REZENSION: Anything Goes, Crucible Theatre dann auf Tour ✭✭

Anything Goes

Crucible Theatre, Sheffield, anschließend auf UK-weiten Tournee

27. Dezember 2014

2 Sterne

Fragt man Stephen Sondheim nach Cole Porter, wird er vermutlich – wie in seinem Buch Finishing The Hat – sagen: "Das Einzigartige an Porter ist jedoch, selbst in seinen schrillsten, campesten Momenten, dass die Liedtexte wirklich empfunden sind ... Eine der Eigenschaften, die Porters Lyrics so glühend machen, ist, dass er die Hautevolee, die er satirisiert, liebt ... Jedes Wort, das Porter über (reiche Leute) schreibt, klingt wahr. Reiche Leute in Penthousewohnungen waren genau das, was Porters Aufmerksamkeit fesselte und seinen Witz entfachte; er kümmerte sich um sie ... Porters ... Schwäche ist eine kichernde, pubertäre Vorliebe für Doppeldeutigkeiten, die so platt sind, dass sie zu Eindeutigkeiten werden ... Das ist natürlich eine der Gefahren von Camp; mit einem einzigen Wortspiel kann es im Nu von beschwingt zu vulgär rutschen ... aber ... Porter glaubt an das, was er sagt, selbst wenn er am stärksten aufdreht." Derzeit ist am Crucible Theatre in Sheffield, in einer von Daniel Evans inszenierten Wiederaufnahme, Anything Goes zu sehen – ein Werk mit einem Buch, das im Laufe der Jahre von gleich sechs verschiedenen Autoren profitiert hat (von P. G. Wodehouse bis John Weidman), aber nur einen Librettisten und Komponisten kennt: Cole Porter. Wobei viele der Songs, die in der aktuellen Fassung der Show vorkommen, nicht eigens für dieses Stück geschrieben wurden.

Man kann, ohne Zweifel, schon aus dem Weltall sehen, wie diese Inszenierung zur Vulgärität ausrutscht.

Das ist eine wirklich geschmacklose Produktion eines Stücks, das in den richtigen Händen eine endlose Confiserie aus gehobenem Witz, fabelhaften Melodien und charmantem Klamauk sein kann. Nach so triumphalen Wiederbelebungen von Oliver! und My Fair Lady waren die Erwartungen hoch, dass Evans – zusammen mit Alistair David (der jene früheren Erfolge so klug und einfallsreich choreografierte), Nigel Lilley (ein sehr talentierter Musical Supervisor) und Tom Brady (der bei My Fair Lady so gute Arbeit leistete) – hier abliefert. Doch es wirkt, als hätten sie bei Aldi eingekauft und nicht bei Fortnum & Mason oder auch nur bei Waitrose.

Wie? Das war die Frage, die ich mir immer wieder stellte, während ich Soufflé um Soufflé serviert bekam – aber jeweils als plattgedrückten Pfannkuchen oder als überbackenen Siruptudding. Die Besetzung ist ein großes Problem, ebenso die Choreografie, aber auch das Gesamtkonzept, die Idee dahinter; es ist in fast jeder Hinsicht grundfalsch. Wo Stil sein müsste, ist Schmuddel; wo Anmut sein sollte, gibt es Grimassieren; wo Leidenschaft sein sollte, bleibt Belanglosigkeit. Anything Goes ist keine Pantomime; und auch kein Carry On-Film. Natürlich steckt es voller Albernheiten und ein bisschen schmutzigem Spaß – aber es funktioniert nur mit einem Überschuss an Energie, die auf Stil, glaubwürdige Figuren, Romantik und darauf gerichtet ist, selbst den unwahrscheinlichsten Plot plausibel wirken zu lassen. Es braucht keine Witze über erigierte Penisse oder offen nuttige Charakterzeichnungen – es braucht Finesse, Sicherheit, diese perfekte Mischung aus Farce und Sittenkomödie, die das Stück ausmacht. Das Kreativteam scheint das nicht zu begreifen.

Zum Glück hat Porters Partitur noch immer so viel Schönheit, Energie und Wärme: Das Alter hat sie nicht welk gemacht. Brady und das kleine Orchester spielen ordentlich, auch wenn manche Tempi viel zu langsam sind und anderen der echte Puls fehlt, den sie zum Glänzen bräuchten. Gesegnet ist die Produktion zudem mit einem begabten Ensemble, das im Chor wirklich sehr gut singen kann – die absolut besten Momente entstehen hier, wenn der Chor in voller stimmlicher Pracht aufdreht. Und das sind tatsächlich starke Augenblicke: There's No Cure Like Travel, Bon Voyage und There'll Always Be A Lady Fair. Das robuste, virile Männerensemble ist in jeder Hinsicht großartig und bildet das Rückgrat dieser Produktion. Besonders gut: Jack Evans, Dylan Mason und Adam Rhys-Charles; Bob Harms lieferte als gangster- und celebrity-verliebter Captain die beste Leistung des Abends – tolle Stimme, scharfe Charakterzeichnung und ein exzellentes Stilgefühl. Keine Produktion von Anything Goes kann in schwindelerregende Höhen aufsteigen ohne eine sensationelle Reno Sweeney, die glühend heiße Chansonnière, und eine atemberaubende Tap-Nummer am Ende des ersten Akts, wenn der Titelsong herausgeschmettert wird. Leider hat diese Inszenierung weder das eine noch das andere. Sweeney war ursprünglich ein Starvehikel für Ethel Merman, also braucht es eine Stimme, die mit Wucht belten kann; Debbie Kurup kann vieles gut, aber ein hohes, reines Belt ist nicht ihre Paradedisziplin – und sowohl Anything Goes als auch Blow Gabriel Blow litten entsprechend. David, sonst für seine Stärken bekannt, ließ mit seiner Choreografie die Darsteller so aussehen, als könnten sie die Routinen nicht bewältigen. Das Ergebnis war Brause, wo es Dynamit hätte sein müssen. Den hauchdünnen Figuren Leben einzuhauchen und die Liebeslieder und Listen-Songs aufrichtig und schwungvoll wirken zu lassen, ist die zentrale Herausforderung der Produktion – und eine, die Kurup, Matt Rawle (dessen Stimme für die Partitur ungeeignet war und dessen Billy teils Jimmy Stewart, teils Aufziehspielzeug wirkte), Zoe Rainey (ihre Hope hatte keine, und ihre hübsche Stimme wurde nicht vorteilhaft genutzt) und Alex Young (dessen Irma eher in Kander & Ebbs Cabaret zu sein schien als in dieser Show) nicht meistern. Hugh Sachs ging weit über jedes vernünftige Maß an Charme und komischem Können hinaus, das nötig wäre, um das Geschenk einer Rolle wie Moonface Martin zum Funkeln zu bringen – und lieferte stattdessen eine Meisterklasse in tödlich unlustigen Charakterpossen. Schlechter Gesang und grauenhaftes Timing machten einen ohnehin mit Käse überladenen Moon noch schlimmer. Im ersten Akt schien Stephen Matthews aus demselben Holz geschnitzt; sein Lord Evelyn war freudlos und überzogen. Doch im zweiten Akt fand er zu sich, und sein Plum-Blossom-Geständnis sowie die Darbietung von Gypsy In My Soul zeigten, dass der richtige Stil und die richtige Haltung hier durchaus möglich gewesen wären.

Von den älteren Ensemblemitgliedern kam Simon Rouse mit seinem dipsomanischen Elisha Whitney meist davon, aber er war nicht so geldgierig aufgedreht, wie er hätte sein können. Jane Wymark warf die Rolle der Evangaline Harcourt mit einer Entschlossenheit weg, die ebenso kompromisslos wie frustrierend war. Größtenteils war das, was die Company tanzen sollte, rätselhaft – und nicht die Art von Tanz, die die Partitur oder die Romantik und der Elan, die darunterliegen, nahelegen.

„Exzentrisch“ ist vielleicht das beste Wort für Richard Kents merkwürdiges, völlig abgedrehtes Bühnenbild. Es war schwer nachzuvollziehen, warum man gerade dieses Design für die beste Unterstützung der Inszenierung hielt. Sicher, es gab ein paar seltsame Gimmicks, die verschiedene gleichzeitige Perspektiven ermöglichten (von oben und frontal) auf ein überwiegend statisches Set – aber der Raum war vollgestellt, und aus der Umgebung kam wenig Farbe oder Energie. Die Kostüme halfen auch nicht viel; die arme Zoe Rainey litt am meisten unter einer Reihe unvorteilhafter und unerklärlich hässlicher Outfits.

So groß ist die Kraft von Porters Texten und Musik, dass selbst dann, wenn man ihnen einen Bärendienst erweist – wie hier über weite Strecken –, immer noch eine schwer greifbare Größe bleibt, die ein gewisses Maß an Vergnügen garantiert. Das Publikum wird mit dem Fuß wippen, mitsummen und auf irgendeiner Ebene zufrieden sein. Aber bei weitem nicht in der Art von jubelnden, schwindelerregenden Höhen, die erreicht werden sollten. Nein. Das war eine Produktion von Anything Goes, in der – so schien es – tatsächlich alles geht. Oder ging. Leider ist der Titel nicht als Inspirationsquelle für Regie oder Choreografie gedacht. Termine und Spielorte der UK-Tournee von Anything Goes sind hier aufgeführt.