ELEŞTİRİ: Jane Eyre, National Theatre ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Lyttelton Sahnesi, National Theatre

4 Yıldız

Bilet Al

Bu oyun hayatına, ilk kez 2014 yılında sahnelendiği Bristol Old Vic'te iki tam akşam süren bir yapım olarak başladı. Şimdi ise National Theatre'a kısaltılmış bir versiyonla geliyor; ancak bu hali bile ara dahil 3 saat 30 dakika süren uzun bir seyir sunuyor. Oyun, Charlotte Brontë'nin 1847 tarihli ünlü romanından Sally Cookson yönetmenliğinde ekip tarafından (devised) tasarlandı. Bazı noktalarda orijinalinden ilginç sapmalar gösterse de, metne olan sadakati birçok açıdan şaşırtıcı derecede yüksek.

Lyttelton'da yerinize oturduğunuzda sizi ilk çarpan şey Michael Vale'in set tasarımı oluyor. Sahne açık ve tam boy yükselen beyaz perdelerle çevrelenmiş. Bu perdeler, kabaca U şeklinde olan ve her biri farklı merdivenlerle erişilen ahşap yürüme yolları, rampalar ve basamaklardan oluşan karmaşık bir iskeleyi çevreliyor. Zaman zaman döneme ait aksesuarlar ve mobilyalar kullanılsa da bunlar gelip geçici. Genel olarak bu soyut set tasarımı, etkileyici bir devinim hissi yaratmak ve çeşitli mekanları canlandırmak için tasarlanmış.

Yetişkin Jane'in (Madeleine Worrall) doğumunu simgelemek için attığı çığlıklarla başlayan ilk andan itibaren, yedi oyuncu ve müzisyenler bu yapılar üzerinde sürekli koşturuyor, tırmanıyor ve debeleniyor. Jane'in çocukluğunda zalim akrabalarının yanındaki sefaletten Lowood Okulu'nun disiplinine, Thornfield Hall'daki mürebbiyelik günlerinden St John Rivers’ın yanındaki sığınağına kadar uzanan devasa duygusal yolculuğunu hissetmemiz için her bir oyuncunun gece boyunca kelimenin tam anlamıyla kilometrelerce yol kat etmesi gerekiyor.

Peki bu yapım, edebiyatın en meşhur romanlarından biri olan bu esere dair algımızı nasıl değiştiriyor? En bariz cevap, hikayenin Thornfield'daki melodramdan ziyade Jane'in yetişme sürecindeki zorluklarına odaklanan güçlü feminist bir yorum olmasıdır. Jane'in zalim ailesine kafa tutuşunu, yatılı okuldaki zorbalıklara karşı duruşunu ve dezavantajlıların haklarını savunmasını izliyoruz. Bu unsurlar hikayede hep vardı, ancak dramaturg Mike Akers, Viktorya dönemi çekingenliğini ve kadınların kendini kanıtlamasından duyulan kaygıyı ayıklayarak kitaba büyük bir hizmette bulunmuş.

Hikayeyi tüm bu eski dönem tortularından arınmış bir halde izlemek kesinlikle bir gelişme olmuş. Ayrıca Mr. Brocklehurst, Helen Burns ve Mrs. Reed gibi yan karakterlerin daha derinlemesine işlendiğini görüyoruz. Bu ferahlatıcı ve iyi düşünülmüş konsept, hikayeye bir sertlik ve karakterlere bir dolgunluk kazandırıyor; bu da bugüne kadar sahnede ve ekranda baskın olan romantik ve duygusal uyarlamaların üzerimizdeki etkisini silip atıyor.

Jane'in Bay Rochester’ın vesayeti altındaki çocuğa mürebbiyelik yapmak üzere Thornfield Hall'a vardığında sadece ürkek bir genç kız değil, deneyimli bir öğretmen ve tam oluşmuş bir şahsiyet olduğunu görmek hikayeye çok şey katıyor. Sonuç olarak Rochester ile olan ilişkisi en başından itibaren eşit ve kıvılcımlı bir hal alıyor, bu da etkileşimlerini genel olarak çok daha canlı ve ilginç kılıyor.

Jane ve Rochester dışındaki oyuncu kadrosu birden fazla rol üstleniyor ve karakterler arasındaki ayrımı yapmada üstün bir başarı sergiliyorlar. Craig Edwards, Rochester'ın köpeği Pilot rolünde adeta sahnede devleşiyor; bir köpeğin taklidi ancak bu kadar ikna edici olabilir. Edwards, Rochester’ın kaygı ve suçluluktan ifade edemediği duyguları köpeğin dışa vurduğu sezgisine dayanarak harika bir iş çıkarıyor. Laura Elphinstone ise Helen Burns'ün vakur metanetini, Adele'in enerjik cazibesini ve St John Rivers’ın sofu katı kişiliğini öyle başarıyla canlandırıyor ki, her rolü aynı kişinin oynadığına inanmak güç. Simone Saunders ve Maggie Tagney de yan rollerde hikayeye ustalıkla zenginlik katıyorlar.

Peki ya Jane ve Bay Rochester? Worrall, karakterin incinebilir yanlarını çok fazla ortaya koymasa da büyük bir şevk, sertlik ve çeşitlilik sunan bir performans sergiliyor. Kendi duygularını açığa vurmaktan ziyade enerjik bir problem çözücü olarak öne çıkıyor. Felix Hayes ise Rochester rolünde şaşırtıcı derecede komik... Kendi çelişkilerinin ve içinde bulunduğu zor durumun alaycı bir şekilde farkında olan bir Rochester bu. Kesinlikle rolün gerektirdiği o hırçın ve kaba mizaç ile fiziksel beklentileri fazlasıyla karşılıyor.

Oyunculuklar kadar övgüyü hak eden bir diğer unsur da, isimleri tiyatro programında neredeyse oyunculardan daha fazla yer kaplayan geniş yaratıcı ekip. Yönetmen Sally Cookson, harika bir konsept tasarlayıp bunu titizlikle uyguladığı için büyük bir alkışı hak ediyor. Aideen Malone’un ışık tasarımı sıradan anları özel kılarken, Katie Sykes’ın kostümleri hızlı değişimlere imkan tanıyarak dönemin ruhunu başarıyla yansıtıyor.

Şu ana kadar oyunun müziklerinden hiç bahsetmedim ki bu, yapımın birçok açıdan en dikkat çekici yönü. Sahnenin tam merkezine yerleştirilmiş bir piyano, bir perküsyon seti, bir kemancı ve bir akordeoncu için ayrılmış bir alan var. Benji Bower ve diğer müzisyenler, atmosfere ve oyunun temposuna ustalıkla katkıda bulunan caz ve folk karışımı minimalist bir müzik ziyafeti sunuyorlar. Özellikle Melanie Marshall'ın görkemli sesi eşliğinde aksiyonun içinde süzülerek seslendirdiği şarkılar büyüleyici; ta ki onun aslında Bertha Mason olduğu yavaşça ortaya çıkana kadar.

Çoğu zaman çatı katındaki dilsiz deli kadın olarak tasvir edilen Bertha'ya kendi sesini vermek gerçekten dahiyane bir hamle. Bu karakter tam olarak Jean Rhys'in ünlü öncel romanı 'Geniş Sargas Denizi'ndeki gibi olmasa da, dramaya eklenişi oldukça ikna edici ve 'Mad about the Boy' yorumu kelimenin tam anlamıyla izleyiciyi mest ediyor.

Peki, bu kadar başarılı bir yapımdan o son yıldızı mahrum bırakan şey ne? Cevap basit: Teknik ustalığın bazen karakterin o hayal dünyasına tam olarak girmemize engel olması. Oyuncular bir gövde gösterisi yapmaya o kadar odaklanmışlar ki, özellikle Jane ve Rochester arasındaki o romantik kimyanın oluşması gereken sessiz anlar biraz aceleye gelmiş. İkili arasındaki enerjiyi, hırpalamayı ve cinsel çekimi hissediyoruz ancak oyunun sonuna gelindiğinde bile romanın talep ettiği o tam anlamıyla yaşanan romantizmi ve şefkati biraz aradım.

Bugünlerde National Theatre yapımlarında sıkça görülen bir durum: Ekip, ellerindeki teknik becerileri sergilemeye o kadar odaklanıyor ki, karakter yaratmanın o geleneksel yönleri bazen ikinci planda kalabiliyor. Sadece Jane'in bağımsız karakter gücünü ya da Rochester'ın huysuzluğunu değil, tüm çabalarına rağmen birbirlerine kaçınılmaz olarak çekilen iki karakteri de görmek istiyoruz. Bazen romantik sahneleri tüm kalbiyle oynamak oyunculara fazla sıradan geliyor olabilir; ancak o büyük anlarda duyguyu tam anlamıyla yaşatmak hala gereklidir. Metnin orijinal kısımları daha yoğun kullanıldığında oyunun temposu doğal olarak yavaşlıyor ve yazarın ritmi hissediliyordu; keşke bu daha sık yapılsaydı.

Yine de bu, tiyatroda geçen son derece sürükleyici bir gece. Zamanın nasıl geçtiğini anlamıyorsunuz ve kadronun hepimizin çok iyi bildiği bu esere yeni anlamlar katma biçimine hayran kalıyorsunuz. Bu, sahnedeki her bireyin parlamasına olanak tanıyan ama toplamda bireysel katkılardan daha büyük bir yankı uyandıran gerçek bir topluluk oyunu. Beni oldukça etkiledi, yer yer güldürdü; ancak ikinci yarıda bana tam manasıyla dokunmayı başaramadı.

Jane Eyre, 10 Ocak 2016 tarihine kadar National Theatre'da izlenebilir.