CRITIQUE : Jane Eyre, Théâtre National ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Lyttelton Theatre, National Theatre

4 Étoiles

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Cette pièce a vu le jour sous la forme de deux soirées complètes au Bristol Old Vic, qui a présenté l'œuvre pour la première fois en 2014. Elle arrive maintenant au National dans une version condensée, qui reste tout de même une longue soirée - 3 heures et 30 minutes entracte compris. La pièce a été conçue par la Compagnie à partir du célèbre roman de Charlotte Brontë de 1847 sous la direction de Sally Cookson : à certains moments, elle s'écarte de manière intéressante de l'original, mais sur le plan textuel, elle est par certains aspects étonnamment fidèle.

Ce qui vous frappe tout d'abord en prenant place au Lyttelton, c'est le décor - l'œuvre de Michael Vale. La scène est ouverte et encadrée par des draperies blanches qui s'élèvent à pleine hauteur. Elles entourent un ensemble complexe de passerelles, de rampes et d'escaliers en bois, grossièrement en forme de U et accessibles par une variété d'échelles. Parfois, des accessoires et meubles d'époque sont introduits, mais seulement brièvement. Dans l'ensemble, c'est un décor abstrait conçu pour générer une impressionnante sensation de mouvement et évoquer une variété de lieux.

Dès le début de l'action, lorsque l'adulte Jane (Madeleine Worrall) pleure et hurle pour simuler sa naissance, les personnages se dépêchent et se dispersent, courent, grimpent, s'accrochent et escaladent ces structures. Chaque acteur – ils sont sept, plus les musiciens – doit parcourir littéralement des kilomètres au cours d'une soirée où nous sommes censés ressentir le gigantesque voyage émotionnel de Jane – de la misère et de la négligence de son enfance avec ses cruels parents, aux différentes oppressions et disciplines punitives de l'école de Lowood, jusqu'à son temps événementiel et déterminant en tant que gouvernante à Thornfield Hall et sa fuite vers le sanctuaire avec St John Rivers et sa sœur.

Que nous offre alors la production qui pourrait changer notre perception d'un roman familier dans le canon ? La réponse la plus évidente est qu'il s'agit d'une version fortement féministe de l'histoire qui se concentre autant sinon plus sur les luttes de l'éducation de Jane que sur le mélodrame de Thornfield. Nous voyons Jane tenir tête à sa famille odieuse, s'affirmer contre l'intimidation et la mesquinerie du régime scolaire de charité, et prendre position pour les droits des défavorisés. Ces aspects étaient toujours présents dans l'histoire, mais le dramaturge Mike Akers a rendu un service au livre ici en enlevant la réticence victorienne et l'anxiété relative à l'affirmation de soi féminine.

Nous avons l'histoire sans vernis ni patine et c'est une amélioration totale. Nous bénéficions également d'une palette plus large et plus riche de personnages secondaires – le moraliste et cruel Monsieur Brocklehurst, la maladive et sainte Helen Burns et la mégère tante, Mme Reed. C'est un concept rafraîchissant, opportun et bien pensé qui donne une dureté à l'histoire et un épanouissement complet aux personnages qui devrait mettre fin à nos souvenirs des versions plus sentimentales qui ont dominé à la scène et à l'écran jusqu'ici.

Cela aide vraiment à comprendre que lorsque Jane arrive à Thornfield Hall en tant que gouvernante de la pupille de M. Rochester, elle est une enseignante expérimentée et une personne pleinement formée, non pas une ingénue timide et impressionnable. En conséquence, la relation avec Rochester est égale et vive dès le départ, ce qui rend leurs interactions globalement beaucoup plus animées et intéressantes.

À part Jane et Rochester, le reste de la distribution endosse plusieurs rôles et se distingue remarquablement en les différenciant. Craig Edwards vole presque la vedette dans le rôle du chien de Rochester, Pilot, une imitation canine aussi extraordinaire et convaincante que j'ai jamais vue au théâtre – tout cela repose sur l'intuition habile qu'un chien peut exprimer les émotions que Rochester est trop tourmenté par l'anxiété et la culpabilité pour articuler. Laura Elphinstone apporte une stoïcité terne à Helen Burns, une vivacité de contraste et un charme énergique à Adele et une rigueur sanctimonieuse à St John Rivers – vous ne penseriez vraiment pas que la même personne inhabite chacun de ces rôles. Simone Saunders saisit les opportunités disponibles dans les rôles plus limités de Bessie, Blanche Ingram et Diana Rivers, et Maggie Tagney contraste joliment la gouvernante domestique Mme Fairfax avec la tante jalouse, Mme Reed.

Qu'en est-il alors de Jane et de M. Rochester ? Worrall offre une performance pleine de verve, de dureté et de variété sans révéler beaucoup de son côté plus vulnérable. Elle excelle en tant que résolveur de problèmes énergique plutôt qu'en révélateur de ses propres émotions. Felix Hayes est étonnamment drôle en Rochester...conscient avec ironie de ses propres contradictions et situation croisée tout en les habitant. Et il a certainement l'attitude audacieuse et bourrue pour répondre aux attentes physiques du rôle.

Aussi impressionnante que soit principalement la comédie, tout autant de crédit revient à la grande équipe créative dont les noms occupent plus d'espace dans le programme que ceux de l'équipe scénique. Cookson mérite de grands éloges pour avoir conçu un concept remarquable et l'avoir appliqué dans le moindre détail tout au long de la soirée. À maintes reprises, le plan lumineux d'Aideen Malone transforme un moment banal en quelque chose de spécial et les costumes de Katie Sykes affirment clairement la période tout en laissant une flexibilité pour des changements et adaptations rapides.

Je n'ai encore rien dit de la musique dans cette production, qui à certains égards est l'aspect le plus notable de l'œuvre. Niché au centre du décor se trouve un piano, un ensemble de percussions et de la place pour un violoniste et un accordéoniste. Benji Bower et quelques autres musiciens offrent un subtil mélange de jazz, de folk et d'accompagnement minimaliste mignon qui ajoute habilement à l'ambiance et au rythme du tout. Plus spécifiquement, ils fournissent l'accompagnement à Melanie Marshall, habillée d'une robe écarlate frappante et parcourant l'action. Sa voix somptueuse nous fait traverser plusieurs chansons, familières et non familières, jusqu'à ce qu'elle soit finalement révélée être Bertha Mason elle-même.

C'est un véritable coup de maître que de donner à Bertha une voix propre, alors qu'elle est souvent simplement rendue comme la femme folle et inarticulée dans le grenier. Bien que ce ne soit pas le personnage tel qu'envisagé dans le célèbre préquel de Jean Rhys, Wide Sargasso Sea, c'est toujours une interpolation très convaincante dans le drame, et son interprétation de 'Mad about the Boy' s'est révélée être un véritable show-stopper.

Qu'est-ce qui prive alors cette belle production de l'accolade d'une étoile finale ? La réponse est simplement que la virtuosité technique gêne parfois l'occupation imaginative complète du personnage. Les acteurs sont tellement concentrés sur le fait d'offrir un tour de force que certains des points de repos, en particulier pour la création de la chimie romantique entre Jane et Rochester, sont survolés trop rapidement. Nous sentons l'animation et l'ardeur de la connexion entre les deux, et l'attraction sexuelle aussi ; mais même à la fin, il m'a manqué la romance et la tendresse à part entière que ce roman exige vraiment.

Il semble arriver assez souvent au National ces jours-ci que lorsqu'étant donné que la Compagnie est si concentrée à montrer toute l'étendue des compétences techniques à sa disposition, elle peut faire défaut sur ces aspects plus traditionnels de la caractérisation qui ne devraient pas être pris pour acquis. Nous avons besoin de voir non seulement tout le caractère indépendant de Jane et la diversité grognonne de Rochester, mais aussi deux personnages attirés l'un vers l'autre inévitablement malgré leurs efforts pour s'éloigner. Parfois, les acteurs pensent que c'est simplement trop évident de jouer des scènes romantiques de manière pleine et ouverte. Il ne suffit pas d'impliquer ou d'ajouter de l'ironie ou de le prendre pour acquis – le sentiment a parfois toujours besoin d'être entendu d'une manière grandiose aux moments culminants. Lorsque le texte original a été utilisé en détail, le frein a été appliqué naturellement, et le rythme de l'auteur s'est réimposé – cela devait se produire plus souvent.

C'est une soirée pleinement captivante au théâtre. Vous ne sentez pas le temps traîner et êtes seulement impressionné par la manière dont les acteurs trouvent de nouvelles significations dans un matériau que nous pensons tous connaître par cœur. C'est une production vraiment collective avec un champ pour les individus de briller et l'ensemble de résonner avec quelque chose de plus grand que leurs contributions individuelles aussi. Cela a énormément impressionné, m'a fait rire souvent, mais dans la seconde moitié m'a rarement touché comme il aurait dû.

Jane Eyre est à l'affiche au National Theatre jusqu'au 10 janvier 2016.