると、作品はぐっと腑に落ちます。その結果、ロチェスターとの関係は最初から対等で火花が散り、二人のやり取りは全体として格段に生き生きと、面白くなるのです。

ジェーンとロチェスター以外のキャストは複数役を演じ分け、その差異化を見事に成し遂げています。クレイグ・エドワーズはロチェスターの犬パイロット役で、危うく舞台を丸ごとさらいかねない勢い。劇場で見た中でも屈指の、妙にリアルで説得力のある犬の模倣で、しかも「犬は、ロチェスターが不安と罪悪感でこじらせて言葉にできない感情を表現できる」という鋭い直観に基づいているのが巧い。ローラ・エルフィンストーンは、ヘレン・バーンズには淡々としたストイックさを、アデルには対照的な生気と躍動する魅力を、セント・ジョン・リヴァーズには独善的な厳格さを与えます。同じ人物が演じているとはとても思えないほどです。シモーン・ソーンダーズは、ベッシー、ブランシュ・イングラム、ダイアナ・リヴァーズといった比較的出番の限られた役どころでも、与えられた機会をしっかり生かしています。マギー・タグニーは、家庭的な家政婦フェアファクス夫人と、嫉妬深い伯母リード夫人をうまく対比させます。

では、ジェーンとロチェスター氏はどうでしょう。ウォーラルは、溌剌とした勢い、タフさ、そして幅のある演技を見せる一方で、より脆い側面はあまり覗かせません。自分の感情をさらけ出すというより、エネルギッシュに問題を解決していく人物として抜群です。フェリックス・ヘイズのロチェスターは意外なほど可笑しい……自分の矛盾と不機嫌で厄介な状況を皮肉っぽく自覚しつつ、その矛盾をそのまま生きています。そして、役に求められる身体的イメージに応える、粗野で熊のような佇まいもきちんと備えています。

演技の見事さに負けず劣らず称えるべきは、プログラム上では舞台スタッフよりも多くのスペースを占める大規模なクリエイティブ・チームでしょう。優れたコンセプトを立ち上げ、それを夜通し厳密に適用したクックソンは高く評価されるべきです。エイディーン・マローンの照明プランは、何度も平凡な瞬間を特別なものへと変貌させます。ケイティ・サイクスの衣裳は時代性を明確に打ち出しつつ、早替えや役替わりに対応できる柔軟さも確保しています。

ここまでこのプロダクションの音楽に触れていませんでしたが、ある意味で最も注目すべき要素かもしれません。セット中央にはピアノと打楽器一式、そしてヴァイオリンとアコーディオンの奏者のためのスペースが据えられています。ベンジ・バウアーら数名のミュージシャンが、ジャズとフォーク、そして可憐なミニマル調のアンダースコアを繊細に混ぜ合わせ、作品全体の雰囲気とテンポに巧みに寄与します。さらに具体的には、鮮烈な緋色のドレスをまとい、場面のあいだを漂うように歩くメラニー・マーシャルに伴奏をつけます。豊かな歌声で、馴染みのある曲から意外な曲までいくつもの歌を聴かせ、やがて彼女がバーサ・メイソンその人であることが徐々に明かされていきます。

屋根裏の「言葉を持たない狂女」として処理されがちなバーサに、彼女自身の声を与えるのは見事な一手です。ジーン・リースの有名な前日譚『ワイド・サルガッソー・シー』が描く人物像とは異なるものの、ドラマの中への挿入として十分に説得力があり、彼女が歌う『Mad about the Boy』は文句なしのショーストッパーでした。

では、この優れたプロダクションから最後の「もう一つの星」を奪っているものは何か。答えは単純で、技術的な妙技が、ときに人物への想像力の没入を妨げてしまうことです。俳優たちは圧倒的な離れ業を見せることに集中するあまり、特にジェーンとロチェスターのロマンティックな化学反応を育てるための「間」や休止点が、あまりに急ぎ足で通り過ぎられてしまいます。二人のつながりの生気や気の強さ、性的な引力も感じ取れるのですが、最後まで、この小説が本来求める、全開のロマンスとやさしさが少し足りないと感じました。

最近のナショナルでは、カンパニーが手持ちの技術の幅広さを見せることに意識が向きすぎると、当たり前にしてはいけないはずの、より伝統的な人物造形の部分で物足りなくなることがしばしばあります。必要なのは、ジェーンの独立心の強さと、ロチェスターの不機嫌で風変わりな魅力だけではありません。互いに離れようと最善を尽くしても、結局は抗いがたく惹かれ合ってしまう二人が見えなければならない。役者は、ロマンティックな場面を正面から、胸いっぱいに朗々と演じるのは「分かりやすすぎる」と思いがちです。しかし、示唆したり、皮肉を添えたり、暗黙の了解にしてしまうだけでは足りない――クライマックスでは、感情は大きな様式で、きちんと演じ切られる必要があります。原作の文章が細部にわたって用いられる場面では、自然にブレーキがかかり、作者固有のリズムが立ち上がります――それがもっと頻繁に起きてよかった。

それでも、これは観劇体験として強く引き込まれる一夜です。時間が長く感じることはなく、誰もが隅々まで知っていると思っていた素材から、キャストが新しい意味を掘り起こしていく手腕にただただ感心させられます。個々が輝く余地を持ちながら、全体として個人の総和を超えた響きを生む、真のアンサンブル作品です。大いに印象づけられ、よく笑わされました。ただ、後半は本来もっと胸を打つはずなのに、そこまで届かない瞬間が多かったのも事実です。

『ジェーン・エア』はナショナル・シアターにて2016年1月10日まで上演。