ĐÁNH GIÁ: Jane Eyre tại Nhà hát Quốc gia (National Theatre) ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Sân khấu Lyttelton, Nhà hát Quốc gia

4 Sao

Mua vé

Vở kịch này khởi nguồn từ hai buổi diễn trọn đêm tại Bristol Old Vic, nơi tác phẩm ra mắt lần đầu vào năm 2014. Giờ đây, tác phẩm đến với Nhà hát Quốc gia trong một phiên bản cô đọng hơn, nhưng vẫn là một buổi tối dài – 3 tiếng 30 phút tính cả giờ nghỉ giải lao. Vở kịch đã được dàn dựng bởi đoàn diễn dựa trên cuốn tiểu thuyết lừng danh năm 1847 của Charlotte Brontë dưới sự chỉ đạo của đạo diễn Sally Cookson: ở một số khía cạnh, tác phẩm có những bước chuyển mình thú vị so với nguyên tác, nhưng về mặt văn bản, nó trung thành một cách ngạc nhiên trong nhiều phân đoạn.

Điều gây ấn tượng đầu tiên khi bạn ngồi vào chỗ tại Lyttelton chính là thiết kế sân khấu – một tác phẩm của Michael Vale. Sân khấu mở và được bao quanh bởi những tấm rèm trắng cao vút. Chúng bao bọc một hệ thống phức tạp gồm các lối đi bằng gỗ, dốc và bậc thang, xếp theo hình chữ U và có thể tiếp cận bằng nhiều loại thang khác nhau. Thỉnh thoảng, các đạo cụ và đồ nội thất cổ điển được đưa vào, nhưng chỉ thoáng qua. Nhìn chung, đây là một bối cảnh trừu tượng được thiết kế để tạo ra cảm giác về sự chuyển động ấn tượng và gợi mở lên nhiều địa điểm khác nhau.

Ngay từ khi bắt đầu, lúc nhân vật Jane khi trưởng thành (Madeleine Worrall thủ vai) than vãn và gào thét để mô phỏng sự ra đời của mình, các nhân vật đã chạy tán loạn, leo trèo, bám víu và vượt qua các cấu trúc này. Mỗi diễn viên – có bảy người, cộng với các nhạc công – phải di chuyển hàng dặm theo đúng nghĩa đen trong suốt một buổi tối mà chúng ta được kỳ vọng sẽ cảm nhận được hành trình cảm xúc khổng lồ mà Jane trải qua – từ sự đau khổ và bị ghẻ lạnh thời thơ ấu với những người thân độc ác, đến sự áp bức và kỷ luật khắc nghiệt tại trường Lowood, cho đến thời gian định hình cuộc đời làm gia sư tại Thornfield Hall và cuộc chạy trốn tìm nơi trú ẩn cùng với St John Rivers và em gái ông ta.

Vậy thì bản dựng này mang lại điều gì có thể thay đổi cách nhìn của chúng ta về một cuốn tiểu thuyết kinh điển đã quá quen thuộc? Câu trả lời rõ ràng nhất là đây là một phiên bản thiên về nữ quyền mạnh mẽ, tập trung nhiều vào cuộc đấu tranh khi lớn lên của Jane hơn là những tình tiết giật gân tại Thornfield. Chúng ta thấy Jane đứng lên đối đầu với gia đình xấu xa, khẳng định bản thân trước sự bắt nạt và hèn hạ của chế độ trường từ thiện, và đấu tranh cho quyền lợi của những người chịu thiệt thòi. Những khía cạnh này vốn luôn hiện diện trong câu chuyện, nhưng biên kịch Mike Akers đã giúp tác phẩm trở nên rõ nét hơn bằng cách tước bỏ sự dè dặt và lo âu của thời Victoria đối với việc phụ nữ tự khẳng định mình.

Chúng ta có một câu chuyện không còn bóng bẩy giả tạo và đó hoàn toàn là một sự cải thiện. Chúng ta cũng có được một bảng màu rộng hơn và phong phú hơn cho các nhân vật phụ – ngài Brocklehurst đạo đức giả và tàn ác, Helen Burns thánh thiện nhưng ốm yếu và người dì ác nghiệt, bà Reed. Đây là một ý tưởng mới mẻ, kịp thời và được cân nhắc kỹ lưỡng, mang lại sự cứng rắn cho câu chuyện và sự nở rộ cho các nhân vật, giúp xóa tan ký ức về nhiều phiên bản sướt mướt vốn đã thống trị trên sân khấu và màn ảnh từ trước đến nay.

Nó thực sự giúp chúng ta nhận ra rằng khi Jane đến Thornfield Hall với tư cách là gia sư cho con nuôi của ngài Rochester, cô đã là một giáo viên dày dạn kinh nghiệm và là một người trưởng thành hoàn thiện, chứ không phải một thiếu nữ ngây thơ nhút nhát. Kết quả là mối quan hệ với Rochester trở nên bình đẳng và đầy lôi cuốn ngay từ đầu, khiến sự tương tác giữa họ trở nên sống động và thú vị hơn nhiều.

Ngoài Jane và Rochester, các diễn viên còn lại đều đảm nhiệm nhiều vai và hoàn thành xuất sắc việc phân biệt giữa các nhân vật. Craig Edwards gần như chiếm trọn sự chú ý với vai chú chó Pilot của Rochester, một màn hóa thân vào loài khuyển thuyết phục và kỳ lạ nhất mà tôi từng thấy trong nhà hát – tất cả dựa trên trực giác nhạy bén rằng một con chó có thể biểu đạt những cảm xúc mà Rochester đang quá rối bời vì lo âu và tội lỗi không thể thốt nên lời. Laura Elphinstone mang đến một sự khắc khổ nhợt nhạt cho Helen Burns, một sự sống động đối lập và sức hút tràn đầy năng lượng cho Adele, và một sự nghiêm khắc giáo điều cho St John Rivers – bạn thực sự sẽ không nghĩ rằng cùng một người đang hóa thân vào các vai diễn này. Simone Saunders tận dụng tốt các cơ hội trong các vai diễn hạn chế hơn như Bessie, Blanche Ingram và Diana Rivers, và Maggie Tagney khéo léo tạo nét tương phản giữa bà quản gia đôn hậu Fairfax với người dì ghen tuông, bà Reed.

Vậy còn Jane và ngài Rochester thì sao? Worrall đã đem đến một màn trình diễn đầy nhiệt huyết, cứng cỏi và đa dạng mà không để lộ quá nhiều mặt yếu đuối. Cô xuất sắc trong vai trò một người giải quyết vấn đề năng nổ hơn là một người bộc lộ cảm xúc cá nhân. Felix Hayes gây ngạc nhiên khi vào vai Rochester đầy hài hước…. một cách mỉa mai ý thức được những mâu thuẫn của chính mình và tình cảnh trái ngang cùng một lúc. Và anh ta chắc chắn có khí chất thô lỗ, mạnh mẽ cần thiết để đáp ứng kỳ vọng về ngoại hình của vai diễn.

Ấn tượng như diễn xuất thì sự thành công cũng thuộc về đội ngũ sáng tạo hùng hậu, những cái tên chiếm nhiều không gian trong chương trình hơn cả đội ngũ trên sân khấu. Cookson xứng đáng nhận được lời khen ngợi cao vì đã đề ra một ý tưởng tuyệt vời và áp dụng nó một cách nghiêm ngặt đến từng chi tiết trong suốt buổi diễn. Hết lần này đến lần khác, sơ đồ ánh sáng của Aideen Malone đã biến một khoảnh khắc bình thường thành điều gì đó đặc biệt, và trang phục của Katie Sykes khẳng định rõ nét thời đại trong khi vẫn giữ được sự linh hoạt cho những lần thay đổi và thích nghi nhanh chóng.

Cho đến giờ tôi vẫn chưa nói gì về âm nhạc trong sản phẩm này, thứ mà ở một số khía cạnh là khía cạnh đáng chú ý nhất của tác phẩm. Nằm ở trung tâm sân khấu là một cây đàn piano, một bộ gõ và không gian cho một nghệ sĩ vĩ cầm và nghệ sĩ chơi đàn accordion. Benji Bower và một vài nhạc sĩ khác đã cung cấp một sự pha trộn tinh tế giữa jazz, dân gian và phần nhạc nền tối giản duyên dáng, góp phần khéo léo vào bầu không khí và nhịp độ của toàn bộ vở diễn. Cụ thể hơn, họ đệm đàn cho Melanie Marshall, người mặc chiếc váy đỏ rực rỡ và lang thang suốt các cảnh diễn. Giọng hát sang trọng của cô đưa chúng ta đi qua nhiều bài hát, cả quen thuộc lẫn xa lạ, cho đến khi cô dần dần được tiết lộ chính là Bertha Mason.

Đó là một cú đột phá thực sự khi để Bertha có giọng nói của riêng mình, thay vì thường chỉ được thể hiện như một người đàn bà điên không nói nên lời trên tầng áp mái. Mặc dù đây không phải là nhân vật như hình dung trong tiền truyện nổi tiếng Wide Sargasso Sea của Jean Rhys, nhưng đây vẫn là một sự lồng ghép rất thuyết phục vào kịch bản, và màn trình diễn 'Mad about the Boy' của cô ấy thực sự đã tạo nên cao trào cho buổi diễn.

Vậy điều gì đã tước đi ngôi sao cuối cùng của bản dựng tốt như thế này? Câu trả lời đơn giản là sự phô diễn kỹ thuật đôi khi gây cản trở sự thấu cảm hoàn toàn với nhân vật. Các diễn viên quá tập trung vào việc tạo ra một màn trình diễn phô diễn kỹ nghệ đến mức một số đoạn cần lắng đọng, đặc biệt là việc tạo ra sự lôi cuốn lãng mạn giữa Jane và Rochester, bị lướt qua quá nhanh. Chúng ta cảm nhận được sự hoạt bát và mạnh mẽ trong kết nối giữa hai người họ, và cả sức hấp dẫn giới tính nữa; nhưng ngay cả khi kết thúc, tôi vẫn thèm muốn một sự lãng mạn và dịu dàng mãnh liệt mà cuốn tiểu thuyết này thực sự đòi hỏi.

Có vẻ như thời gian gần đây tại Nhà hát Quốc gia, khi đoàn diễn quá tập trung trình diễn các kỹ năng kỹ thuật mà họ có, họ có thể bỏ lỡ những khía cạnh truyền thống hơn của tâm lý nhân vật vốn không nên bị xem nhẹ. Chúng ta cần thấy không chỉ tính cách độc lập mạnh mẽ của Jane và sự kỳ quặc gắt gỏng của Rochester, mà còn là hai con người bị thu hút lẫn nhau một cách tất yếu dù đã cố gắng hết sức để đẩy nhau ra. Đôi khi các diễn viên nghĩ rằng diễn các cảnh lãng mạn một cách chân thành và nồng nhiệt là quá lộ liễu. Việc ám chỉ hay thêm vào sự mỉa mai hoặc coi đó là điều hiển nhiên là chưa đủ – tình cảm đôi khi vẫn cần được thể hiện một cách khoa trương ở những khoảnh khắc cao trào. Khi văn bản gốc được sử dụng chi tiết, nhịp độ tự nhiên bị chậm lại và nhịp điệu của tác giả được tái khẳng định – điều này lẽ ra nên xảy ra thường xuyên hơn.

Đây là một đêm diễn đầy lôi cuốn tại nhà hát. Bạn không cảm thấy thời gian trôi chậm đi và chỉ có thể ấn tượng trước cách dàn diễn viên tìm thấy những ý nghĩa mới trong tư liệu mà tất cả chúng ta đều nghĩ là đã biết quá rõ. Đây là một sự phối hợp tập thể thực thụ với không gian cho các cá nhân tỏa sáng và tổng thể cộng hưởng thành một điều gì đó vĩ đại hơn cả những đóng góp riêng lẻ của họ. Nó gây ấn tượng cực lớn, khiến tôi cười thường xuyên, nhưng ở hiệp hai, nó ít khi chạm được đến trái tim tôi như lẽ ra nó phải thế.

Jane Eyre được diễn tại Nhà hát Quốc gia cho đến ngày 10 tháng 1 năm 2016.