ANMELDELSE: Jane Eyre, National Theatre ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Lyttelton Theatre, National Theatre

4 stjerner

Kjøp billetter

Dette stykket startet som to helaftener ved Bristol Old Vic, som først satte opp verket i 2014. Nå kommer det til National Theatre i en fortettet versjon, som fremdeles utgjør en lang kveld – 3 timer og 30 minutter inkludert pause. Stykket er utviklet av ensemblet basert på Charlotte Brontës berømte roman fra 1847 under regi av Sally Cookson: på enkelte punkter gjør den interessante avvik fra originalen, men sjangermessig er den i mange henseender overraskende trofast mot teksten.

Det første som slår deg når du tar plass i Lyttelton, er scenografien – signert Michael Vale. Scenen er åpen og rammet inn av hvite draperinger som strekker seg i full høyde. De omgir et komplekst sett med gangveier, ramper og trapper i tre, grovt sett i u-form, med tilgang via en rekke stiger. Innimellom introduseres tidsriktige rekvisitter og møbler, men bare flyktig. Alt i alt er dette en abstrakt scenografi designet for å skape en imponerende følelse av fremdrift og for å mane frem mange ulike steder.

Helt fra starten av handlingen, når den voksne Jane (Madeleine Worrall) hyler og skriker for å simulere sin egen fødsel, piler og sprer karakterene seg; de løper, klatrer og klamrer seg fast over hele konstruksjonen. Hver skuespiller – det er sju totalt, pluss musikere – må bokstavelig talt legge bak seg milevis i løpet av kvelden, der vi skal føle på den enorme emosjonelle reisen Jane foretar – fra barndommens elendighet og vanskjøtsel hos slemme slektninger, gjennom Lowood-skolens ulike former for undertrykkelse og straffende disiplin, til hennes begivenhetsrike tid som guvernante på Thornfield Hall og hennes flukt til St John Rivers og søsteren hans.

Hva gir så denne oppsetningen oss som kan endre oppfatningen av en så kjent klassiker? Det mest åpenbare svaret er at dette er en sterkt feministisk versjon av historien, som fokuserer like mye – om ikke mer – på kampene i Janes oppvekst som på melodramaet på Thornfield. Vi ser Jane stå opp mot sin ufyselige familie, hevde seg mot mobbing og gjerrighet i fattigskolens regime, og kjempe for de vanskeligstilte rettigheter. Disse aspektene har alltid ligget i historien, men dramaturg Mike Akers har gjort boken en tjeneste ved å skrelle bort victoriansk tilbakeholdenhet og angst for kvinnelig selvhevdelse.

Vi får historien uten lakk og ferniss, og det er en ubetinget forbedring. Vi får også en bredere og rikere palett av bifigurer – den selvrettferdige og grusomme Mr Brocklehurst, den sykelige og helgenaktige Helen Burns og den tyranniske tanten, Mrs Reed. Dette er et forfriskende, tidsaktuelt og gjennomtenkt konsept som gir historien en tøffhet og karakterene en dybde som bør feie unna minnene om de mange mer sentimentale versjonene som hittil har dominert scene og lerret.

Det hjelper virkelig å forstå at idet Jane ankommer Thornfield Hall som guvernante for Mr Rochesters myndling, er hun en erfaren lærer og et ferdigformet menneske, ikke en engstelig og lett påvirkelig ingénue. Som et resultat er forholdet til Rochester likeverdig og gnistrende helt fra start, noe som gjør samspillet deres langt mer levende og interessant.

Bortsett fra Jane og Rochester spiller hele ensemblet flere roller, og de gjør en formidabel jobb med å differensiere mellom dem. Craig Edwards stjeler nesten hele showet som Rochesters hund, Pilot – en så troverdig og overbevisende hundeimitasjon som jeg noen gang har sett på teater. Det hele bygger på den skarpe intuisjonen om at en hund kan uttrykke de følelsene Rochester selv er for knyttet av angst og skyldfølelse til å sette ord på. Laura Elphinstone bringer en blek stoisisme til Helen Burns, en kontrasterende livlighet og energisk sjarm til Adele, og en selvrettferdig strenghet til St John Rivers – man skulle virkelig ikke tro at det var samme person i hver av disse rollene. Simone Saunders griper mulighetene i de mindre rollene som Bessie, Blanche Ingram og Diana Rivers, og Maggie Tagney skaper en fin kontrast mellom den lune husholdersken Mrs Fairfax og den sjalue tanten, Mrs Reed.

Hva så med Jane og Mr Rochester? Worrall leverer en prestasjon preget av stor glød, tøffhet og variasjon, uten å avsløre så mye av en sårbar side. Hun briljerer som en energisk problemløser snarere enn som en som blottlegger egne følelser. Felix Hayes er overraskende morsom som Rochester… tørt bevisst på sine egne motsetninger og vriene situasjon samtidig som han lever i dem. Og han har definitivt den rette brautende, bjørneaktige fremtoningen som rollen krever rent fysisk.

Like imponerende som skuespillet for det meste er, fortjener det store kreative teamet – hvis navn tar mer plass i programmet enn ensemblet på scenen – like mye ros. Cookson fortjener stor anerkjennelse for å ha pønsket ut et flott konsept og gjennomført det med nitid detaljrikdom gjennom hele kvelden. Gang på gang forvandler Aideen Malones lysdesign et hverdagslig øyeblikk til noe spesielt, og Katie Sykes' kostymer markerer tidsepoken tydelig samtidig som de gir rom for raske skift og tilpasninger.

Jeg har ennå ikke nevnt musikken i denne oppsetningen, som på mange måter er det mest bemerkelsesverdige aspektet ved verket. Midt i scenografien er det plassert et piano, et slagverk og plass til en felespiller og en trekkspiller. Benji Bower og et par andre musikere leverer en subtil blanding av jazz, folkemusikk og lekker minimalistisk musikk som bidrar sterkt til atmosfæren og tempoet i det hele. Mer spesifikt akkompagnerer de Melanie Marshall, kledd i en slående skarlagensrød kjole mens hun vandrer gjennom handlingen. Hennes praktfulle stemme tar oss gjennom flere sanger, både kjente og ukjente, før det gradvis avsløres at hun er Bertha Mason selv.

Det er et genuint skup å gi Bertha en egen stemme, all den tid hun ofte bare fremstilles som den uforståelige gale kvinnen på loftet. Selv om dette ikke er karakteren slik hun fremstår i Jean Rhys' berømte forløper Wide Sargasso Sea, er det likevel et svært overbevisende grep i dramaet, og hennes fremføring av 'Mad about the Boy' viste seg å være et av kveldens absolutte høydepunkter.

Hva er det da som frarøver denne fine oppsetningen den siste stjernen? Svaret er ganske enkelt at det tekniske mesterskapet noen ganger står i veien for den fulle innlevelsen i karakterene. Skuespillerne er så fokuserte på å levere en tour de force at noen av pausene, spesielt de som skal bygge opp den romantiske kjemien mellom Jane og Rochester, blir forhastet. Vi merker energien og gnisten i forbindelsen mellom dem, og også den seksuelle tiltrekningen; men selv mot slutten savnet jeg den fullstendige romantikken og ømheten som denne romanen faktisk krever.

Det virker som det skjer ganske ofte på National Theatre for tiden; når ensemblet er så fokusert på å vise frem hele spekteret av tekniske ferdigheter, kan det gå på bekostning av de mer tradisjonelle aspektene ved karakteriseringen. Vi trenger å se ikke bare Janes uavhengige styrke og Rochesters gretne lunefullhet, men også to karakterer som uunngåelig trekkes mot hverandre til tross forherdige forsøk på å la være. Noen ganger tror kanskje skuespillere at det blir for banalt å spille ut romantiske scener med hele hjertet. Det er ikke nok å hinte eller legge til ironi eller ta det for gitt – følelser må fortsatt noen ganger spilles ut i den store stilen ved de avgjørende øyeblikkene. Der originalteksten ble brukt i detalj, ble tempoet naturlig senket og forfatterens rytme gjenopprettet – dette burde skjedd oftere.

Dette er en gjennomført fengslende kveld i teateret. Man merker ikke at tiden går, og man kan ikke annet enn å bli imponert over hvordan ensemblet finner nye betydninger i materiale som vi alle tror vi kan ut og inn. Dette er en ekte ensembleproduksjon med rom for at enkeltpersoner kan skinne, samtidig som helheten resonnerer med noe større enn de individuelle bidragene. Det imponerte stort, fikk meg til å le ofte, men i andre akt rørte det meg sjelden slik det burde.

Jane Eyre spilles på National Theatre frem til 10. januar 2016.