RECENSIONE: Anything Goes, Teatro Crucible e poi in tournée ✭✭

Tutto è permesso

Crucible Theatre, Sheffield, poi tournée nazionale nel Regno Unito

27 dicembre 2014

2 stelle

Chiedete a Stephen Sondheim di Cole Porter e probabilmente vi dirà, come fa nel suo libro, Finishing The Hat: "La cosa unica di Porter, però, anche quando è al massimo del camp, è che i testi sono sinceramente sentiti...Una delle cose che dà fervore ai testi di Porter è che ama l’alta società che sta satirizzando...ogni parola che Porter scrive sui (ricchi) suona vera. I ricchi nei attici sono precisamente ciò che catturava l’attenzione di Porter e accendeva il suo spirito; gli importavano...La...debolezza di Porter è una tendenza adolescenziale e sghignazzante per i doppi sensi così sfacciati da diventare sensi unici...È uno dei pericoli del camp, naturalmente; può scivolare dall’euforico al volgare nello spazio di un’allusione...ma...Porter crede in ciò che dice, anche quando è più surriscaldato." Ora in scena al Crucible Theatre di Sheffield, in una ripresa diretta da Daniel Evans, c’è Anything Goes, un titolo con un libretto che nel corso degli anni ha beneficiato del contributo di sei diversi autori (da P.G. Wodehouse a John Weidman) ma di un solo librettista e compositore – Cole Porter – anche se molte delle canzoni presenti nell’attuale versione dello spettacolo non furono composte appositamente per questo titolo.

Si può, senza dubbio, vedere lo slittamento verso la volgarità di questa produzione dallo Spazio.

È una produzione davvero di pessimo gusto di un’opera che, nelle mani giuste, può essere una delizia inesauribile di arguzia sofisticata, melodie splendide e irresistibile brio. Dopo aver presieduto a riprese così trionfali di Oliver! e My Fair Lady, le aspettative erano alte che Evans, insieme ad Alistair David (che ha coreografato con intelligenza e ingegno quei successi precedenti), Nigel Lilley (un Supervisore Musicale di grande talento) e Tom Brady (che ha fatto un lavoro così buono su My Fair Lady) avrebbero centrato l’obiettivo. Ma sembra che abbiano fatto la spesa all’Aldi e non da Fortnum & Mason o neppure da Waitrose.

Come? È la domanda che continuavo a farmi mentre vedevo soufflé dopo soufflé serviti come frittelle afflosciate o pudding al toffee troppo cotti. Il casting è un grosso problema, così come la coreografia, ma anche il concetto complessivo, l’idea portante; è semplicemente sbagliata in quasi ogni aspetto. Dove dovrebbe esserci stile, c’è sporcizia; dove dovrebbe esserci grazia, c’è smorfia; dove dovrebbe esserci passione, c’è inconsistenza. Anything Goes non è una pantomime; né un film della serie Carry On. Certo è strapieno di sciocchezze e di un divertimento un po’ piccante, ma funziona solo con un eccesso di energia concentrata su stile, personaggi credibili, romanticismo e sulla capacità di rendere plausibile la più improbabile delle trame. Non ha bisogno di battute su peni in erezione o di caratterizzazioni apertamente da squillo – ha bisogno di finezza, sicurezza, di quella miscela perfetta di farsa e commedia di costume che lo definisce. Qui i creativi non sembrano capirlo.

Per fortuna la partitura di Porter conserva tanta bellezza, energia e calore: gli anni non l’hanno appassita. Brady e la piccola orchestra suonano abbastanza bene, anche se alcuni tempi sono troppo lenti e altri mancano del vero impulso necessario a brillare. La produzione è inoltre benedetta da un ensemble dotato, capace di cantare in massa davvero molto bene: i momenti migliori sono senza dubbio quelli in cui il coro è in piena gloria vocale. E sono momenti notevoli: There's No Cure Like Travel, Bon Voyage e There'll Always Be A Lady Fair. Il vigoroso ensemble maschile è splendido sotto ogni aspetto e costituisce la spina dorsale di questa produzione. Particolarmente bravi Jack Evans, Dylan Mason e Adam Rhys-Charles; Bob Harms ha offerto la miglior prova della serata nei panni del Capitano gangster/innamorato delle celebrità – gran voce, personaggio incisivo ed eccellente senso dello stile. Nessuna produzione di Anything Goes può sperare di raggiungere vette vertiginose senza una sensazionale Reno Sweeney, la cantante rovente, e un numero di tip-tap mozzafiato a chiudere il Primo Atto quando il brano del titolo viene sparato a pieni polmoni. Purtroppo, questa produzione non ha né l’una né l’altro. Sweeney era un ruolo creato per Ethel Merman, quindi l’interprete deve avere una voce capace di “beltare” con slancio; Debbie Kurup è brava in molte cose ma il belting alto e puro non è il suo punto di forza, e sia Anything Goes sia Blow Gabriel Blow ne hanno risentito. Ribaltando le sue abilità abituali, la coreografia di David ha fatto sembrare che gli interpreti non fossero in grado di eseguire le routine. Il risultato è stato gazzosa frizzante quando avrebbe dovuto essere dinamite. Dare vita a personaggi sottili come chiffon e far sembrare sincere e scattanti le canzoni d’amore e le canzoni-elenco è la sfida principale della produzione, e una sfida che supera Kurup, Matt Rawle (la cui voce era inadatta alla partitura e il cui Billy sembrava in parte Jimmy Stewart e in parte un giocattolo a molla), Zoe Rainey (la sua Hope non ne aveva affatto, e la sua bella voce non è stata sfruttata a dovere) e Alex Young (la cui Irma sembrava essere in Cabaret di Kander & Ebb piuttosto che in questo spettacolo). Andando ben oltre ogni sensata misura di fascino e abilità comica necessaria a far scintillare e brillare il regalo di un ruolo come Moonface Martin, Hugh Sachs ha dato una masterclass di trasformazioni di personaggio mortalmente prive di humour. Canto scadente e tempi comici disastrosi hanno aggiunto un’ulteriore coltre di pacchianeria a una Luna già sovraffollata di formaggio. Nel Primo Atto, Stephen Matthews sembrava tagliato dalla stessa stoffa: il suo Lord Evelyn era privo di gioia e troppo caricato. Ma nel Secondo Atto ha trovato la sua dimensione, e la confessione di Plum Blossom e l’interpretazione di Gypsy In My Soul hanno mostrato che qui lo stile e l’atteggiamento giusti erano possibili.

Tra i membri più maturi del cast, Simon Rouse se l’è cavata perlopiù con il suo Elisha Whitney dipsomane, ma non era frenetico per il denaro quanto avrebbe potuto. Jane Wymark ha buttato via il ruolo di Evangaline Harcourt con una determinazione tanto totale quanto frustrante. Per lo più, le danze richieste alla compagnia erano spiazzanti e non il tipo di danza immaginato dalla partitura né dal romanticismo e dallo slancio che la sorreggono.

Eccentrico è forse l’aggettivo migliore per la curiosa scenografia “fuori di testa” di Richard Kent. Era difficile capire perché si pensasse che questo impianto fosse il più adatto a sostenere la produzione. Certo, c’erano strane trovate che permettevano diverse prospettive simultanee (dall’alto e frontalmente) di un set per lo più statico, ma lo spazio era ingombro e intorno c’era poco colore o energia. I costumi non hanno aiutato molto; la povera Zoe Rainey è stata quella che ha sofferto di più, in una serie di outfit poco lusinghieri e inspiegabilmente brutti.

Tale è la forza dei testi e della musica di Porter che, anche quando vengono mal serviti, come per lo più accade qui, resta comunque una grandezza ineffabile che garantisce un certo livello di piacere. Il pubblico batterà il piede, canticchierà e, a un certo livello, sarà soddisfatto. Ma non lontanamente le vette vertiginose e gioiose che dovrebbero essere raggiunte. No. Questa era una produzione di Anything Goes in cui, a quanto pareva, tutto è permesso. O lo era. Peccato: il titolo non vuole essere un’ispirazione diretta per la regia o per la coreografia. Date e sedi della tournée nazionale di Anything Goes sono elencate qui.